Pop is dead

Enriquezca su lunfardo

2012-01-28T14:14:00.003-03:00

INSÁI. (Del ing. inside) En fútbol, mediocampista. Sinón.: Insider, volante, ochoa, escoba.

ORTIBA. (Revés de batidor) Delator, soplón. Sinón.: buchón, alcahuete. Apl. tamb. a la persona seria, malhumorada o poco dispuesta a la diversión.

TACHO. Taxi. (Tachero: taxista).

Mini reviews 5

2011-12-16T23:03:00.017-03:00

DEPECHE MODE – Some Great Reward (1984)

Cuarto álbum de Depeche Mode, pero acaso su primer gran disco, coherente, sin fisuras, donde se perfecciona lo iniciado en Construction Time Again (1983), esto es, la instalación definitiva del sampler en la vida musical del cuarteto de Basildon. Some Great Reward, pues, brilla justo donde fallaba su antecesor: en la combinación de tecnología de punta con buenas canciones. El grave registro de Gahan por fin adquiere la seguridad que reclama el endurecimiento musical; la pluma de Gore gana lucidez para retratar la vida gris de la gente común y sus vías de escape poco ortodoxas (cuero negro, sadomasoquismo, ambigüedad sexual) y los sintes desparraman calculadas pinceladas por doquier. Indudablemente influenciados por una oscura Berlin y sus célebres estudios Hansa, más el orden impuesto por Gareth Jones, los Depeche inician su ascenso artístico anticipando algo… una celebración bastante negra.

Claves: “Somebody”, “Master and Servant”, “Blasphemous Rumours”.

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MIKE OLDFIELD – Tubular Bells 2003 (2003)

Imaginen qué ocurriría si Jimmy Page se encerrase en el estudio a rehacer Led Zeppelin IV (1971) nota por nota, pero con las posibilidades técnicas actuales, o si Robert Fripp reuniera al mejor Crimson para regrabar Red (1974). Sería un despropósito, ¿no? Como mínimo. Pues bien, Mike Oldfield tuvo esa misma idea en el aniversario 30º de su Tubular Bells (1973), y lo que podría, o mejor dicho, tendría que haber sido destinado a algún box set solo para fanáticos, terminó impunemente en las bateas de todo el globo, perpetrando otro descarado acto de caradurismo musical. La famosa obra del compositor inglés, tal vez pionero del new age, aparece aquí calcada aunque librada de ligeras desafinaciones e incorrecciones de la interpretación humana que los remasters no pudieron solucionar, pero que el músico se encarga de subsanar mediante la recreación total con una ayudita de la empresa Roland Inc., algo así como pasarle lavandina a un lindo piso de parquet. Lo que seguramente no imaginó Mike es que Tubular Bells 2003 sería en poco tiempo fácilmente hallable en polvorientas bateas de feria, allí donde se pueden encontrar verdaderos tesoros, pero donde también se apila un enorme, creciente caudal de discos que nadie, pero nadie quiere.

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BRIAN MAY – Back to the Light (1992)

Rodeado de músicos de sesión, Brian May despliega el particular sonido de su Red Special y sus inquietudes –ya sobradamente tratadas en su ex grupo– en un álbum poco imaginativo, dotado de no pocas obviedades melódicas, un dudoso sentimentalismo y una duración insalubre no tanto en términos reales, sino en cuanto a la lentitud que embarga a la curva temporal durante la escucha. Pese a ser un proyecto de larga data, las kilométricas líneas de agradecimientos denotan el jugo extraído a las circunstancias recientes (el fallecimiento de Freddie Mercury y el concierto tributo), lo que podría leerse como liso y llano oportunismo. Forzados hard-rocks (“Love Token”) y vanos intentos de emular la efectividad de viejas fórmulas (“Let Your Heart Rule Your Head” se parece a “39”) se encargan de echar por tierra las buenas intenciones, y Back To The Light queda reducido en el acto a un disputado objeto de colección destinado a enaltecer la obra de Queen y la química de este gran guitarrista y compositor con sus ex compañeros. Luego de esto, afortunadamente, May no se mostrará muy perseverante en cuanto a su carrera solista.

Personal Fest, día 2, 05/11/11: Sonic Youth e INXS

2011-11-07T14:25:00.021-03:00

INXS

La historia del rock no abunda en ejemplos de grupos hayan sobrevivido con altura a la partida física de su cara visible. Algunos, los que apostaron por la dignidad, optaron, o bien por la disolución y dedicación a proyectos propios, o bien por el reagrupamiento y el sostén de propuestas novedosas, diferentes, como el caso de Joy Division devenido en New Order tras el suicidio de Curtis.

Pero hay otra facción, más sospechosa, que revuelve legados, arruina discografías, ensaya material nuevo –por lo general de calidad baja– como mera excusa (casi un pedido de permiso), y testea reemplazos con una tenacidad asombrosa, inclusive incurriendo en la vieja y perversa fórmula de “el fin justifica los medios”. La buena salud que goza el conformismo del hit pretérito parece legitimar este fenómeno auto-tributario. Este INXS, pues, saldrá al escenario a cumplir las modestas expectativas de sus fans argentinos y juntos, durante hora y veinte, intentarán justificar el slogan de esta edición del Personal Fest.

La exhumación permanente de los hermanos Farriss esta vez contó con los servicios del bueno de Ciaran Gribbin, un joven irlandés con un registro muy similar al de Bono, quien en su segundo show con la banda se cansa de entregar gastados clichés de estadio, y también de repartir, entre tema y tema, elogios a sus jefes australianos (de precisión y oficio indiscutibles) y a su malogrado antecesor. Los éxitos de antaño (“By My Side”, “Suicide Blonde”, “Devil Inside”, etc.) se suceden en versiones fieles, y algunos hasta presentan modificaciones, poco afortunadas en el caso de “Original Sin”. También ve la luz una pieza nueva, “Tiny Summer”, posiblemente condenada a la intrascendencia.

Por su parte, la interpretación de Gribbin no otorga a las canciones nada diferente a lo que podría haber ofrecido cualquiera de sus compañeros de audición. Su performance no imita a la de Hutchence, lo cual es un acierto, pero su futuro está sin dudas atado al balance de los veteranos fundadores, quienes tarde o temprano decidirán si el chico se queda o si tiene que pasar a buscar el cheque por la oficina.

SONIC YOUTH

Lo de los neoyorkinos sí que es difícil de describir. Tomaron el escenario con retraso, gracias a la perorata que el grupo de moda (Calle 13) desparramó en el escenario contiguo, y arrancaron su segundo show en esta ciudad a la manera de una banda mítica, acorde con su leyenda, su historia y su legado, a esta altura, una especie de secreto para unos pocos. La huida de gran parte de la concurrencia al finalizar el set de los puertorriqueños así lo demuestra.

Si el comunicado de la separación del matrimonio vertebral de la bajista y cantante Kim Gordon y el guitarrista y cantante Thurston Moore no se hubiese hecho público, la previa hubiese sido un poco más feliz, despojada de la tristeza que provoca la posibilidad de una ruptura grupal. Ahora bien, en los papeles, el devenido quinteto ejecutó su tormenta eléctrica con una desfachatez bastante lejana a la de una despedida.

Inaugurado con “Sacred Trickster”, el show, que careció de fisuras en su recorrido inductor del trance, permitió al par de miles de participantes de esa experiencia contemplar boquiabierto y en silencio un espectáculo más sensorial que musical. Expliquemos: la propuesta de Sonic Youth consiste, desde hace tres décadas, en explorar a su modo el límite de la canción, lo que se tradujo en una extensa discografía donde la estructura es desafiada y el estribillo es insultado, y se privilegia el acople, la ejecución a través de elementos poco ortodoxos, las afinaciones extrañas (herencia de Glenn Branca), los climas y clímax y una poesía marginal, cuestionadora de los sueños de la vida moderna.

La ruta elegida para la noche del sábado no se ahorró puntos altos de la obra sónica: “White Cross”, “Cotton Crown” (del elemental Sister, de 1987), “Tom Violence” (EVOL, 1986), “Cross the Breeze”, la esperada intervención de Lee Ranaldo en “Hey Joni”, por mencionar algunos, conformaron un set que pudo haber sido simplemente magistral si la producción no hubiera apurado el final del ritual prendiendo las luces en el momento cúlmine de “Sugar Kane” y cortando el sonido luego de la última nota, lo que derrumbó la posibilidad del bis pautado, nada menos que “Teen Age Riot”, ausente en su visita anterior.

Empero, esta barrabasada organizativa, que se suma a otras cuantas que sería extenso desarrollar, no alcanzó para borrarle la sonrisa al apabullado espectador, que se retiró del predio soñando con que no, con que esto no se termine.

Mini reviews 4

2011-10-18T19:25:00.014-03:00

THE DOORS – Strange Days (1967)

Magistral segundo álbum de la banda californiana encabezada por el enigmático Jim Morrison, hombre de profunda voz e inigualable carisma que meses antes de esta edición había osado vaticinar el final del sueño hippie en su momento de plenitud. Con esta colección de bellas y lisérgicas canciones de exquisito caudal melódico, los Doors ratifican los alabados logros del debut aparecido ese mismo año. La fina y oscura poesía de Morrison navega por los surcos con la implacable seguridad que le proporciona el nivel interpretativo de la tríada Manzarek/ Densmore/ Krieger, cuya versatilidad pasea gentilmente al oyente por delirantes experiencias chamánicas (“Horse Latitudes”) y elegantes rocks con toques bluseros (“Love Me Two Times”, “Moonlight Drive”) antes de arribar al final épico de “When The Music’s Over”.

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CANSEI DE SER SEXY – Ídem (2006)

El primer larga duración de esta banda indie paulista conocida mundialmente abunda en ritmos bailables y contagiosos complementarios con la sugerente voz de la cantante Lovefoxxx, quien no se ahorra referencias sexuales explícitas, lo que eleva la temperatura y carga adrenalínica de la audición. Sin embargo, toda esa mixtura de electro-pop, dance, new wave y rock alternativo, enriquecida con variados recursos instrumentales, tiende a perderse en desarrollos anodinos, y el hedonismo gana definitivamente la partida. Y he ahí el gran debate que parece contener Cansei de Ser Sexy: el que separa una simple noche descontrolada de un porvenir fructífero.

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TRACY BONHAM – The Burdens of Being Upright (1996)

La cantautora bostoniana conoció el éxito, aunque moderado y fugaz, gracias a la alta rotación en MTV del videoclip del tema “Mother Mother”, en el que parecía contarle a su progenitora los pormenores de su incipiente aventura en el mundo del espectáculo. A medio camino entre Alanis Morissette y Hole, la ópera prima de la escuálida violinista despliega un tenaz intimismo tanto en su forma lenta como en su disfraz post-grunge; ahora bien, tanta adhesión a las sonoridades dominantes de la escena “alternativa” (según los estándares de la cadena norteamericana) acaba por irritar. Probablemente consciente del embudo al cual sería sometida toda una generación (?), la Bonham se reconoce como una “One Hit Wonder” en el track así titulado (aunque eso de "wonder" es discutible), y solita se guarda en el cajón. Mejor así.

Soda Stereo revisitado VII

2011-09-28T20:13:00.006-03:00

Hoy en día es habitual que los artistas se tomen entre dos y cuatro años para sacar a la calle material nuevo. Pero antes, cuando las reglas del juego eran otras, semejante lapso podía dar lugar a pensar en una separación, o en el mejor de los casos, en un largo e indefinido descanso.

En el caso de Soda, este silencio fue testigo de la gestación y ascenso del rock barrial, coherente con el proceso político en curso, y también del apogeo del llamado Nuevo Rock Argentino, encabezado, entre otras, por bandas que habían sido elegidas para telonear al trío en la presentación de Dynamo, como Babasónicos y Juana La Loca.

Pero así como el hiato permitió la primera incursión solista de Cerati (Amor Amarillo, 1993), también posicionó al grupo como un “clásico” habilitado para tomarse cualquier concesión, inclusive la de considerarse a sí mismo como tal. Por ello, exasperadamente conscientes de su status dentro de la escena, y quizás ya pensando en cerrar el círculo, Gustavo, Charly y Zeta encaran su nuevo material mirando “hacia adentro”, es decir, basándose en su propia obra, aunque, cuándo no, con un ojo puesto en lo contemporáneo.

El paralelo con el Abbey Road beatle que establecía Cerati en una entrevista para MTV no era casual ni caprichoso. Grabado en Londres y Buenos Aires, Sueño Stereo será una especie de resumen, un auto-homenaje, cuyos primeros ensayos también tendrían cualidades terapéuticas no sólo para un Bosio golpeado por la tragedia, sino para un grupo cuya ruptura se venía gestando al menos desde 1992.

“Ella usó mi cabeza como un revólver”, con su título extraído de “Planet Queen” de T Rex, abre con todo un disco cuyos tracks revelan un origen de zapada patente en largas introducciones y desarrollos cansinos, apenas sacudidos por el pop saltarín de “Zoom”, el rock sinuoso de “Paseando por Roma” y el voltaje de “Ángel Eléctrico”. El trío navegará con comodidad por bellas lagunas electroacústicas (“Crema de estrellas”, “Pasos”, “Efecto Doppler”), se dará el gusto de propinar una página ambient (“X-Playo”), y ampliará, líricamente, una cosmovisión mística.

El disco será muy bien recibido por crítica y público, y la serie de ocho shows en el Gran Rex mostrará a un Soda cómodo, sonriente, orgulloso de un material que no desentonaba con los grandes éxitos de su carrera (como sí lo hacía la propuesta de su antecesor), ante un público fiel y renovado.

También persistieron (aunque por fuera de esta serie de conciertos) gestos de apadrinamiento hacia una nueva generación de músicos alternativos, que vieron u oyeron en la bestia pop una legitimación de unas sonoridades «otras», opuestas al tenaz conservadurismo que empezaba a propagarse como nube de gas venenoso.

Y mientras las especulaciones sobre el futuro del grupo se diluían en declaraciones crípticas, el material sobrante del flamante álbum y una invitación de MTV mantendrían el kiosco abierto un tiempo más.

Tracks: Ella usó mi cabeza como un revólver - Disco eterno - Zoom - Ojo de la tormenta - Efecto Doppler - Paseando por Roma - Pasos - Ángel eléctrico - Crema de estrellas - Planta - X-Playo - Moirè.

Links: Blur – The Great Escape (1995); Stereolab – Mars Audiac Quintet (1994); Spiritualized - Pure Phase (1995); Massive Attack – Protection (1995); Soda Stereo – Dynamo (1992).

Soda Stereo revisitado VI

2011-09-14T19:47:00.012-03:00

El año ’92 encuentra al cerebro de Soda Stereo directamente obsesionado con la idea de tomar distancia, al menos en lo musical, de cuanto lo rodeaba. Ya el Rex-Mix (1991) y su inédito "No necesito verte (para saberlo)", y las versiones tecnificadas de “Prófugos” y “En camino” desplegadas en el último año anticipaban el camino abierto, primero por influencias de la Inglaterra de avanzada, luego por su sociedad cada vez más fructífera con Daniel Melero y, en última instancia, por el hecho de contar con estudio propio (Supersónico).

Colores Santos, el impar experimento firmado por Cerati/Melero, perpetrado en el muy bien provisto búnker de Villa Urquiza, constituyó el primer factor de desorientación para los desprevenidos fans. Y mientras el luminoso mantra de “Vuelta por el Universo” se desparramaba forzadamente en la programación radial, el trío daba forma a Dynamo, su disco más rupturista, el que recogería las vibraciones del cimbronazo indie facilitado por la movida de madchester y el shoegaze.

Este salto de eje implicará un uso masivo de efectos de modulación, samplers, estructuras hipnóticas, y una mirada que, a contramano del creciente realismo noticiario, dirigiría sus coordenadas hacia lo más profundo del inconsciente. ¿Qué quedaba, entonces, «de aquel amor de música ligera», ante tal abrazo a la introspección y al ruido blanco generado por capas y capas de guitarras y teclados? A simple vista, poco. “Primavera 0” sería la conexión elegida por la compañía, a pesar del grupo, para intentar sostener una escucha a gran escala.

De este modo, tal como insinuaba un joven Pablo Schanton en una revista de escasa circulación, la gran bestia pop se hacía depositaria de un gesto, el de “entrenar” el convencionalista, limitado y poco informado oído masivo argentino: electricidad para las masas. Como era de esperar, el fan promedio huirá despavorido de la (des)carga energética que supone Dynamo.

Como para redondear ese gesto, la misma banda que apenas un año antes reunía a un cuarto de millón de personas en la 9 de Julio, presentaría su flamante álbum en un Obras teñido de rojo, y sostendría en ese recordado ciclo a un puñado de bandas alternativas emergentes. Entretanto, a unas pocas cuadras, el peor Serú Girán materializaba una de las reuniones más fraudulentas y patéticas que se recuerde. Un lindo contraste que, a causa del colapso humano y la interrupción abrupta de la gira consecuente, no podrá ser disfrutado de manera plena.

Tracks: Secuencia inicial - Toma la ruta - En remolinos - Primavera 0 - Camaleón - Luna roja - Sweet Sahumerio - Ameba - Nuestra Fe - Claroscuro - Fue - Texturas.

Links: My Bloody Valentine – Loveless (1991); Primal Scream – Screamadelica (1991); Ultra Vivid Scene – Joy 1967-1990 (1990); U2 – Achtung Baby! (1991); Babasónicos – Pasto (1992).

Soda Stereo revisitado V

2011-09-03T15:11:00.003-03:00

La nueva década puso al trío ante una encrucijada: repetir el esquema de exasperante “normalidad” testeado en Doble Vida y adelantarse unos años a la bacteria infecta de Maná, o redoblar la apuesta e integrar la nueva información que llegaba y volaba la cabeza de Gustavo Cerati, quien asimismo atravesaba una etapa de recupero de viejas pasiones valvulares. Había corrido agua bajo el puente. La escena independiente, a ambos lados del océano, era un hervidero. La siempre ultra-receptiva antena del líder de Soda recibía con gozo estos nuevos estímulos, en parte auspiciados por el nuevo colaborador, Daniel Melero, hombre difícilmente asociable a una producción complaciente.

Así pues, Soda inaugura la nueva década a puro guitarrazo y dotando a su factoría pop de un tinte dramático y visceral. Si el riff que ametralla “En el séptimo día” anticipa algo, es esta verdadera celebración del instinto donde aparecerá el sexo salvaje, el resentimiento, la soledad y la angustia, ideas coherentes con un imponente marco musical que dinamita las dubitaciones del trabajo anterior. La base Bosio-Alberti suena como nunca, y hasta los momentos acústicos, como el spinetteano “Té para 3” o “1990”, cargados de finos arreglos melódicos, sustentan sin fisuras la cruda idea matriz.

Pese a su horrible portada, Canción Animal sería rápidamente reconocido como la definitiva obra maestra del grupo más exitoso de América Latina, presto nuevamente para arrasar de manera alevosa en todos los aspectos posibles: encuestas, ventas, convocatoria. Soda Stereo pronto conocería hitos que hablarían de un gigantismo prácticamente imbatible. La interminable Gira Animal, dos Vélez repletos en 1990, catorce Gran Rex en julio de 1991 y el concierto en la Av. 9 de Julio de diciembre de ese año, donde se congregarían al menos doscientas mil almas, confirmarán un pico de popularidad que, no obstante, hará mella en un trío cansado y ya con signos de deterioro interno.

A nivel suceso, más lejos no se podía llegar. En declaraciones de Cerati registradas días después del megashow porteño, en consonancia con el grito de auxilio que suponía el hit “Hombre al agua”, aparecía la idea parar la pelota, o, al menos, barajar y dar de nuevo; seguir la corriente llevaría indefectiblemente al quiebre emocional y físico, y eso, obviamente, no le convenía a nadie.

Tracks: (En) El séptimo día – Un millón de años luz – Canción Animal – 1990 – Sueles dejarme solo – De música ligera – Hombre al agua – Entre caníbales – Té para 3 – Cae el sol.

Links: Pescado Rabioso – Desatormentándonos (1972); Pappo’s Blues - Volumen 2 (1972); The Stone Roses – Ídem (1989); Ride – Nowhere (1990).

Soda Stereo revisitado IV

2011-08-23T23:54:00.003-03:00

Los Soda y su comitiva incursionan en los Estados Unidos una vez que se perciben bien instalados y cómodos en “la cúpula”. Si la América hispanohablante había sucumbido ante el embate sodino, ¿por qué no asomar en uno de los puntos neurálgicos de la cultura de Occidente? El presupuesto daba para ello, y además en el sur la cosa se venía a pique una vez más. El próximo álbum sería registrado íntegramente, entonces, en “la ciudad que nunca duerme”.

En su afán por encarar su sonido a la manera del mainstream angloparlante y poner pie en el mercado norteamericano, el trío contrata los servicios del productor y músico Carlos Alomar (David Bowie, Mick Jagger), para este trabajo que hará hincapié en lo funky a la hora de sellar su nota distintiva. En su desarrollo, la influencia de una Nueva York reluciente contrastará con imágenes de una Buenos Aires en vías de caos, y es justamente ese espejo, sumado a una producción excesiva y estilizante, el que hará de Doble Vida una obra notablemente irregular.

El álbum parece desplegar una especie de “doble concepto” que traza una línea entre la nocturnidad cool y reventada del ambiente estelar, y la asfixiante histeria hiperinflacionaria reinante en tierra natal. El primer eje entregará puntos débiles (“El ritmo de tus ojos”, “Los Languis”) y la intersección entre ambos también (el rap de “En el borde”). Los grandes momentos, esas canciones que sabemos todos, y que convertirán a este disco en uno de los favoritos de buena parte de las huestes soderas, surfearán en este mar de reverberancia y mitigarán la frialdad que acusa la obra. El pulso rockero, reprimido entonces, será recuperado dos años después.

Tracks: Pic-Nic en el 4º B – En la ciudad de la furia – Lo que sangra (la cúpula) – En el borde – Los languis – Día común/Doble vida – Corazón delator – El ritmo de tus ojos – Terapia de amor intensiva.

Links: Level 42 – Running in the Family (1987); Inxs – Kick (1987); Duran Duran – Notorious (1986); Fito Páez – Ciudad de Pobres Corazones (1988).

Soda Stereo revisitado III

2011-08-04T20:19:00.003-03:00

Para mediados de 1986 la sodamanía ya era evidente y las giras, interminables. Perú, Chile, Venezuela... los nuevos mercados hacían fila para cerrar con esta banda que estaba generando histeria adolescente por doquier, y sobre la cual también caían sonoros ataques detractores.

El contrato exigía un disco por año, y un agotado Cerati se topó un buen día con un puñado de toscas maquetas sin letra y la exigencia de entrar a grabar pocas horas después. En esa misma noche de insomnio y cristales blancos, el líder escribiría de un tirón casi todos los textos de lo que será su próxima placa, a ser registrada en los ruinosos estudios Moebio. Un concurso radial de letras y una cantante amiga (Isabel de Sebastián) taparían los últimos huecos de sequía lírica. Y sin proponérselo, bajo una presión agobiante y enormes problemas técnicos, los Soda delinearían lo que será su primera obra maestra.

Signos derrama sutileza. El trío endurece sus influencias y apela a la semiótica para desarrollar una obra plagada de apariencias, fantasías sexuales, obsesiones y objetos o personas que están pero no están. Más orgánico, acústico que su predecesor, el álbum despliega una tranquila desesperación que no descarta concesiones al baile (“Persiana Americana”, “Prófugos”), y en ese mismo movimiento comulga con el dark aún en apogeo. La crítica los elogia y el éxito es sencillamente arrollador.

Tracks: Sin sobresaltos – El rito – Prófugos – No existes – Persiana Americana – En camino – Signos – Final caja negra.

Links: U2 – The Unforgettable Fire (1985); The Cure – The Head on the Door (1986); Echo & The Bunnymen – Ocean Rain (1984); Lloyd Cole and the Commotions – Rattlesnakes (1984); Fricción – Consumación o consumo (1986).

Soda Stereo revisitado II

2011-07-25T22:12:00.004-03:00

Un lúcido escriba (Rafael Abud) arriesgó que si con su debut Soda Stereo no se convertía en el nuevo boom del rock argentino, pasaba a retiro efectivo. El productor Cachorro López les auguró un gran verano ’85, en tanto que el mejor Charly García los visita en el Teatro Astros en su búsqueda de bandas soporte. Y las canciones nuevas que el grupo iba metiendo en su ajetreo cada vez más febril ganaban en fuerza, en precisión. Tal como declarara el director de arte y amigo Alfredo Lois, la banda “ya no era una gaseosa”. Soda entraba rápidamente en su primera madurez.

Nada Personal supone un notable avance para Cerati, Bosio y Alberti, quienes endurecen su sonido sin perder enlaces con la agilidad demostrada en su placa debut. Muy seguros de sí mismos, y haciéndose cargo de su creciente éxito, los Soda encaran solos el trabajo de producción y se despojan de su aspecto más festivo para ahondar en una musicalidad más compleja y moderna, con claras intenciones de trascendencia. La lírica de Cerati, aún algo ingenua, adquiere una densitud que lo lleva a hablar de comunicaciones vacías y juegos de seducción en lugar de los bíceps de su novia. Las estridentes baterías electrónicas hacen buen juego con el sonido camaroso y cargado de delays y chorus. Los teclados del Zorrito Quintiero, a la sazón el cuarto Soda, ganan protagonismo.

El trabajo, aun sin ser brillante, deja al descubierto el afán del trío por superarse sin repetir fórmulas y eludir un futuro de olvido y reflote patético a manos de alguna siniestra FM de “puro rock nacional”. Nada Personal sube unos escalones y, a caballo de las primeras canciones de las cuales Cerati se sentirá orgulloso, deja al grupo la puerta abierta para la conquista del país primero, y luego de América Latina.

Tracks: Nada personal - Si no fuera por... - Cuando pase el temblor - Danza Rota - El cuerpo del delito - Juegos de seducción - Estoy azulado - Observándonos (Satélites) - Imágenes Retro – Ecos.

Links: Duran Duran – Seven and the Ragged Tiger (1983); The Cars – Heartbreak City (1984); David Bowie – Tonight (1984); Charly García – Piano Bar (1984).

Soda Stereo revisitado I

2011-07-17T22:47:00.009-03:00

Soda Stereo se forma durante la guerra de Malvinas, en 1982. Justamente, si hay un hecho clave para entender la explosión del rock argentino a nivel masivo fue este conflicto bélico con el imperio británico, que desató una ola de argentinidad capaz de ensalzar lo que antes se denostaba y se juzgaba peligroso, y, por parte del poder, de dar vía libre en cuanto a difusión a quienes se les solía negar, mediante la prohibición de la música cantada en idioma inglés.

Esta sistemática e interesada vuelta de tuerca no salvó de la masacre a los centenares de pibes que no volvieron del Atlántico Sur, ni dilató el final del ciclo más nefasto de la historia argentina, pero contribuyó a pesar de ella a crear condiciones favorables a la propagación de una “nueva ola” de rock local, que desembocaría en una suerte de era dorada cuyo legado sigue flotando aún hoy.

La caída de la dictadura y el consecuente retorno a la democracia devolvió la vida política a la ciudadanía, y un ambiente de fervorosa alegría y optimismo se propagó con la asunción de Raúl Alfonsín en diciembre de 1983. Esta primavera radical coincidió con el triunfo definitivo de los neoliberalismos en los centros de poder. Coherente con ello resultó el apogeo de la new wave más hedonista, que aquí tomó la forma de reacción contra las mastodónticas figuras del rock argentino de los ’70 y que confluyó con la algarabía democrática.

Gustavo Cerati choca con Zeta Bosio en la carrera de publicidad, en el año ’80. Intercambian discos de Police, XTC, Elvis Costello, Sex Pistols y Bob Marley. Se hacen buenos amigos, se juntan a zapar con otros jóvenes colegas, y transitan variedad de bandas, formaciones y experiencias hasta dar con Charly Alberti, quien andaba cortejando a la hermana de Gustavo.

La química entre los tres es instantánea, y comienza un febril paseo por el under porteño que los lleva a compartir escenario con grupos como Virus, Sumo y Los Twist. Un hombre fuerte de la CBS los ve en el pub La Esquina del Sol y les abre la puerta grande de la industria discográfica. De la mano de una hábil manera de complementar imagen, música y estética, Soda Stereo deviene velozmente en el grupo más convocante de Latinoamérica, y en un pilar del rock producido en el subcontinente.

He aquí la primera parte de su discografía comentada.

Producido por un Federico Moura sorprendido por la autosuficiencia del trío, el debut de Soda capta sólo en parte la celebrada energía cuasi-punk que solía derrochar el grupo en sus directos de ese entonces y que le había otorgado una temprana reputación entre los habitués del under porteño.

Concebido y alumbrado en pleno amanecer democrático, Soda Stereo complementa su dinámico marco musical con unas líricas inocentes que se permiten ironizar sobre la cultura “diet”, la televisión alienante y sobre las propias pretensiones como grupo.

Sin virtuosismos, los integrantes detentan fuertes roles y un gusto musical más atento a lo que ocurría en las islas británicas que al oxidado y aburrido panorama local. The Police, Madness, XTC y Specials aparecen como influencias más que obvias en este fresco primer álbum salpicado de reggae, ska y new-wave, cuyos hits más resonantes serían “Sobredosis de TV”, “Te hacen falta vitaminas” y “Un misil en mi placard”.

Tracks: ¿Por qué no puedo ser del Jet-Set? - Sobredosis de TV- Te hacen falta vitaminas - Trátame suavemente - Dietético - Tele-Ka - Ni un segundo - Un misil en mi placard - El tiempo es dinero - Afrodisíacos - Mi novia tiene bíceps.

Links: The Police – Outlandos D’Amour (1978) y Reggatta de Blanc (1979); Specials – Ídem (1979); Madness – One Step Beyond (1979); Virus – Wadu-Wadu (1981); Los Twist – La Dicha en Movimiento (1983).

Mini reviews 3

2011-06-13T21:18:00.013-03:00

PUBLIC IMAGE LTD. – First Issue (1978)

PiL surge de la necesidad innata de John Lydon (ex Johnny Rotten) de provocar algún tipo de molestia o de sembrar terror en el amplio ámbito de lo convencional. Su primera obra post-Pistols, First Issue (1978), lo muestra disparando con furia sobre sus blancos preferidos (el clero, Malcolm McLaren). Lo secunda un muro musical anárquico, corrosivo, exasperante y mastodóntico. Es que PiL es el verdugo del punk. Y es el límite del after-punk. Es la pesadilla de los fans. Es el no-ranking. Es la no-canción. Definitivamente, es el NO.

Claves: “Religion”, “Annalisa”, “Public Image”.

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PINK FLOYD – Echoes, The Best of Pink Floyd (2001)

Esta innecesaria compilación aparece en un momento en que los rumores de reunión de la banda cobran una fuerza inédita. La “supervisión” de la misma por parte los miembros históricos había alimentado esa ola, aunque el par de entrevistas del momento diera cuenta de las fricciones de siempre. Por ejemplo, Waters, reacio a esta edición, limitaría su colaboración a proporcionar título al lanzamiento, dado el carácter “horrible” de la denominación propuesta por Gilmour. Pues bien, Echoes efectivamente fracasa de manera penosa al intentar hermanar las diferentes etapas de la odisea de Pink Floyd: canciones sacadas de contexto y concepto engarzadas entre sí, con nexos muy pero muy forzados o directamente artificiales (una bocina de bicicleta antes de “Bike”, un acorde en reversa entre “Us and Them” y “Learning to Fly”, etc.), versiones podadas de “Shine On You Crazy Diamond” y “Echoes”, groseros errores de selección de material… por no mencionar el carácter descaradamente lucrativo de este compendio inútil, ni siquiera apto para neófitos, perpetrado con el vil fin de aliviar los números rojos de la EMI.

Claves: en realidad la clave es remontarse a la discografía floydiana, que incluye recopilaciones con más sentido como Relics (1971), o bien The Early Singles (que aparece en el box set Shine On), las cuales por lo menos contienen algún material inédito que en tiempos pre-internet resultaba inhallable.

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2 MINUTOS – Valentín Alsina (1994)

Estudios sociológicos han citado al disco debut de 2 Minutos como el iniciador del llamado “rock barrial”, más allá de que con anterioridad el eje territorial haya sido explorado discursivamente en cierto rock duro (Manal, Pappo’s Blues, Hermética). Y es cierto: el localizado grito anti-sistema de estos punks de la industrial zona sur del conurbano, adquiere otra dimensión en un contexto de flexibilización laboral, desempleo y violenta pauperización de las clases trabajadoras. Los aullidos del Mosca escupidos en canciones urgentes y adrenalínicas pintan un paisaje suburbano desolador, donde el cementerio de fábricas actúa como telón de fondo para el vagabundeo cervezal constantemente interrumpido por las fuerzas del orden. Verdadero manifiesto de micropolítica de la esquina, con desamores que terminan en la seccional, peleas callejeras y amigos que devienen policías, Valentín Alsina logrará constituirse en uno de los más crudos, carnales y etílicos retratos rockeros de la década menemista.

Claves: "Valentín Alsina", "Odio laburar", "Ya no sos igual".

Mini reviews 2

2011-05-20T19:03:00.010-03:00

THE RAMONES – Rocket To Russia (1977)

Las máximas punks de simpleza, inmediatez y energía ya habían sido sobradamente desplegadas en los soberbios Ramones (1976) y Leave Home (1977). Pero en Rocket To Russia aparece la mediación de un correcto trabajo de producción, palpable en escuetas sobregrabaciones, instrumentación recargada y una mayor riqueza de matices e influencias, lo cual incrementa el potencial de este irrebatible compendio de obsesiones ramoneras musicales y filosóficas. Insoslayable biblia alumbrada en el gran año punk.

Claves: “Rockaway Beach”, “We’re a Happy Family”, “Teenage Lobotomy”.

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AIR – 10 000 Hz Legend (2001)

El segundo álbum de Air (si descontamos la banda sonora de The Virgin Suicides) puede resultar un verdadero peligro para la salud mental. El dúo galo que supo deleitar a los amantes del buen pop con su exquisito debut Moon Safari (1998), aparece en el nuevo siglo pretendiendo llevarse todo por delante y borrar todo vestigio del “french-touch” a fuerza de orquestaciones, arreglos estridentes e invitados de la talla de Beck… pero lo que cosecha es un irritante, sobreproducido y forzado callejón sin salida. Gente inteligente, Dunkel y Godin bajarán un cambio y saldrán airosos del mismo tres años después con Talkie Walkie (2004), repleto de buenas ideas filtradas por la mano sabia del productor Nigel Godrich.

Claves: “How Does It Make You Feel”, “Radio #1”, “Radian”.

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GENESIS – We Can’t Dance (1991)

Último registro de estudio de Genesis con Phil Collins a la cabeza, que viera la luz en el mismo año que, por ejemplo, Nevermind, o Screamadelica de Primal Scream, lo cual habla de cuán alejado estaba el trío de cualquier atisbo de mera observación del panorama. Interminable, exasperante y dinosáurico, el disco acusa, cuándo no, la más absoluta corrección interpretativa, pero rodeada de un halo de aburrimiento constante. En We Can’t Dance los números anodinos, innecesariamente extensos e indecentes se apilan a montones, lo que convierte la escucha completa en poco menos que un viaje a Marte en el colectivo 60. Solo el efectivo “Jesus He Knows Me”, la parte instrumental de “Living Forever” y la misma de “Fading Lights” parecen sacudir el óxido de estas tres cansadas almas que a sus cuarenta y pico ya estaban a un paso de sellar su decadente final.

Claves: “Jesus He Knows Me”, “Living Forever”, y si se quiere, “Fading Lights”.

Mini reviews. Elija y gane

2011-04-20T19:32:00.014-03:00

IGGY POP - The Idiot (1977)

James Osterberg disuelve a los Stooges, batalla contra la heroína y vive para contarlo. Bowie acude en su ayuda y lo exilia en Berlín, donde concretan esta impactante licuadora en la que se mixturan krautrock, rock, funk, electrónica y la notable presencia de un Iggy Pop trasnochado y desahuciado. Una de las patadas iniciales del after-punk.

Claves: “Sister Midnight”, “Nightclubbing”, “Mass Production”.

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THE STROKES – Is this it (2001)

Banda hypeada si la hubo, los Strokes y su suciedad de laboratorio irrumpen en 2001 con una ayudita de sus amigos de la NME y Rolling Stone. Musicalmente crudo, directo y guitarrero, a tono con el revival boom, es difícil encontrar en Is this it hallazgos melódicos. Atinadamente breve, este primer long play de los neoyorkinos es de escucha agradable y entretenida. No sorprende, mas no defrauda.

Claves: “The Modern Age”, “Barely Legal”, “Take it or leave it”.

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U2 – Zooropa (1993)

Infravalorado disco de U2, que estiliza sobrantes de Achtung Baby! (1991) y entrega una obra misteriosa y cautivadora, con unos pocos momentos débiles; aquí se anotan la insulsa "The First Time" y "The Wanderer", protagonizada por el gran Johnny Cash, la cual aparece totalmente fuera de contexto. Concebido como excusa para prolongar el colosal Zoo TV Tour, Zooropa será para muchos el último rapto de calidad del cuarteto irlandés llevado al disco.

Claves: “Numb”, “Lemon, “Stay (Faraway, So Close)”.

Cerati básico revisitado: Ahí Vamos (2006)

2011-03-23T19:51:00.012-03:00

Si Bocanada (1999) y Siempre es Hoy (2002), aun con sus diferencias (uno sobresaliente, el otro opiáceo), solo lograron ahuyentar a un público masivo a la vieja usanza, acorde a los años mozos de la estrella, pues Ahí Vamos y su empuje arengador le propinó al Cerati solista un reconocimiento que, por diversas razones, no aparecía.

Se puede decir, utilizando términos demagógicos, que Ahí Vamos es “el disco de la gente”. Gracias a él, el ex Soda pudo colocar con firmeza un par de piezas de factura solitaria en el cancionero popular. La agresiva campaña de difusión, la renovada energía del material nuevo, la convocatoria de viejos amigos músicos de su generación (Richard Coleman, Fernando Samalea), el acercamiento a un colega “antagónico” como Ricardo Mollo, entre otros factores, se erigen como claves de este proceso.

Cuánto hubo de premeditado en todo esto será tema de debate, pero sea como fuere, nada le quita a Ahí Vamos el hecho de haber devuelto al ídolo a un lugar por lo menos cercano al que solía ocupar. El Cerati cool y elitista que tanto rechazo supo provocar había quedado, en parte, atrás. Una atractiva estética dark-friendly se apoderó de los rasgos visibles de esta nueva etapa. En lo sonoro ganó espacio lo valvular, y las máquinas se quedaron en un rincón silbando bajito, pero sin retirarse. El estribillo efectivo volvió para vencer.

El comienzo con «Al fin sucede», «La excepción» y «Uno entre 1000» certifica de entrada la filosofía “palo y a la bolsa” a la que en principio acata el álbum, lo que se aprecia mejor en el segundo track, un regreso a lo concreto a la manera de «De Música Ligera». «Caravana» insiste con el perfil power, aunque bajo un halo new wave que lo acerca a The Police.

Un primer respiro llega con el interesante hit «Adiós», una sencilla canción sobre el desapego co-escrita con Benito Cerati, en la cual con un poco de imaginación se puede figurar a Peter Buck de R.E.M. dibujando arpegios sobre los acordes abiertos.

El parcialmente acústico «Me quedo aquí» antecede a lo que sin dudas es el mejor tema del disco y uno de los picos facturados por el ex Soda: «Lago en el cielo», cuya lírica invita a tomarse las cosas con calma, mientras el fantasma del primer Echo and The Bunnymen parece poseer a los músicos involucrados.

Empero, de aquí en más la cosa se torna algo irregular. «Dios nos libre» recicla el riff de «Texturas», que a su vez rescataba un viejo tema que había quedado afuera del debut de Soda, «La calle enseña». Lo acústico vuelve a presentarse en «Otra piel», y «Medium» aporta la cuota esotérica. Nada del otro mundo.

A continuación, el atroz pseudo-ska de «Bomba de tiempo» retrocede en todo al nefasto Siempre es Hoy, y tranquilamente se podría haber recortado o eliminado del todo. El propio Cerati reconoció que el tema estaba originado en una idea “de cuarta”. El problema es que nunca dejó de serlo.

La balada de piano «Crimen», elegida como primer corte, y «Jugo de luna» clausuran el disco en un clima y calidad muy distantes del comienzo, lo que deja un poco a la deriva a estos últimos números.

Como sea, la aceptación del público sobre Ahí Vamos le permitió a Gustavo gozar de una segunda era dorada, y su gran momento pudo comprobarse en hitos como el show gratuito de la Av. Figueroa Alcorta y Pampa en marzo de 2007, en el que se congregaron unas 200 mil almas que, hay que decirlo, ni en sus más delirantes sueños imaginaban que unas semanas después se anunciaría la reunión del trío más celebrado de América Latina.

Cerati había superado la barrera que lo separaba del gran público; sus melodías habían vuelto a sonar en el taxi, en el supermercado; e incluso muchos detractores reconsiderarían su postura. Definitivamente el músico se había dado el gusto, al menos por un tiempo, de derribar su propia pared, la que él mismo construyó, acertadamente o no, en pos de separarse de un panorama chato en el que naturalmente no lograba hallarse.

Sello: BMG.

Track-list: Al fin sucede. La excepción. Uno entre 1000. Caravana. Adiós. Me quedo aquí. Lago en el cielo. Dios nos libre. Otra piel. Medium. Bomba de tiempo. Crimen. Jugo de luna.

Links: Soda Stereo – Canción Animal (1990); T Rex – Electric Warrior (1971); David Bowie – Aladdin Sane (1973).

Cerati básico revisitado: Siempre es Hoy (2002)

2011-03-09T18:30:00.026-03:00

I. Un medio tan corrupto como Rolling Stone solo puede tener como deporte favorito el repartir a mansalva cuatro estrellas (que corresponde a la calificación “excelente”), practicado en función de no entorpecer la venta de determinados productos discográficos.

Pero independientemente de esta condescendencia interesada, lo que más molesta es la poca distancia entre lo que se lee y lo que el fan promedio quisiera leer, algo que deja al desnudo las estrategias de supervivencia de algunos críticos de vasta trayectoria.

II. Lo cierto es que para muchos de los que han intentado apartarse de la tozuda visión del fanático y de los signos inequívocos de la complicada economía hogareña de los escribas, Siempre es Hoy (2002) representó el primer paso en falso en la carrera solitaria del ex Soda Stereo, o en el mejor de los casos, una rara transición quién sabe a qué.

Terminaba el año 2002, y el país aún en llamas iniciaba un período de lenta pero sostenida recuperación económica. El plan de austeridad aplicado por la mayoría de los habitantes del país incluiría el rechazo de BMG a editar el sucesor de Bocanada en formato doble, lo que a la larga evitará un tropezón aún mayor.

Sin embargo este mismo movimiento habilitaría a Cerati a incluir casi todo lo que había grabado en su nuevo estudio de Florida desde el inicio de las sesiones en 2001, consiguiendo atiborrar el CD con más de setenta minutos de canciones que a priori daban cuenta de un sonido más áspero y despojado y, en lo lírico, de los nuevos y novelescos vaivenes amorosos del músico. El tironeo ahora parecía ser entre el extinto matrimonio con la madre de Benito y Lisa y la redentora presencia de la nueva musa inspiradora, la modelo y música (¿¿??) Déborah Del Corral.

A modo de presentación de este nuevo romance, “Cosas imposibles”, primer tema, engancha con su rítmica cool, y su resolución parece sacada de un buen manual de hits. La extensa coda, inundada de pausas y ruiditos electrónicos, nos introduce en una práctica que en Siempre es Hoy se repetirá bastante: la del final abierto, aunque con más aroma a falta de ideas que a laissez faire.

En la misma senda musical, aunque letrísticamente cruzando de vereda, “No te creo” y su groove entrecortado alberga una pesada artillería de frases hirientes y de paso desnuda formalmente lo que tal vez constituya el gran error del disco: la elección del hip-hopero Sacha Triujeque (de Control Machete) para el rol de productor, quien tendría una injerencia fundamental en el marco musical global del disco. No obstante, y más allá de los innecesarios scratches del DJ Zucker, la pista se rescata gracias a su corta duración y pegajoso estribillo.

Acto seguido, el efectivo electro-pop de “Artefacto” da lugar al bonito aunque nada descollante acústico “Nací para esto”, y es ahí cuando empiezan los problemas.

“Amo dejarte así” naufraga en su forzada sensualidad cargada de arreglos electrónicos poco interesantes. Lo mismo para su hermana gemela, “Tu cicatriz en mí”. El séptimo track, “Señales luminosas”, directamente rankea entre las peores composiciones del músico, a tal punto que sería una de las piezas jamás interpretadas en presentaciones posteriores.

“Karaoke” retoma magistralmente el camino del buen gusto de la mano de su gran dinámica y poco sutil lírica, aunque puesta en términos que no colisionan con lo que el músico nos tiene acostumbrados; en tanto que “Sulky” recupera la veta folklórica de Gustavo y hace gala del aporte del bombista Domingo Cura.

Ahora bien, lo que sigue a este eructo de creatividad es una verdadera procesión de atrocidades.

“Casa” y “Camuflaje”, no tienen nada que envidiarle al lounge más berreta, y su destino hubiese sido más justo para todos si tan solo hubieran quedado en el freezer hasta la aparición de alguna oportuna colección de out-takes.

Por su parte “Altar”, directo al podio infernal junto con “Señales luminosas”, incita al salto de track (cuando no a sacar el disco) en su insulso desarrollo, amén de la inclusión del imbécil rap intermedio a cargo de Tea Time (del grupo chileno Los Tetas), que redondea el enésimo fracaso por hermanar dos tradiciones difíciles de conciliar. (R.E.M. tendría la misma pésima idea un par de años después para su soporífero Around the Sun…).

En “Torre de marfil” y “Fantasma” reaparece el Cerati crooner, pero pese a las buenas intenciones, como el aire bossa-nova del primero y la misteriosa atmósfera del segundo, el disco se halla a esta altura, aún restando tres temas, al borde del precipicio.

El ya agotado y valiente oyente crítico debe enfrentar todavía la épica de “Vivo” (que cuenta con el piano de Charly García), acaso lo más rescatable de la interminable segunda mitad del trabajo, para encarar la recta final. “Sudestada”, donde también interviene García, quedará reservada para la sección del pronóstico meteorológico de los noticieros.

Y, por fin, “Especie” y su extraña progresión de acordes cierra el tercer trabajo de Cerati con un signo de interrogación que lo único que no cuestiona es la devoción del artista por su nueva pareja.

III. Siempre es Hoy tendría una acogida muy moderada, ambigua… excepto para Rolling Stone, lo que no impidió al ex Soda reventar cada locación donde se presentara. De hecho, en la gala del Luna Park de marzo de 2003 se pudo ver a un Cerati con banda parcialmente renovada tratando de alejarse alegremente de la pachorra de la era Bocanada, gracias a la moderada inyección de energía que le posibilitaron algunas de sus nuevas canciones.

Sin embargo esto no salva al disco de ser lo que es. Podremos pensar en una suerte de mimetización entre la difícil coyuntura argentina y la falta de rumbo de un artista al que le llevaría unos años más (re)acomodarse en el panorama. Podremos postular un cómodo contagio del “vale todo” a lo Calamaro, aceptado y aclamado por miles de personas que aplauden hasta su paso por los mingitorios… pero es más fácil simplemente evitar este infinito compendio de nada, guardar tres o cuatro temas en un playlist, y chau.

Sello: BMG.

Track-list: Cosas imposibles. No Te Creo. Artefacto. Nací Para Esto. Amo Dejarte Así. Tu Cicatriz En Mí. Señales Luminosas. Karaoke. Sulky. Casa. Camuflaje. Altar. Torre De Marfil. Fantasma. Vivo. Sudestada. Especie.

Links: Andrés Calamaro – El Salmón (2000); Ocio – Medida Universal (1999); Depeche Mode – Exciter (2001).

Cerati básico revisitado: Bocanada (1999)

2011-02-21T22:30:00.023-03:00

Empiezo con un párrafo hecho: este disco es la respuesta al “¿y ahora qué?” que se debe haber preguntado Cerati al despertar resacoso el 21 de septiembre de 1997, unas cuantas horas después del original “gracias totales”.

Considerando los lapsos, si algo le sobró a Bocanada es tiempo de gestación. En un año y medio Cerati revisó horas de material disponible, construyó su estudio bajo la cancha de paddle, convocó músicos de confianza, brindó unas pocas entrevistas… Y a la hora de la verdad recaló en zonas escasamente exploradas por el mainstream argentino y despachó en las bateas, a mediados de 1999, un extenso compendio de viejas y nuevas inquietudes musicales facturado en su flamante y muy bien equipado búnker suburbano.

La criatura exhibía setenta minutos de una orfebrería pop muy distante de la locuacidad de un Calamaro o un Páez, o de la auto-celebración constante de un García; coherente con ello, la reaparición pública de Gustavo eludiría gestos de sobreexposición –en la que solía incurrir el bigote bicolor– y denotaría, en cambio, un tibio y hasta confundido esfuerzo por instalar su figura solitaria.

El elocuente arte de tapa, muy deudor del Greatest Hits de Dylan y del Low de David Bowie (influencia fundamental de este álbum), en el que se aprecia a Cerati con un tapado de piel, a contraluz, exhalando humo denso, recortado sobre un fondo azulado en el que cae una nevada rubí, develará en parte su contenido: una música gélida y elegante, deliberadamente nocturna.

Tal como declarara alguna vez el artista, Bocanada propone un trip casi fílmico, lo cual parece ser cierto. En su desarrollo abundan las citas y préstamos, pero también ciertos giros reconocibles como marca de fábrica. Cerati aparece más concentrado en su trabajo de producción, vocalización y ambientación que en las guitarras, las cuales quedan en un segundo plano. El contenido devela una catarsis personal, aunque también se vislumbra algún grado de trabajo grupal, lo que agrega valor a las aportaciones de Leo García (coros), Flavio Etcheto (samplers), Fernando Nalé (bajo) y Marín Carrizo (batería).

Los primeros tres tracks parecen presentar a los personajes: el hombre y sus máquinas. “Tabú” recupera al Spencer Davis Group, y su 6/8 hace buen juego con la lírica sensual. Por su parte, “Engaña” le hace honor a su título en su tensa calma sampleada, en parte, de la Steve Miller Band. Y el tema que le da nombre al disco introduce al Cerati crooner, cantando recostado en un cómodo acolchado de mellotron cortesía de Focus (“Eruption”, del genial Moving Waves, 1972).

El hit “Puente” funciona bien como saludo a los fans, reforzado por el estribillo power, pero será en “Río Babel” donde la cosa tomará forma. Este verdadero plot point, cuya melodía central se basa en un fragmento de la Electric Light Orchestra (“Momma”, de ELO 2), conecta su metáfora fluvial con un lindo groove funky y su “fluir sin un fin” marcará el resto del camino.

Lo que sigue navegará por planos diferentes pero complementarios entre sí. El out-take de Sueño Stereo “Beautiful” muestra a Gustavo jugando con el theremin en la apertura y en el cierre de este bello tema pop. “Perdonar es divino”, que parece retratar una pequeña discusión conyugal, retrocede en todo sentido al living de Amor Amarillo. “Verbo carne” se anticipa a los 11 Episodios Sinfónicos y muestra al músico hablando de fe en medio de un mar de sublimes orquestaciones perpetradas en los mismísimos estudios Abbey Road.

Por su parte, “Raíz”, que en su estado de work-in-progress se llamaba “Temblor 2”, se remonta al altiplano vía Los Jaivas y recrea una experiencia mística derivada del uso de hierbas alucinógenas. El enjambre electrónico que clausura esta pieza desemboca en “Y si el humo está en foco”, primer pasaje instrumental del disco, posiblemente surgido durante la corta vida del combo electrónico Plan V.

El apropiado “Rock and Roll pt. 2” de Gary Glitter sirve de base para "Paseo inmoral", una pegadiza versión libre de la alocada nocturnidad de una estrella en gira, facilitada por Francisco Bochatón. En tanto que “Aquí y ahora” y su secuela instrumental comienzan a delinear un desenlace plagado de referencias literarias, guitarras acústicas y electrónica.

Lo más profundo de la noche se alcanza con “Alma”, una plácida canción de cuna basada en un incesante arpegio de sintetizador apenas acariciado por una guitarra tremolada y una voz que llega suave y distante. El final llegará con “Balsa”, tercer pieza instrumental del disco, una zapadita electrónica que sobre el final dispara un fraseo de Elvis proveniente del más allá.

Precisamente ese último track será el que suene al caer el telón del Gran Rex, unos meses después del lanzamiento. Si bien fríamente recibido por la crítica, Bocanada se convertirá rápidamente en un éxito de ventas, y un público fiel lo acompañará en las veladas porteñas de octubre de 1999, así como también en la gira nacional y latinoamericana posterior.

Sin embargo, la salida a escena se constituiría en un verdadero desafío tanto para el artista como para el espectador. “El” momento post Soda por fin había llegado. Cerati debía probar autosuficiencia; el fan debía disimular la incomodidad de ver a su ídolo allí paradito, con cara de póker, rodeado de, para la mayoría, perfectos desconocidos. Para colmo, el extenso set-list daría poco lugar a la condescendencia, y el escaso par de números sodinos desencadenaría una ola de reclamos que el cantante apagará con gruñidos y más canciones nuevas.

Empero, con el correr de los meses, el progresivo acostumbramiento de ambas partes le daría vida propia a la idea de Bocanada como proyecto. Los músicos acompañantes, cuándo no, muy profesionales y precisos, lograrán acomodarse como equipo, y el líder volvería poco a poco a sonreír. Pero el fantasma Stereo rondaría por ahí un tiempo más.

Sello: BMG.

Track-list: Tabú. Engaña. Bocanada. Puente. Río Babel. Beautiful. Perdonar es divino. Verbo carne. Raíz. Y si el humo está en foco.... Paseo inmoral. Aquí y ahora (los primeros tres minutos). Aquí y ahora (y después). Alma. Balsa.

Links artísticos: David Bowie – Low (1977); Iggy Pop – The Idiot (1977); Kraftwerk – Die Mensch Maschine (1978); Beck - Odelay (1996); Plan V – Hábitat Individual (1998).

Cerati básico revisitado: Amor Amarillo (1993)

2011-02-09T18:52:00.018-03:00

El primer gesto solista de Gustavo Cerati estuvo rodeado por tres circunstancias pilares: a) el hiato de Soda Stereo tras una década de agotador camino al gigantismo; b) la necesidad de sacar provecho de la interesante cantidad de material acumulado del proceso de composición de Colores Santos y Dynamo (ambos de 1992); y c) la inminente paternidad y feroz enamoramiento del líder del trío, factores potenciadores de inspiración.

Así las cosas, un Cerati bastante harto de hacer todo a lo grande decide internarse en su living para delinear esta verdadera oda al calor de hogar, apenas auxiliado por unos pocos amigos como Tweety González y el mismo Zeta Bosio, además de su encinta (hoy ex) esposa, la modelo chilena Cecilia Amenábar.

Sin más acompañamiento que el de una groovebox, y haciéndose cargo de casi todos los bajos y teclados, Gustavo pone en primer plano el elemento electroacústico para exhibir al mundo su intensísima, cálida experiencia de fertilidad y amor ideal, concepto que atraviesa todo el disco pero que alcanza picos en, por ejemplo, “Amor amarillo”, “Lisa”, “Te llevo para que me lleves” y “A Merced”. Canciones que denotan una estructura simple y llevadera, con escasas sobregrabaciones y bonitas líricas embebidas de un bello erotismo cotidiano.

Pero también en Amor Amarillo hay lugar para otras facetas conocidas del artista. “Pulsar” reconecta con la electrónica, la cual desde hacía tiempo iba ganando espacio en el mundo ceratiano. “Av. Alcorta” aparece como un capítulo bastante oscuro en el seno de una totalidad más bien luminosa, aunque el cansancio autorreferencial que exuda es balanceado en última instancia por la concepción del hogar familiar como refugio seguro ante los males del mundo exterior. Y “Bajan” cumple con el cometido de homenajear ya abiertamente a una gran influencia en la vida artística de Cerati como lo es Luis Alberto Spinetta.

Es útil subrayar que el particular contexto de concepción de Amor Amarillo resulta fundamental para entender el por qué de la decisión del autor de dejar su contenido prácticamente en formato demo: si de veras tenía ya grandes problemas con un grupo, difícilmente hubiera podido sostener dos. Cerati se había volcado por terminar en su departamento lo que allí mismo había comenzado, y el resultado daba fe de ello.

Asimismo, el agotamiento, la expansión de su familia y el clima intimista del disco no propiciarían más presentación que un par de mini shows para radio y televisión. Luego, la tragedia de Zeta y un restito creativo en la mente del líder de Soda darían pie para el último gran paso de la banda hasta la separación de 1997.

Y Amor Amarillo, aunque a cuentagotas, sería merecidamente reivindicado en las subsiguientes giras como solista de este gran artista argentino.

Sello: BMG.
Track-list: Amor Amarillo. Lisa. Te llevo para que me lleves. Pulsar. Cabeza de Medusa. Av. Alcorta. Bajan. Rombos. Ahora es Nunca. A Merced.

Links artísticos: Pescado Rabioso - Artaud (1973); Fito Páez - El Amor después del Amor (1992); Soda Stereo - Dynamo (1992); Cerati/Melero - Colores Santos (1992); Cocteau Twins - Heaven or Las Vegas (1990); Primal Scream - Screamadelica (1991).

Recomendados argentinos independientes, II: Suárez - Excursiones (1999)

2011-01-29T22:40:00.014-03:00

Suárez surge en los primeros años de la década de 1990; esa que vio acelerar vertiginosamente el proceso de globalización y que asistió a la profundización e instalación, en principio festejada –al igual que otras desgracias históricas acaecidas en este país– , de las “brillantes” ideas del Consenso de Washington, que giraban, muy resumidamente, en torno a la venta a precio vil del patrimonio del Estado y la apertura a los capitales financieros internacionales.

Y mientras se empezaban a acumular las falacias de un “modelo” que implosionaría a fines de 2001 pero cuyas consecuencias –que persisten hasta hoy y quién sabe hasta cuándo– no encuentran solución ni solucionador a la vista, el feroz y abaratado intercambio de bienes y servicios con los centros de poder permitió, por ejemplo, que por vez primera proliferara en tiempo real linda cantidad de tribus ataviadas a la última moda.

Ejemplo de ello fue la multiplicación de jóvenes atentos a los vaivenes del brit-pop luciendo ropas dignas de tiendas londinenses, pero paseadas en la lejana, caótica, calurosa y contradictoria Buenos Aires.

Pero más allá de las formas, lo cierto es que la onda “alternativa” pegó mucho aquí, y fuerte. A tal punto que en este momento varias bandas que vivieron su auge en aquel decenio están siendo reivindicadas como “de culto” y sus discos físicos, descatalogados, borrados del mapa, se hallan convertidos en disputados objetos de colección. Es el caso de grupos como Peligrosos Gorriones –que gozan de una exitosa reunión–, Avant Press –plataforma de Leo García–, Demonios de Tasmania y, por supuesto, del grupo que nos ocupa, entre otros exponentes del llamado “nuevo rock argentino”.

Excursiones (1999) cerraría, discográficamente hablando, la carrera de esta banda encabezada por la cantante, actriz y poetisa Rosario Bléfari, pero lo haría de una forma al menos elegante.

Suárez, cuya formación se completaba con Gonzalo Córdoba en guitarras, Fabio Suárez en bajo y Diego Fosser en batería, se despojaría en esta placa de casi toda la impronta low-fi que atravesara su sonido desde el principio, y aprovecharía esta pulcritud para demostrar que se puede seguir haciendo buenas sencillas y extrañas canciones sin perder un ápice del espíritu aventurero con el que supo enamorar a la prensa y a los colegas más musicalmente abiertos.

En Excursiones las canciones parecen ir en balsa; se remontan río arriba y se dejan llevar por el misterio de lo sinuoso, mientras desfilan sin parar imágenes espejadas, recuerdos, sensaciones, tardes de siestas, senderos barrosos, encuentros fortuitos… pero siempre con la misma idea matriz: el camino, el viaje, la distancia.

Musicalmente abundan climas intimistas y misteriosos que no llegan a la balada (“El imán”, “El pozo”, “El camino”), y también hay momentos alegres y vivos (“Río Paraná”, “La copa”). La fina poesía de Bléfari cae de su boca como manantial, pero de aguas duras: su voz está lejos tanto del estereotipo de reality show como de la trillada languidez indie. Y Gonzalo Córdoba vuelve a dibujar sus líneas de guitarras mirando al pasado gracias a un tratamiento vintage que incluye un moderado uso de fuzz, phase y Rotovibe.

Los bocadillos de Daniel Melero le otorgarán a Excursiones, y a Suárez, un plus de legitimidad, algo que en realidad ya sobraba. Y mientras los noventa morían y con ellos, el reinado de Carlos Saúl I, y asomaba el desastre aliancista, se despedía una de las pocas grandes bandas que, en las antípodas del tenaz conservadurismo dominante, hizo soñar al under con un panorama un poco más benévolo.

Sello: Ultrapop.
Track-list: Río Paraná. Excursiones. El camino. Mil especies. Tarde de cansancio. Anguila. El primitivo. La distancia. La copa. El pozo. La niebla. El imán. Alguna vez viste.

(Enlace)

Recomendados argentinos independientes, I: Victoria Mil - Armas (2000)

2010-12-04T00:44:00.009-03:00

Victoria Mil es una banda tan inclasificable como interesante. Sus discos, vistos en conjunto, conforman un todo ondulante y misterioso, donde el formato canción, cuando aparece, lo hace de una manera especial, un modus operandi que los aleja, para bien o para mal, de la escucha masiva.

Esta agrupación argentina viene paseando su eclecticismo desde 1996, época en la que sus contemporáneos anglo-franceses de Stereolab –acaso la banda que viene a la mente a la hora de hallar un paralelo– se encaminaba hacia un incuestionable pico creativo y se consolidaba como uno de los punteros del llamado post-rock.

Asimismo, en tanto Julián Della Paolera (guitarra y voz), Leonardo Santos (batería), Miguel Castro (voz, teclados) y Sebastián Velázquez (bajo) sorprendían con sus primeras excursiones kraut, el rock argentino mainstream entraba en una crisis terminal.

Y entonces vino la carta documento de la actriz española que inspiró el nombre original de la banda (Victoria Abril), y con esta, el cambio a la denominación actual y la obra cumbre del cuarteto.

Producido por el hombre-máquina Daniel Melero, Armas cautiva al oyente desde su envolvente psicodelia matizada por paisajes que remiten a varios momentos de la historia del rock, que el grupo porteño logra citar con maestría y hasta con humor.

Tal vez esta sea la manera de entender la presencia de elucubraciones reggae/dub como “Lo escuché en Portobello”, doble homenaje a la capital inglesa y a uno de sus habitantes más revulsivos, los Clash más volados de Sandinista! (1980); lo mismo para con el breve track homónimo, cuyo presunto aire jamaiquino se extravía en su denso desarrollo y sugestiva lírica.

Siendo Armas uno de los mejores discos de factura local de la última década, habría que preguntarse qué clase de patología infecta al mercado para que una obra rebasante de elegancia como esta esté descatalogada. Como no es el lugar ni el momento adecuado para tal análisis, por el momento no quedará otra que aferrarse a la vigencia y la actividad incesante de este combo que grandes favores le sigue haciendo al buen gusto.

Sello: Índice Virgen.
Track-list: Si ibas lejos. Acá está todo mal. Armas. Ah. Flash. Lo escuché en Portobello. No nos. La historia del vuelo. Dónde vamos.

(Enlace)

Gemas de los '80 (singles)

2010-10-28T16:05:00.010-03:00

“Domino Dancing”, Pet Shop Boys (1988)

Desde su debut en 1985, los PSB lograrían poner distancia respecto de rivales directos como Erasure gracias a una propuesta musical más ambiciosa e interesante que incluiría, en las presentaciones en directo, efectivos elementos teatrales. Asimismo, el hecho de que Neil Tennant y Chris Lowe hayan sido y sigan siendo muy solicitados por renombrados artistas en su rol de productores / arregladores / colaboradores habla bien de la permanencia del dueto por fuera del consumo nostálgico.

“Domino Dancing”, segundo corte de Introspective, el disco más vendido del dúo techno-pop, muestra a los británicos sacando lustre a las máquinas y promoviendo un uso sutil e inteligente de instrumentos acústicos en función de reforzar el cálido sabor latino que impregna los más de siete minutos de este estupendo single más conocido, como es habitual, por su versión “edit”.

El videoclip que acompañó al sencillo, rodado en Puerto Rico, ponía en escena a un triángulo amoroso compuesto por dos muchachos en batalla por el amor de una escultural y seductora morocha latina (estereotipistas absenerse) que “cuando camina hace que todos se den vuelta” y hace caer a sus espectadores cual efecto dominó.

Curiosamente, no obstante su gran calidad en cuanto amplitud de recursos y melodía ganchera, el sencillo obtendría en su momento una recepción moderada que sin embargo no le impediría con el correr del tiempo convertirse en una de las joyas de la extensa colección de éxitos de los Pet Shop, la cual, aunque con menos repercusión, continúa expandiéndose.

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Pixies - Luna Park, 06/10/2010

2010-10-08T00:06:00.009-03:00

¿Que no les interesa editar material nuevo? No importa, son los Pixies. ¿Que no se despegan de las versiones de estudio, de la recreación fiel? Qué va, enfrente están los Pixies. Los Pixies son sagrados. Los Pixies delinearon la década del noventa casi a su antojo. Esa discografía breve e inmaculada que el cuarteto de Boston dejó para la posteridad antes de su extenso hiato acrecentó el mito. La ausencia de discos flojos, de traspiés, en suma, de decadencia, les concede, diecisiete años después, una frescura y credibilidad prístinas. Y en el medio está Doolittle, esa obra cumbre que vuela sesos, la que reivindican, desde 2004, aquí y en todas partes de principio a fin, o casi.

A las 20.45 puntual "Bone Machine" permitió a los 7 mil espectadores saldar cuentas de tiempos largos, y el Luna Park se convirtió en lo más parecido al centro de una licuadora. El gordo Frank Black, Kim Deal, David Lovering y Joey Santiago, espontáneamente desaliñados, desataron su torbellino ante un incrédulo ejército de pixianos que se frotaba los ojos al tiempo que gozaba extasiado.

Las cartas estaban echadas: de un lado, los Pixies, ofrendando con carismática parquedad sus primeros espasmos loud-quiet-loud en Argentina; del otro, una concurrencia enloquecida que ovacionaba cada paso de estos maestros en el arte hacer mucho con poco, aspecto que abarca no solo la precisa economía del guitarrista Joey Santiago y la bajista Kim Deal, sino también la sencilla pero interesante puesta y la escasa comunicación con el público.

Se suceden “Something Against You”, “Holiday Song” y “Nimrod's Son”, estridentes pero poco ayudadas por la horrible acústica del recinto. Los pogos son descomunales y los aullidos de Black ponen los pelos de punta.

Sin embargo, el ojo del huracán llegaría con los primeros acordes de “Debaser” y se consolidaría con la mortal seguidilla “Tame”, “Wave Of Mutilation”, “I Bleed” y “Here Comes Your Man”. Para el momento del esperado mantra de “Monkey Gone to Heaven” la victoria era total. El clímax de Doolittle, “No. 13 Baby”, “Hey” y “Gouge Away” ("Silver" no se incluyó) le cedió el paso a un segmento demoledor que incluyó el cover de Neil Young “Winterlong” y dos gemas chicanas del primer EP Come on Pilgrim (1987), “Isla De Encanta” y “Vamos”.

“Where is my mind?”, primero de cuatro bises, anunciaría el comienzo del fin del esperado debut de los Pixies en suelo argentino, desarrollado en un lapso decididamente ramonero en proporción a lo nutrido del set (veintiocho temas en hora y media).

Al encenderse las luces la concurrencia parecía empachada. Sonrisas, caras felices. Una desconcentración rápida y alegre. No sabemos si fue el mejor show de la historia, o de nuestra historia, ni nos interesa; tampoco nos vamos a poner a discutir la noción de “reunión fraudulenta”, total, en este momento, ¿a quién le importa? Habían tocado los Pixies, verdaderos pilares de la música alternativa norteamericana de fines de los ochenta y primeros noventa, cuyo legado e influencia permanecen incólumes y persistirán por generaciones, a la manera de una Velvet Underground, unos Stooges, unos Television, por ejemplo y sin exagerar. ¿Quién les quita lo bailado?

Setlist: Bone Machine - Broken Face - Something Against You - Holiday Song - Nimrod's Son - Debaser - Tame - Wave Of Mutilation - I Bleed - Here Comes Your Man - Monkey Gone To Heaven - Mr. Grieves - Crackity Jones - La La Love You - No. 13 Baby - Hey - Gouge Away - Velouria - Dig for Fire- Winterlong (cover de Neil Young) - Caribou - U-Mass - Isla De Encanta -Vamos.
Encore: Where Is My Mind? - Gigantic. Encore 2: Wave of Mutilation (UK Surf) - Planet Of Sound.

Gemas de los '80 (cap. VII)

2010-09-14T21:42:00.012-03:00

ULTRAVOX – Vienna (1980)

El cambio de década y de cantante (Midge Ure por John Foxx) vino acompañado por el primer éxito comercial para esta banda inglesa que había debutado en 1977 coqueteando con el glam rock y el punk pero que explotaría finalmente como uno de los punteros del synth-pop, de la new-wave… e incluso del new-romantic, tal como algunos escribas afirman.

Como sea, en Vienna, al igual que en otros discos rivales contemporáneos (p.e. Gary Numan, The Pleasure Principle), el pulso rockero todavía es palpable, aunque ya opacado por capas y arreglos de teclados analógicos que avanzan cual nube tóxica.

Desde el poderoso arranque con el largo instrumental “Astradyne” y “New Europeans” hasta el techno-desenlace de “Mr. X”, “Vienna” y “All Stood Still”, este Lp recorre un camino cuyos cruces se multiplican y delinean supuestas disparidades: nuevas y viejas tecnologías de grabación; guitarras distorsionadas y programaciones; baterías reales y virtuales; arreglos sublimes y minimalismo; Kraftwerk y power-pop. Gran disco.

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PUBLIC IMAGE LTD. – The Flowers of Romance (1981)

PiL surge de la necesidad innata de John Lydon (ex Johnny Rotten) de provocar algún tipo de molestia o de sembrar terror en el amplio ámbito de lo convencional.

Su primera obra post-Pistols, First Issue (1978), lo muestra disparando con aún más furia sobre sus blancos preferidos (como por ejemplo, el clero). Lo secunda un muro musical anárquico, corrosivo, exasperante y mastodóntico. PiL es el verdugo del punk. Y es el límite del after-punk. Es la pesadilla de los fans. Es el no-ranking. Es la no-canción. Es el NO.

Y sin embargo es arte. Y se hará todavía más exasperante y oscuro en Metal Box (1979). Pero entrará en un violento proceso de descomposición en Flowers of Romance, donde la música aparece extraviada en una orgía sonora que ningunea la ejecución “tradicional” de los instrumentos y redondea uno de los discos de rock menos comerciales de la historia del género.

Por fuera de la insanía vocal de Lydon, lo que queda es una retumbante procesión de ritmos, a cargo de Martin Atkins (cuyo sonido inspiraría a Phil Collins para sus discos solistas), en la que el influyente guitarrista Keith Levene, de enorme y personalísima labor en los álbumes anteriores, descansa parcialmente de las seis cuerdas y aparece concentrado en otras tareas, como la ejecución demencial de cellos y sintes. El tema homónimo y “Banging The Door” –en el que un paranoico Lydon clama por que lo dejen en paz, no solo a los fans que llegan a su puerta sino a… los reptilianos (?)– constituyen lo más parecido a una canción en todo el disco. Y con muchas dudas.

Flowers of Romance desconcierta. No emociona. Molesta. Es horrible. Pone en aprietos al oyente. Lo desafía. Lo repele. Lo insulta. Pero puede llegar a sorprenderlo. Puede ponerlo de frente a todo su bagaje rockero, y marcar –u orinar– su extremo. O su sótano. Es la world-music de las cloacas. Por eso es una de las Gemas de los ’80.

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Gemas de los '80 (cap. VI)

2010-08-17T18:20:00.007-03:00

SIOUXSIE AND THE BANSHEES – Juju (1981)

Parece ser que tempranamente varios caza-talentos corporativos han dado batalla por hacer firmar a Susan Ballion (Siouxsie Sioux) y sus pintarrajeados forajidos, cuyas primeras andanzas no pasaban, sin embargo, de caóticos jams pletóricos de aullidos, distorsión, cuero negro y tachas. Nuevamente, la maquiavélica capacidad ejecutiva de ver oro en la convulsionada juventud inglesa de mediados de los setenta permitía el desarrollo artístico de uno de los más interesantes subproductos del punk, Siouxsie and The Banshees, cultores privilegiados del dark/gothic.

Al igual que Kaleidoscope (1980), su rutilante antecesor, el cuarto trabajo de los Banshees se encomendó a la doble tarea de consolidación y máximo aprovechamiento de unos beneficiosos cambios en la alineación.

Como resultado, el brillo de Juju se desparrama por todos lados. Claro que su cohesiva materia sonora mucho le debe al espléndido trabajo guitarrístico del ex Magazine John McGeoch (muy admirado por guitarristas creativos como Johnny Marr), que llena de flanger y punzantes fraseos (en ese orden) las dramáticas elegías escupidas por la más lóbrega Siouxsie, y al interesante juego percusivo del baterista Budgie, en el que predomina el uso de los toms graves en detrimento de los platos. Pero lo que se destaca globalmente es un impecable trabajo melódico, operado a través de estructuras densas, electrificadas, abrumadoramente cautivadoras, amén del embrujo vocal de una de las grandes damas del rock.

La nula distancia entre los estupendos singles “Spellbound” y “Arabian Knights”, de acechantes melodías y sombría imaginería lírica, y otras piezas como “Into the Light” y la apabullante “Voodoo Dolly” (con reminiscencias de los Doors y la Velvet), colocaría a Juju a la cabeza de la era dorada de la agrupación, verdadero faro para varios contemporáneos pero sobre todo para futuros colegas como Garbage o Placebo.

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THE CURE – Disintegration (1989)

El combo gótico liderado por Robert Smith despide la década con un disco soberbio que apenas editado se convertiría en un imprescindible, privilegio que pasará a compartir con no menos de tres discos anteriores de factura propia, lo que sin duda dificulta cualquier elección ilustrativa de solo uno de ellos.

Ecualizado para favorecer la escucha a volumen alto, Disintegration propone, en sus 72 minutos, un homogéneo mar de claustrofóbica congoja, plasmado con una expresividad que lleva a planos magistrales la máxima dark de tornar sublime un sencillo juramento de amor verdadero, como el del hit “Lovesong”, o bello y revelador un canto de desesperación como el de “Closedown”.

Smith construye el imponente muro de sus lamentos con la seguridad de quien goza días de plena inspiración, apoyado en el contundente respaldo que le otorga una de sus mejores formaciones –si no la mejor–, que incluye a Simon Gallup, Porl Thompson, Roger O’Donnell y Boris Williams en bajo, guitarra, teclados y batería respectivamente.

“Pictures of You”, “Lullaby”, “The Same Deep Water As You” y “Untitled” son algunos de los grandes momentos de un álbum sin desperdicio, cuyos tracks presentan una duración promedio poco recomendable para el oído habituado a la inmediatez. Para el resto, bon apetit…

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Gemas de los '80 (cap. V)

2010-07-27T18:54:00.011-03:00

INXS – Kick (1987)

El año 1987 encontraría al sexteto australiano nuevamente invadiendo las radios, pero esta vez con un disco bajo el brazo que captará bastante de la frescura que ofrecía el grupo en vivo (acaso de lo poco elogiado por la crítica), y que, para colmo, arrojará para la posteridad una interesante cantidad de éxitos.

En este álbum el cantante Michael Hutchence vuelve a derrochar sensualidad y saca todo el jugo posible a su poderosa vocalización, bastante cercana a la de Mick Jagger (aunque su imagen sea más próxima a la de un Jim Morrison metrosexual), en tanto que la banda, cuándo no, transita certera por su acostumbrada y aceitada elegancia. Nada muy novedoso, en realidad, solo que a grandes rasgos el producto destaca una redondez que sus obras pedían a gritos (y seguirán pidiendo hasta el final…), y que hace convivir de manera explosiva los funky de alto voltaje de “New Sensation”, “Need You Tonight” y “Calling All Nations” con la resonante balada “Never Tear Us Apart” y el stoniano “Tiny Daggers”.

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COCTEAU TWINS – Victorialand (1986)

Tal vez no sea el mejor disco del trío escocés –devenido aquí en dúo–, pero lo cierto es que Victorialand parece una especie de no-va-más, un extremo en la búsqueda atmosférica de este grupo, que aquí se despoja aún más de los convencionalismos para dejar sus canciones totalmente al desnudo y a merced de los gorjeos incomprensibles de la gran Elizabeth Fraser y los colchones de guitarras de Robin Guthrie, apoyados por una percusión mínima o bien nula.

“Lazy Calm” y su placidez inconmensurable constituye la carta de presentación perfecta para este breve ejercicio ambiental inspirado en paisajes polares, cuyos escasos treinta minutos se extravían en arpegios inundados de chorus y el canto suprahumano de la vocalista. Sin duda ha sido este modus operandi y su interesante resultado el que hizo de este disco glacial un verdadero hito en la carrera de los Twins, y también en el pop de la época, lo que a su vez contribuyó a revalidar, muy a pesar del grupo, la etiqueta de la que siempre renegó: la del dream-pop.

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Gemas de los '80 (cap. IV)

2010-06-17T18:22:00.007-03:00

THE SMITHS – The Queen is Dead (1986)

Promediando los ’80, no conformes con sus dos sobresalientes elepés y la marea de singles resultante de cada destello de inspiración de la dupla compositiva Morrissey/Marr, los Smiths despachan en las bateas esta obra maestra del pop rock que funciona como un breve e implacable muestrario de la enorme capacidad de esta agrupación para articular piezas de gran belleza y fina construcción melódica y lírica.

En este magistral álbum, la ponzoñosa poesía de un inspiradísimo Morrissey (“Bigmouth Strikes Again”, “The Queen Is Dead”) se concede paseos por el romanticismo más dramático (“There’s A Light That Never Goes Out”, “I Know It’s Over”) cuando se aparta del sarcasmo habitual a la hora de hablar de sexo (“Never Had No-one”, “Some Girls Are Bigger Than Others”) y de las apologías del perdedor, así como también en el plano estrictamente musical la lucidez de la banda saca chispas a las capas de guitarras superpuestas de Johnny Marr y a los cimientos apuntalados por Andy Rourke y Mike Joyce.

Aun sin constituir la culminación de la capacidad creativa de los mancunienses (prueba de ello será el sucesor Strangeways, Here We Come), The Queen Is Dead marca un punto de no retorno que permitirá que los años corran y la prensa inglesa persista en su afán de descubrir a la nueva “mejor banda desde The Smiths”.

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JOY DIVISION – Closer (1980)

“Estoy avergonzado de la persona que soy”, dice Ian Curtis en “Isolation”, pero esa confesión es un poroto al lado de la sumatoria de tristeza, muerte y putrefacción que exuda Closer, disco-epitafio en el que puede apreciarse al célebre conjunto de Manchester estirando su música y dotándola de una dureza aún mayor que la que pregonaba el promisorio Unknown Pleassures (1979); el cual acompañado por febriles actuaciones, tempranamente colocaría a Joy Division a la cabeza del proceso conocido como post-punk.

Podría decirse que el álbum póstumo de este grupo harto influyente, as de espadas del sello Factory (cf. el filme 24 Hour Party People, 2002), simplemente añade aspereza maquinal al bonito contrapunto entre las estridencias dibujadas por los futuros New Order y la voz grave y tenebrosa de Curtis, esa que, contagiada de reverberancia, entre tanto canto fúnebre y miseria humana sin embargo parece navegar en pos de algo superior y trascendente.

Pero, en una mirada más amplia, además de cerrar (trágicamente) un capítulo fundamental del rock contemporáneo, Closer deja estampado un real manual de estilo, ora para multitud de agrupaciones que venían rondando por ahí, ora para las que más tarde o más temprano quedarán embelesadas con el sonido envolvente y siniestro de esta banda única.

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Gemas de los '80 (cap. III)

2010-06-02T17:12:00.011-03:00

ECHO AND THE BUNNYMEN - Heaven Up Here (1981)

El auspicioso debut de estos oriundos de Liverpool, Crocodiles (1980), había preparado el terreno de manera adecuada para un real salto de calidad, que Heaven Up Here trae consigo gracias a su más acicalada producción (a cargo de Hugh Jones) y el mayor énfasis en las texturas, lo que posibilitó un desarrollo verdaderamente magistral de la angustia, euforia y desesperación que revelan la música y las letras del grupo post-punk encabezado por Ian McCulloch y Will Sergeant.

Guitarras que se entretejen, se repelen y vuelven a encontrarse, bajos reforzados con modulaciones, baterías efectivas, y pinceladas de teclados y drum-machines primitivas, delinean, según el momento, cambiantes, constantes, calmos paisajes sonoros, pero siempre gélidos y con un halo de grandilocuencia, ideales para poner en escena las oscuras situaciones y cuestionamientos articulados por un joven McCulloch, mil veces más versátil que hoy. Tracks como “Over The Wall”, “No Dark Things” y “Heaven Up Here”, por demás densos, nerviosos, son apenas una muestra de la capacidad de la agrupación para complementar las altas frigorías de su fórmula de aquel entonces con los ecos de The Doors.

Con este difícil long-play los Bunnymen lograrían sin embargo un éxito comercial interesante en su país, aunque nada contradictorio con su temprano status de banda de culto, del cual nunca se despegarán pese a los subsiguientes intentos por moderar la dureza de su arte.

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THE TEARDROP EXPLODES – Kilimanjaro (1980)

A diferencia de sus vecinos de los Bunnymen, tanto la breve discografía de The Teardrop Explodes como la posterior e interesantísima carrera solista de su excéntrico vocalista, bajista y compositor Julian Cope, son candidatas eternas a figurar en el Top Ten de las mayores injusticias en torno a la falta de reconocimiento.

Hoy de colección, el debut de esta banda co-protagonista de la explosión neopsicodélica que se dio cita en Liverpool a fines de la década de 1970 dista, sin embargo, de ser un happening sonoro. Es que las cualidades hipnóticas del arte profesado por este cuarteto circulan más bien por la acumulación de estructuras económicas, ágiles e intensas –sacudidas de vez en cuando por un estribillo o progresión que hace las veces de tal–, que parecen navegar entre las relaciones obsesivas, la paranoia y hasta los problemas familiares en lugar de hundirse en metáforas espaciales o experiencias místicas.

No obstante, la presencia de órganos émulos del viejo y querido Farfisa, con los que el teclista David Balfe dibuja algún que otro solo arabesco, el colorido pop del exquisito single “Treason”, y un puñado de codas estiradas (“Sleeping Gas”, “When I Dream”) configuran un tipo de conexión más certera con la década del ’60 que equilibra la balanza respecto de su contemporáneo sonido global.

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Gemas de los '80 (cap. II)

2010-05-20T17:08:00.020-03:00

TALKING HEADS – Remain In Light (1980)

Al día de hoy, los Talking Heads son una de esas bandas que no se han dejado seducir por ningún cheque en blanco, y tal vez sea mejor así. Sería una verdadera pena y un total desatino que la carrera de una de las bandas norteamericanas más creativas e interesantes quede salpicada por una intentona de reunión fraudulenta, de las cuales hay varios desgraciados ejemplos.

Es que por fuera de estas suposiciones, lo que permanece son los discos, esos que tan poca atención reciben hoy en día gracias a las “libertades” que ofrecen los ya no tan nuevos formatos digitales, amén de la tan mentada falta de tiempo, ocupado en cosas útiles como trabajar sin jamás cuestionar la flexibilización laboral, o más interesantes como chatear, chusmear a precio módico en FB o jugar a la Play Station.

Como sea, el espesor de Remain in Light, obra cumbre de los cabezas parlantes, resultará poco recomendable para los que creen que la carrera de los Heads empieza en “Psycho Killer” y termina, sin mediación alguna, en “And She Was” (ojo: ambos temazos).

“Permanece iluminado”, “permanece en luz”, o como se quiera traducir, abriga, paradójicamente, ocho canciones extensas, oscuras, aunque no exentas de frenetismo e instigación al baile y al movimiento, en lo que sería un punto muy alto mas no la culminación de la búsqueda polirrítmica y multiétnica de los neoyorkinos, y que posteriormente desarrollará David Byrne en solitario.

Mucho tuvo que ver en la arquitectura de este verdadero enjambre ultrapercusivo, de graves pronunciados y abundantes chispazos de sintetizadores y programaciones, la decisión de Byrne de delegar buena parte del trabajo material e intelectual tanto en el productor Brian Eno como en el guitarrista Adrian Belew (quien luego trabajará con King Crimson), responsable de austeras intervenciones en las seis cuerdas (todo lo cual sería disparador de no pocas tensiones con los miembros históricos Chris Frantz, Tina Weymouth y Jerry Harrison) que matizan varios pasajes de este disco complejo y cautivador.

Remain In Light, en definitiva, además de ahorrarnos el trabajo de atender a varios grupejos actuales que se autoproclaman originales, también, y por si fuera poco, entrega unas observaciones imperecederas tanto acerca de la oquedad de los estilos de vida deseables y los modelos de éxito (“Once In a Lifetime”) como de las apariencias plásticas (“Seen And Not Seen”), algo con lo cual más de uno debiera sentirse aludido. Imprescindible por donde se lo mire.

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THE CLASH – Sandinista! (1980)

¡Renuncie, montonero Strummer! Si London Calling (1979) era ya una soberbia muestra de eclecticismo musical y discurso combativo, pues Sandinista! lleva la idea casi hasta la exageración.

En esta enciclopedia del año 1980, el radicalismo político de este grupo genial sobrevuela la totalidad del producto: desde el título que denota empatía con el proceso revolucionario nicaragüense, la hoja-panfleto de las letras (“The Armagideon Times, nº 3”), la predominancia de tonos rojizos en el packaging, hasta los varios textos que dan cuenta de un sistema colapsado y de pueblos en pie de guerra. Y además, el gesto: editar un LP triple por el precio de uno (doble en el formato CD) conteniendo un material que vuelve a desmentir la pretendida tosquedad punk y exhibe, en cambio, prolijas ejecuciones y un gusto refinado y abierto, que oscila sin orden coherente, a lo largo de sus treinta y seis tracks, entre restallantes rocks, pasajes jazzísicos, excursiones dub, rap y elucubraciones varias. Para degustar y luego levantarse en armas.

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Gemas de los '80 (cap. I)

2010-05-07T17:45:00.023-03:00

Intro

Muchos consideran a la década de 1980 como un período crítico para el rock y el pop, cuando no una especie de “década perdida” signada por un proceso de berretización, banalización, etc. de la música popular; argumento que, más allá de tener algo de cierto, me atrevo a afirmar: hace agua por todos lados. Lo que no quiere decir, empero, que nosotros adhiramos a esa absurda ola de nostalgia ochentosa –de la cual me ocuparé en otro momento– impulsada cual manotazo de ahogado por la agonizante industria musical y sus aparatos (VH1, por ejemplo), y que flaco favor le hace a las grandes obras y grandes conjuntos que vieron la luz o explotaron durante ese decenio.

Lo cierto es que en este periodo el pop anglosajón-occidental sufre un proceso de transformación que incluye: la desintegración, reformulación o simplemente decadencia de los grandes dinosaurios; los ecos y huellas ya indelebles del punk; la aparición de MTV y el endiosamiento de la promoción audiovisual; la apuesta de las cadenas masivas por el pop bailable; y, rodeando todo esto: un contexto de desindustrialización, de naturalización de la tríada consumismo-hedonismo-conformismo, vertiginosos cambios geopolíticos, transformaciones exponenciales en materia de comunicaciones y triunfo del capitalismo financiero, todo con el aval de teóricos que, desde sus confortables think tanks, pregonaban ficciones estúpidas como la del “fin de la historia”.

Como sea, está en nosotros, y ése es el objetivo de esta serie de entradas, la decisión de meterse en el barro y sacar de allí, simplemente: cosas que valgan la pena. No desechar ni reivindicar. Encontrarán, entonces, en este y en los capítulos que siguen, tanto muestras del rock/pop más sofisticado, como saludables arrebatos independientes y, claro está, obras que incluyen esas canciones con las que los asistentes a fiestas “de buena música” enloquecen.

Desde ya que aceptamos sugerencias, divergencias, aportes, insultos y cartas bomba, pero siempre recordando: ESTO NO ES UN RANKING DE “MEJORES”. Pop is Dead se opone, y siempre se opondrá, a ese tipo de clasificaciones. Se trata meramente de un capricho ilustrativo. ¡Salud!

XTC – Skylarking (1986)

XTC en su momento debe haber sido uno de los grupos británicos más prolíficos jamás surgidos, aunque su incansable producción de LP’s, singles, lados B, bootlegs y lanzamientos bajo seudónimos tal vez responda a su temprano retiro de las giras –y su consecuente despliegue de tiempo y energía– hace ya casi treinta años, debido al incurable pánico escénico del vocalista, guitarrista y creador Andy Partridge; algo que su coequiper y no menos creador Colin Moulding debió aceptar sin chistar.

En esta producción de 1986, el grupo desarrolla un arsenal de melodías de impecable factura, talladas con una minuciosidad de orfebre y dotadas de una envidiable imprevisibilidad, lo que sin embargo no se traduce en derrape. El carácter atemporal de las composiciones ubica a esta genialidad dentro de una línea de pop británico que va desde los Kinks, los Small Faces y los Beatles psicodélicos, hasta la new wave más inspirada, lo cual es reforzado por textos plenos de una muy inglesa carga de melancolía, referencias meteorológicas (“1000 Umbrellas”, “Ballad For a Rainy Day”) y campestres incluidas (“Summer’s Cauldron”, “Grass”), más un quilombito político-religioso (“Dear God). Una joya.

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PREFAB SPROUT – Steve McQueen (1985)

Liderada por Paddy McAlloon, esta banda formada en el ocaso de la década del ’70 desplegó su originalidad de manera intermitente a raíz de los constantes problemas de salud de su jefe.

La segunda placa de estos ingleses, cuyo título homenajea sin vueltas al célebre hombre duro del Hollywood de antaño, se destaca por su pulcritud no exenta de misterio, así como también por una ejecución notable a la que se le ha adjuntado una justa dosis de experimentación. Pero tanta asepsia de laboratorio, coronada por límpidos colchones de teclados y la dulce voz de McAlloon –secundada por los coros casi subrepticios de la teclista Wendy Smith–, más la cuidada producción del genio loco Thomas Dolby, no alcanzó para hacer de Steve McQueen una pieza estrictamente radiofónica, lo que depositó a esta obra maestra dentro del recinto de lo sagrado.

“When Love Breaks Down”, “Appetite”, “Horsin’ Around”... quedarse con un título sería un tremendo acto de injusticia respecto de este gran disco que, seguramente, y más allá de su sonido algo frío y distante (espíritu de época, le dicen), colmará las almas de los que estén en búsqueda de un mix entre sofisticación y riesgo calculado.

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The Perry Files: Divididos - Amapola del 66 (2010)

2010-04-17T17:03:00.008-03:00

El descanso discográfico de Divididos ha sido tan extenso, que Amapola del 66 estuvo a punto de empezar a ser considerado el Chinese Democracy del rock argentino; con la salvedad que detrás de esta producción que finalmente vio la luz hace un mes no había un ermitaño megalómano recluido durante años y años en su lujosa mansión, haciendo y deshaciendo un disco que no colmó las expectativas de nadie, sino un par de tipos maduros y un joven baterista que en todo este tiempo no han dejado sin embargo de trabajar.

Pues bien, un disco desconcertante como Vengo del Placard de Otro (2002), última producción de estudio del grupo y recta final para la estadía de Jorge Araujo en el equipo, ameritaba una sucesión más amistosa para los oídos de una hinchada numerosa que a priori puede parecer reacia a los cambios.

Con Amapola del 66 las paredes de la habitación del oyente volverán a temblar, claro está, de la mano de esos potentes riffs + explosivos solos y esa base robusta e inquieta, que le valieron el apodo al grupo. El fan volverá a recoger de las líricas reflexiones que persisten en la búsqueda espiritual; comprobará que en el vocabulario de Ricardo Mollo aparecen términos como “trascendente”, “redención”, “hombre-ilusión”, lo que de nuevo contradirá el carácter terrenal –barrial– que le sigue atribuyendo buena parte de sus admiradores. Y la trilogía folklórica que marca la mitad del disco (“La flor azul” –que incluye a Peteco Carabajal en violín–, “Senderos” y “Jujuy”) lo hará sentir, una vez más, que no hace falta ir a las peñas para escuchar música autóctona, o para concientizarse de la importancia de las reivindicaciones indígenas respectivamente.

Pero estas suposiciones dan cuenta sólo de una parte de la historia, ya que en Amapola del 66 parece haber alguito más. Tal vez un mayor énfasis en la épica (coherente con el promedio de duración de las canciones o la extensión general del disco), un cierta grandilocuencia, pared de guitarras mediante, que se palpa en toda la obra pero que se agudiza en temas como “Muerto a laburar”, en la pieza homónima, en el torbellino intermedio de la patada inicial de la placa, “Hombre en U”, o en “Boyar nocturno”, número extenso que incluye voces camarosas y un largo y afectado solo con slide.

Asimismo, la misteriosa y atmosférica “Avanzando retroceden”, cantada por Diego Arnedo, conecta al grupo con la psicodelia de los ’60, aunque ese fino pasaje espacial es rápidamente volado en pedazos por el estallido a lo Living Colour de “El perro funk” –por cierto, también cargado de humor– y la conmovedora “Todos”, dedicada a los chicos de la tragedia del colegio Ecos.

Amapola del 66, pues, no supone ningún volantazo respecto de la potente musicalidad de la “aplanadora del rock”, aunque parece traer consigo una suerte de condensación de las posibilidades y restricciones de Mollo y cía. Pero para bien, ya que este LP, el primero con Catriel Ciavarella tras los parches, en definitiva exhibe a Divididos gozando de buena salud… ¡y con material jugoso para tocar en vivo!

Guns N' Roses - Estadio Vélez Sarsfield, 22/03/10

2010-03-24T17:49:00.010-03:00

Por Perry Mastrángelo, con la colaboración de Ralph Halfville.

I. Directo al grano: no queda claro si lo que se vio parece digno de una banda que tuvo al mundo del rock en sus manos, lo que habilita una primera y tajante hipótesis: esto no es Guns N´ Roses. Y no sólo en lo que refiere a cantidad de miembros históricos presentes (¡vamos, no podemos considerar al tecladista Dizzy Reed como tal!): sino también en cuanto al planteo del show. Nos preguntamos cuán entusiasmado estaría el líder con su nueva banda y su nueva producción –cuyo lanzamiento fue pospuesto una y otra vez desde hace más de una década– desde el momento en que fueron solo seis temas de reciente factura los incluidos en el set-list. Digo esto porque hay una diferencia interesante entre lo que sería una nueva versión del proyecto, con nuevos planes y nuevos objetivos, y la mera recreación de viejos clásicos. O entre los “nuevos Guns” y una simple banda tributo.

II. Un pálido homenaje a tiempos mejores, en todo sentido. Es extraño escuchar una gloriosa pieza como “Rocket Queen” ejecutada por siete muñecos fingiendo hacer rock, blandiendo sus cabezas de aquí para allá, recorriendo las pasarelas con el aire triunfante de estrellas reconocidas y establecidas. Para la mayoría de los presentes hubiese resultado osado, pero convengamos en que si esto es algo diferente, si hay una refundación de lo que antes se llamó Guns N’ Roses, ¿porqué no basar el show en el disco nuevo y despachar un puñado de versiones respetuosas de viejas gemas? Ver a uno, dos, tres violeros afanarse por recrear los solos de Slash, el sonido de Slash, y hasta la pose de Slash resultó como mínimo patético. ¡Para eso nos quedamos en casa escuchando los discos!

III. Otra hipótesis atraviesa no solo lo estrictamente artístico, sino también lo organizativo: es una apabullante falta de respeto que el show de una banda de primera línea quede totalmente arruinado por un sonido pésimo. Si la materia sonora hubiese sido coherente, tal vez la hipótesis anterior habría quedado parcialmente menguada, o al menos nos hubiéramos contentado con los alaridos rasposos de un Axl Rose en buena forma. Pero no fue así. La voz, esa irremplazable voz que marcara a fuego los albores de la década del noventa, quedó sepultada por un vendaval de fallas técnicas que la dejaron prácticamente inaudible durante buena parte del concierto. Recién promediando éste, una atinada subida de volumen hizo que la banda realizara su simulacro a un nivel un poco más normal que aquél que llegó a despertar la furia del público.

Ante tamaño atropello, los pedazos de alfombra de plástico que caían sobre el escenario se combinaron con una densa capa de chiflidos y cánticos de desaprobación por parte de un sector grande de la concurrencia, y la reacción del líder no tardaría en llegar. No fue sino después de tres intervenciones con traductor y todo que los protagonistas parecieron percibir que la cosa era sencilla: no se escuchaba un carajo. Para el momento de la corrección parcial de los niveles, la velada se había transformado en una guerra de nervios en la cual se respiraba una cancelación y posterior hecatombe.

La tensión que sobrevolaba el ambiente al momento de la bella “November Rain”, no tenía nada que envidiarle a la de un penal en el minuto 89. Cualquier miga de pan que tocase el piano de la figura de la noche hubiese significado el inmediato regreso a casa. Nada de eso ocurrió, y el concierto pudo continuar su curso y completar sus interminables dos horas y cuarenta minutos.

IV. Coda. El último cuarto del show, acaso lo mejor del mismo, que incluyó cuatro potentes bises –entre ellos, el buen cover de AC/DC “Whole Lotta Rosie” y una siempre descomunal “Paradise City” con su correlativo pogo– no alcanzó para compensar el desastre anterior. Tampoco la garra y las ganas de un Axl Rose que se corrió el escenario de punta a punta, tal vez sin percatarse del gigantesco karaoke a volumen de living que protagonizó durante casi toda la noche.

Por si fuera poco, el hecho de que remozadas e interesantes versiones de “Knocking on Heaven’s Door” y “Don’t Cry” hayan signado la nota distintiva del espectáculo corrobora nuestra hipótesis de que el polémico capitán debiera replantearse cómo encarar futuras acciones: si desde el lugar fingido de una banda en la que “no pasó nada y todo sigue igual” o si desde una perspectiva renovada y en vistas a lo que vendrá.

A la salida las caras del público eran elocuentes. Sin muestras de conformidad, de alegría, la desconcentración se desarrolló en medio de un silencio de partido perdido. (El stock de remeras sobrantes debe haber sido alarmante). Hacía falta estar dotado de un poquitín de criterio para saber que se acababa de presenciar un show flojo, flojo en serio, como mínimo.

Set-list (no incluye solos ni intermedios): Chinese Democracy - Welcome To The Jungle - It's So Easy - Mr. Brownstone – Sorry- Better - Live And Let Die - If the World - Rocket Queen - Street Of Dreams - You Could Be Mine - Sweet Child O' Mine - November Rain - Don't Cry - Out Ta Get Me - Knockin' On Heaven's Door - Nightrain. Encore: Madagascar - Whole Lotta Rosie - Patience - Paradise City.

The Perry Files: Black Rebel Motorcycle Club - "Beat the Devil's Tattoo" (2010)

2010-03-19T16:42:00.007-03:00

(Reseña publicada originalmente en At Concert.net)

Puede que no hayan inventado nada, pero de todas las bandas 2.0 que optaron por “recoger el guante” en lugar del mero refrito, Black Rebel Motorcycle Club ha logrado posicionarse como una de las propuestas más rescatables de la pasada década a caballo de un rock potente e hipnótico cargado de interesantes (y palpables) influencias, vomitadas en los surcos de cinco extensos discos.

Tras un extravío seudoexperimental entregado gratuitamente en su My Space (The Effects of 333), el trío de San Francisco liderado por el vocalista/guitarra Peter Hayes retorna a territorios conocidos (por no decir trillados) e inaugura su primer decenio de vida con un álbum en el que, a la par que el factor sorpresa brilla por su ausencia, se asoman algunos de los elementos que hicieron de esta agrupación una de las promesas del nuevo milenio.

En Beat the Devil's Tatoo el grupo sigue revisando la sección “garage rock” de su discoteca (“Conscience Killer”, “Mama Tought Me Better”), y la de su adorada psicodelia británica de fines de los ‘80; lo que no los exime de recurrir a ásperas texturas sureñas ("The Toll”, “River Styx”), ni de despacharse con sentidas canciones pop por las cuales el Noel Gallagher de hoy día pagaría un buen precio (“Bad Blood”, “Long Way Down”).

Sin ser deslumbrante, la placa resulta muy entretenida, y su escucha confirma que, aún habiendo optado por ir a lo seguro, sigue siendo atractiva la forma en que BRMC apela a los recursos que hacen a su búsqueda sonora: capas y capas de guitarras saturadas, base paquidérmica que incluye bajos fuzzeados (a cargo de Levon Been) y baterías macizas (cortesía de la recién incorporada Leah Shapiro), y un tratamiento de las voces que retrotrae la crudeza setentera.

Más allá de que resulten más o menos interesantes las líricas atravesadas por las penas del alma, así como por referencias literarias (Poe, en el tema homónimo), es sin duda y sobre todo la oscura musicalidad bien manejada, junto con una estética coherente, que persisten en este su quinto disco, lo que hace de Black Rebel Motorcycle Club una banda digna de ser atendida.

Sentencias de mierda

2010-02-16T10:19:00.003-03:00

I. Satanás es anagrama de "sanatas". Luego, el acto de sanatear es diabólico.

II. Sandro no es rock.

III. Más vale Mazinger Z en mano que Barón Ashler volando.

IV. Colabore con Haití, colabore con la ocupación.

V. Un acertijo: Cucamonga no es "culo de monja" en finlandés. La bestia pop está borracha de Fresita, pero el traidor es Maxwell Smart. ¿A qué personaje bíblico me refiero (que es anagrama de un río siberiano)?

Metallica - Estadio River Plate, 22/01/10

2010-01-23T17:39:00.010-03:00

Así como en 2003 me quedé mirando como un idiota mi inservible entrada al enterarme de la cancelación, ayer contemplé la revancha (palabra que figura en todas las crónicas…) estupidizado ante la estupenda performance de estos cuatro tipos totalmente carentes de piedad a la hora de partir cabezas y destrozar tímpanos.

Cualquier juicio negativo que se haya levantado hacia la banda californiana a raíz del fallido concierto de la gira presentación del insoportable St. Anger (2003) ha perdido ya su sentido. Y todo fan o admirador que ose haberse ausentado de las veladas del jueves y viernes amparado en un caprichoso rencor sin final, merece ser considerado sin más como un “pelotudo”. Me consta que los hay. ¡Si yo mismo decía que para esta fecha iba a tener cansancio físico y mental!

Qué va. Decenas de riffs disparados como ametralladoras, tempos imposibles, ejecuciones perfectas y prolijas, pirotecnia sonora y pirotecnia de verdad, gran sentido del espectáculo, set-list inmejorable, más algunas graciosas muestras de demagogia conformaron un show que debe haber colmado hasta al más escéptico de los concurrentes, exceptuando a los oyentes que se irritan con los clisés del rock de estadio.

Por supuesto que Metallica respeta (y explota) a rajatabla esta idea del show de rock como entretenimiento (y la empresa patrocinadora también: Time for Fun…), y yo soy de los que creen que nada tienen de malo los grandes shows cuidadosamente cronomentrados, cuya teatralidad los obliga a dotarse de cierta previsibilidad.

Además este cuarteto tiene unas armas secretas que no lo son tanto, pero que a la hora de enfrentar a su audiencia hace como si lo fuera: un rico repertorio que permite interesantes variantes en cada show, números fijos inefables (“Enter Sandman”, “Master of Puppets”, “Sad But True”), grandes momentos (“Ride the Lightning”, “Fight Fire With Fire”, “One”, “Battery”), una polenta envidiable y una entrega total.

Y así, luego de dos horas y pico, todos contentos nos vamos a casa sabiendo consciente o inconscientemente que tantos años en el mercado les ha permitido a Hetfield, Ulrich y Hammett (miembros históricos del grupo) tenernos bien agarrados de las pelotas. Qué importa, total…

Set-list: Creeping Death - Ride The Lightning – Fuel - The Four Horsemen - Fade To Black - That Was Just Your Life - The End Of The Line - Sad But True - Broken, Beat & Scarred - The Judas Kiss – One - Master Of Puppets – Battery - Nothing Else Matters - Enter Sandman. Stone Cold Crazy - Fight Fire With Fire - Seek and Destroy.

Bonus track: los elegidos de Pop is dead de la década

2009-12-30T09:58:00.001-03:00

Y ya que estamos, casi consumado el fin de este magro decenio (en los más variados sentidos), con todas las dificultades y groseras omisiones que esto implica, dejo constancia de mis votos en las siguientes categorías. ¡Y te exhorto a comentar tus elecciones!

1- Peor grupo o “artista” de mierda.
2- Peor show (de mierda).
3- Peor disco
4- Peor tema de mierda.
5- Mejor grupo o artista.
6- Mejor disco.
7- Mejor show de grupo o artista.

Voto de Perry

De allá
1- Todos los llorones británicos con menos rock que Lerner
2- Beastie Boys en el Club Ciudad
3- St Anger de Metallica Corp.
4- “By the Way”
5- Radiohead
6- Kid A (Radiohead)
7- Radiohead en el Club Ciudad

De acá
1- Calle**ros
2- Carca en el Quilmes Rock (lapidado por metaleros furiosos).
3- Cualquiera que involucre a Álvarez.
4- Cualquiera que involucre a Álvarez.
5- Ricky Espinoza.
6- Ninguno.
7- Soda Stereo en River.

Compilado de verano 2010

2009-12-29T11:36:00.002-03:00

Se termina un nuevo ciclo del ya obsoleto calendario gregoriano. Lo único que queda por decir, pues, es que en este compilado que Pop is Dead ofrenda a sus visitantes no encontrarán la fórmula de la vida eterna, ni un portal dimensional, ni un pasaje en primera clase en la nave nodriza de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo.

Hallarán, eso sí, una clave, un tratado de topología cuántica capaz de exacerbar átomos putrefactos en un sinnúmero de shots de Zumuva con mezcal vencido. Verán que las muestras de meo de gato no concuerdan con las más disímiles formas de calambre, ni con guardarrails de autopista del suroeste de Sierra Leona.

Track list:

1- The Chemical Brothers - Electrobank
2- Fatboy Slim - Ya mama
3- Daft Punk - Crescendolls
4- 808 State - Pacific
5- Bent - A Ribbon for my hair
6- Air - Remember
7- Hooverphonic - 2 Wicky
8- Sparklehorse - Sea of Teeth
9- Luscious Jackson - Don't Look Back
10- Donovan - Celeste
11- The Kinks - You Shouldn't Be Sad
12- Stereolab - Emperor Tomato Ketchup
13- PJ Harvey - 50ft Queenie
14- Magazine - Recoil
15- The Damned - Born to Kill
16- Buzzcocks - Just Lust
17- Sonic Youth - 'cross The Breeze

Salud!

Enlace

Personal Fest - Día 2 (17/10/09)

2009-10-21T09:34:00.012-03:00

Depeche Mode

Puede que uno con el tiempo y con la experiencia se vaya poniendo más quisquilloso, detallista e hinchapelotas, pero de la jornada del sábado en el Club Ciudad, el día 2 del Personal Fest, cuyo plato principal no era otro que el regreso de Depeche Mode tras quince años, hay un par de puntos que hacen interferencia en el normal desarrollo de las cosas, léase, un estado pleno de satisfacción espiritual. Pues se supone que un concierto es, ante todo, una experiencia estética.

El primer punto tiene que ver con un problema organizativo palpable por cualquiera que tenga dos dedos de frente: el fracaso total de las empresas organizadoras en su intento de delinear un festival de calidad. Es de muy baja calaña, tramposo y mafioso terminar amparándose en los dos números principales tras haber cobrado un precio exorbitante y, lo que es peor, promocionar el evento como si fuesen dos jornadas plenas de nostalgia ochentosa. Al menos para lo que es la propuesta artística de Depeche, nada más errado, infantil y pro-consumista.

Es subestimar la densitud lírica y musical de un grupo de culto que, más allá del despliegue de algunas melodías contagiosas y ritmos dinámicos, del invaluable aporte a la electrónica bailable y de las simpatías de los miembros hacia los nightclubs, siempre trascendió con maestría el hedonismo de la pista de baile y desplomó las barreras entre el rock y las máquinas. Cualquiera que se digne a sentarse a escuchar un disco entero de la banda, y no un “Best of” o listas aleatorias, lo notará con mayor claridad. Esto me conecta con el segundo punto.

Como es previsible en un grupo con tres décadas de trayectoria, al menos la mitad del público que atiborró el predio estuvo compuesto por una nueva generación de fans surgidos en el último decenio, que calculo deben haber llegado al trío inglés gracias a la resurrección milagrosa de Ultra (1997) y la revalorización que cayó sobre el grupo en parte debido al auge y masificación de la electrónica. Nada de malo hay en esto, más bien al contrario. Pero no me cabe para nada eso de arruinar “riffs” de teclados con el “ooooo” contagiado del ritual típico del “puro rock nacional”, ni las bengalas (se encendió una, si mal no recuerdo, en “Never Let Me Down Again”). Tampoco me cabe que una vieja gema reflotada como “Fly on the Windscreen” (de aquel genial manifiesto dark que fue Black Celebration, de 1986) haya pasado desapercibida.

Por otro lado, y superando la absurda cuestión “viejos vs. nuevos fans”, en la que admito que acabo de incurrir, nuevamente se hizo presente el ya clásico estruje y empuje, insoportable incluso a veinticinco metros del escenario, a lo que se agrega… ta-tán ta-tán… ¡¡¡la captura frenética de diversos momentos del show, algo que me tiene recontra-requete-podrido!!! ¡¡¡En vez de filmar, disfruten del espectáculo, carajo!!! ¿¿¿Qué necesidad hay de estar poseyéndolo todo, absorbiendo, grabando, guardándolo todo??? ¡¡¡Si en definitiva los videitos se ven y se escuchan para el orto!!! ¡¡¡Para eso están las cámaras de TV, mierda!!!! En parte digo esto porque ¡¡¡al final me terminaron tapando la visual más las cámaras y camaritas que las cabezas de los tipos más altos que yo!!!

Bueno, respiro y le dedico un par de párrafos a lo verdaderamente importante. De lo cual en realidad no hay mucho que decir, ya que el trío británico exhibe una clase y un profesionalismo difícil de igualar.

El grupo, llamado a presentar su último trabajo, Sounds of the Universe, se valió de una austera pero elegante puesta en escena (una pantalla que cubría todo el fondo del escenario) para impactar a los asistentes con un impecable set-list, al que sin embargo no le hubiesen venido mal un par de piezas más, lo que habla mal de la dinámica de un festival (escasa puesta, shows recortados), ámbito en el que Depeche nunca estuvo familiarizado. Se reclama un show propio, como aquel mítico Vélez de 1994.

Así y todo, sonido nítido, colorido visual, banda compacta, todo constituyó un marco propicio para el lucimiento tanto del vocalista Dave Gahan, un frontman de ley –cuya garganta no obstante parecía estar entre algodones–, como del cerebro Martin Gore, quien como siempre tuvo su segmento propio, intimista, emotivo (“Jezebel”, “Home”, “Somebody”); asimismo, sería injusto no mencionar los aportes en el comando maquinal del tecladista Andrew Fletcher y de los talentosos auxiliares Christian Eigner (batería, un animal) y Peter Gordeno (teclados).

En pocas palabras: prolijo, elegante, impecable show de Depeche, clausurando un pésimo Personal Fest. Contradictorio ¿no? Pues así están las cosas.

Set-list: In Chains / Wrong / Hole To Feed / Walking in my shoes / It's No Good / A Question Of Time / Precious / Fly On The Windscreen / Jezebel / Home / Miles Away / Policy Of Truth / In Your Room / I Feel You / Enjoy The Silence / Never Let Me Down Again / Somebody / Stripped / Behind The Wheel / Personal Jesus.

Personal Fest - Día 1 (16/10/09)

2009-10-20T17:04:00.009-03:00

Por Ralph Halfville (Enviado especial)

Nile Rodgers & Chic

A pedido de mi amigo y colega Perry Mastrángelo, accedo por primera vez a participar en su Blog de Mierda, en esta ocasión, a los fines de cubrir la primera jornada del Personal Fest 2009, a desarrollarse en el Club Ciudad de Buenos Aires.

En fin, después de esperar media hora como un idiota en la puerta de Obras y soportar el acoso de los revendedores de entradas, finalmente llegó mi acompañante con una amiga (me molesta la gente impuntual) e ingresé al predio a las 20:30hs. Para mí, la jornada era simplemente la previa del sábado, así que estaba tranquilo y de excelente humor.

Al acercarnos al escenario principal se escuchaba el hitazo “We Are Family”. No recordaba que Chic, una de las bandas que definió el sonido de la música disco, tocaría esa noche allí. De modo que tuvieron que pasar dos temas más para darme cuenta de que no eran covers. Sí, era la mismísima banda revivida por el excelente guitarrista y productor Nile Rodgers. Me puse contento.

La verdad que la agrupación afroamericana sonó excelente y con un groove impresionante, como era de esperarse. Pasaron clásicos como “Le Freak” y “Good Times” y, asimismo, Rodgers aprovechó para repasar algunos de sus hitos como productor, como “Like a Virgin”, de Madonna, y “Let´s Dance”, de David Bowie.

En definitiva, un show que por momentos estuvo más cerca de los shows de Las Vegas, que de un festival de pop/rock. O mejor dicho: una gran banda vestida de blanco, bien compacta, con dos voces femeninas en las que Rodgers se apoyó permanentemente, y una lista de temas impecable.

Pet Shop Boys

A las 22:20 hs. puntual comenzó el bello concierto geométrico-conceptual de los Pet Shop Boys. La puesta en escena estaba formada por dos muros de cubos blancos en los que se proyectarían imágenes, y otra gran pared blanca detrás como telón de fondo. Neil Tennant y Chris Lowe (con sus cabezas cubiertas por cubos de colores, al igual que los bailarines, también performers y coristas) comenzaron con su hit “Heart” del año 1987. A partir de ese momento nada quedó librado al azar.

Me pareció muy llamativa e inteligente la puesta de cubos que se construía y se deshacía constantemente, concepto que alcanzó uno de sus picos en el cuarto tema, el cover de Village People “Go West”, cuando finalmente los muros se derribaron y las imágenes proyectaron un mundo mejor. Es que el concierto fue una obra en permanente construcción: construir y demoler, llegar a la cima para volver a empezar.

El vestuario de los bailarinas/es era más bien colorido. Lowe estaba vestido como siempre: campera, anteojos oscuros y gorra. Tranquilamente podría haber sido un doble. Neil Tennant vistió de negro, y al momento de las baladas (fueron tres seguidas) se calzó un elegante smoking. Pero la verdadera nota la dio cuando se apareció vestido de rey, con capa negra y corona, para entonar “Viva la vida”, uno de los últimos hits de Coldplay. Fue un momento bastante bizarro y humorístico en lo personal.

Luego pasaron, festejados por el público (treintañero y tranquilo; no había tanta gente, contaminación humana como al día siguiente), grandes clásicos como “Always on my mind”, “It´s a sin”, “NYC Boy”, alternados con temas de su última placa, Yes, para cerrar con el elegante “West End Girls”.

En conclusión, un show hermoso, fríamente calculado. Visualmente, uno de los mejores que he visto: edificios, corazones, escaleras, relojes, imágenes futuristas que contrastaban con paisajes surrealistas, se proyectarían en esos cubos cambiantes, piezas de Rasti o Lego que acompañarían las canciones.

Una demostración de que con pocos elementos, en este caso unos simples cubos, proyecciones sobre ellos, coreografías sobrias y un par de bailarines se puede hacer un buen espectáculo, si se usa la creatividad y se aprovecha la belleza estética de los colores.

En lo musical, no obstante, queda la duda del recurso al playback dada la demasiado sospechosa corrección vocal de Tennant; aunque teniendo en cuenta la teatralidad del evento, en líneas generales eso no importó mucho.

Ojalá que lo editen en DVD porque vale la pena verlo. Hasta la próxima...

Set-list: Intro / Heart / Did You See Me Coming / Pandemonium / Love Etc. / Building A Wall / Go West / 2 Divided By Zero / Why Don´t We Live Together / Always On My Mind / New York City Boy / Closer To Devices / Do I Have To? / King’s Cross / The Way It Used To Be / Jealousy / Suburbia / All Over The World / Se A Vida E / Viva La Vida / It´s A Sin / Being Boring / West End Girls.

Ralph Halfville
Contacto: bassethound7@hotmail.com

Alonso Morning contra los fantasmas (2009)

2009-08-06T18:40:00.007-03:00

Así como algunos dicen que la electrónica perdió público, que pronto dejaría de ser masiva, que enhorabuena está mutando y siendo reinventada, hay quienes aprovechan estas premisas bastante extendidas para exhortar a la búsqueda, en circuitos reducidos –como ocurría al principio–, de nuevas experiencias que den cuenta de dicha reelaboración, lo que también podría leerse, desde un punto de vista más escéptico, como una incitación a comprobar si tal cosa existe.

El mash-up (superposición de dos o más canciones grabadas, terminadas, editadas, preferentemente conocidas, para conformar una sola unidad, utilizando la pista vocal o leit-motiv de una y la base de la otra), si bien no es algo estrictamente novedoso, puede considerarse como una original forma de expresión musical electrónica que aparenta encontrarse en expansión, por más que para un oído entrenado, sus potencialidades y límites puedan parecer dudosos; a lo que se suma el hecho de que muchísima gente ni siquiera sabe de qué se trata.

Como sea, el DJ y músico argentino Alonso Morning, quien reparte su tiempo entre la banda electro-pop Palangueto y sus performances unipersonales en variedad de locales nocturnos porteños, es uno de los numerosos talentos subterráneos cuyo trabajo de hormiga sobre este estilo emergente apunta a abrir un espacio en el panorama maquinoso actual.

Tal es así que, un año después de su debut Manteca al Techno, el artista vuelve a desafiar las estructuras armónicas de una variada serie de éxitos pop con este combo de tres extensas piezas plagadas de mash-ups titulado Alonso Morning contra los fantasmas, denominación que indudablemente constituye un guiño a la saga kitsch iniciada mucho tiempo atrás por Kiss, Mingo y Aníbal y los mismísimos Ghost Busters.

Ahora bien, ¿cuáles son los fantasmas a los que se enfrenta Morning? Probablemente los de las barreras genéricas y estilísticas, ya que lo que aquí se aprecia es una especie de orgía multitudinaria, digna de "Eyes Wide Shut" (Stanley Kubrick, 1999) pero sin máscaras, en la que participa, extasiada, gente tan dispar como Iggy Pop, The Verve, Los Abuelos de la Nada, Dire Straits, Blur, etc., los cuales se entregan sin chistar a los designios del DJ, quien se encarga de hacerlos copular con cualquier cosa, llámese cumbia, techno barato, techno caro, salsa, “El Tiburón”, música clásica o reggae.

Alonso Morning contra los fantasmas es una experiencia que no deja de ser interesante, divertida, y aun didáctica, a la luz del gran trabajo de búsqueda y hallazgo de coincidencias armónicas y rítmicas, varias de las cuales son realmente sorprendentes, amén de la dosificada multiplicidad de recursos (delay, filtros, pitch, etc.) que le otorgan a la obra un plus de profesionalismo.

Es posible, no obstante, que algún oyente encuentre una relativa dificultad para sostener el álbum durante una hora en el seno de la comodidad del living, lo que habla de cuán dependiente es la electrónica bailable de la vivencia directa, en el lugar adecuado y con el volumen adecuado.

Pero queda claro que poco y nada se le puede criticar a Morning como licuador de playlists, como revolvedor de las tripas de la música pop, e incluso es digna de saludar su osadía de incursionar en una disciplina de prácticamente nulo arraigo en el inconsciente colectivo, pese a la existencia de exponentes como Villa Diamante y la presencia, aunque desapercibida, de mash-ups en terrenos como el publicitario… y en los separadores de la cadena VH1.

Enlaces:
http://www.myspace.com/alonsomorning
http://www.myspace.com/palangueto

Darwinismo discográfico

2009-07-10T12:53:00.003-03:00

The Smiths - Strangeways, here we come (1987)

2009-06-12T17:09:00.011-03:00

El cuarto y último disco de la banda mancuniana, editado pocos días después de que anunciara su separación, representa el típico final en el que el planteo parece ser –tal como lo hicieron los Beatles con Abbey Road– “si lo hacemos, lo hacemos bien”, por más que finalmente el status de clásico lo haya ganado su antecesor, The Queen is Dead (1986), obra cumbre del cuarteto e indiscutiblemente uno de los grandes discos de la historia del rock.

Más allá de la batalla de egos que terminó con el grupo y del penoso litigio judicial posterior, pura carne para la prensa musical más buitresca, la breve trayectoria (independiente) de este equipazo (1982-1987), compuesta por solo cuatro discos de estudio y una interesante cantidad de singles, fue suficiente para depositarlo en un lugar de privilegio en el inabarcable árbol rockero, algo que en principio se debió más al reconocimiento contemporáneo de los colegas y del público que de la crítica.

Es inevitable hablar de The Smiths sin referirse primero a Stephen Patrick Morrissey, la estupenda voz cantante encargada de teatralizar su introversión, baja autoestima, soledad y también su cultura, su ácida visión de la vida cotidiana y su especial sentido del humor; aunque jamás deberíamos pasar por alto el invaluable aporte del guitarrista y cerebro musical, Johnny Marr –cuyo virtuosismo no pasa por los solos pirotécnicos, sino por su sentido de la armonía–, y de la espléndida, compacta base formada por Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería).

Pues bien, luego de tres álbumes que condensaron el amplio abanico de influencias del cuarteto, que iban desde el glam y el punk rock hasta el rockabilly y el vodevil, filtrados por el alma de crooner perdedor de Morrissey, Strangeways, here we come significó un escalón más en el refinamiento pop que supo desplegar esta banda y que el cantante continuaría en su excelente carrera solista.

Básicamente, lo que distingue este Lp de sus antecesores es un tratamiento sonoro inédito en la carrera del grupo, cuyo arte se ve enriquecido como nunca por capas sintetizadas de cuerdas, vientos, pianos y baterías, y la presencia –bien de los ‘80– de elevados niveles de reverberancia, haciendo juego con las ya conocidas genialidades de Marr y la afectada e irreverente poesía de Moz.

Vivos ejemplos de esto son “I started something I couldn’t finish” y “Last night I dreamt that somebody loved me”, que continúan líricamente en la línea de desamor sobreactuado típica de Morrissey, aunque el primero lo hace bajo un pulso dinámico, coloreado por una sección de vientos virtual, y el segundo, amparado por una orquesta no menos artificial que potencia el dramatismo de la extensa coda, amén de la fantasmagórica intro de piano –que no aparece en la versión single–.

Si bien la pluma mordaz del vocalista se hace presente en “Death of a disco dancer”, un (nuevo) palazo a la música bolichera, y en “Paint a vulgar picture”, donde el blanco de los torpedos es la industria musical, no resulta menos incisivo y cínico el exitoso single “Girlfriend in a coma”, un temita de fina melodía en la que se destaca una alegre línea de bajo, pariente cercana de la que el bajista Andy Rourke había ensayado un año antes en “Frankly, Mr. Shankly”.

Por supuesto, no podemos dejar de mencionar el exquisito “Stop me if you think you’ve heard this one before”, que exhibe un gran trabajo de guitarras, y en cuyo video Morrissey ironiza sobre su propia iconofilia, al mostrarse luciendo una remera de su grupo, así como el maravilloso cierre a pura mandolina, la conmovedora “I won’t share you”.

Sentaos y deleitaos, pues, con la última gran obra de este enorme conjunto inglés que, hasta el momento, al igual que los Talking Heads, ningún cheque en blanco ha podido traer de regreso.

Link de descarga

Radiohead @ Club Ciudad - Audio de consola

2009-05-15T15:09:00.005-03:00

Anda circulando por ahí una toma de audio de consola del magnánimo concierto ofrecido por la banda inglesa el 24 de marzo pasado.

Gracias a ella, el interesado podrá prescindir, por fin, de los audios tomados de la radio, arruinados por la voz del más molesto Juan Di Natale y las pisadas institucionales a cargo de Alejandro Nagy.

Pinche, pues, aquí.

La letra chica según Perry

2009-04-20T17:13:00.006-03:00

Aplícase las siguientes frases:

• “No escucho a Sabina, Serrat, etc., pero los respeto”
(Mentira, sólo estoy siendo educado.)

• “Viva el rock”
(Esta afirmación no incluye a los Red Hot Chili Peppers.)

• “Acá hay buenas bandas”
(Si estoy de muy buen humor, te nombro tres.)

Murió

2009-04-03T17:26:00.000-03:00

A las 21.34 del día de ayer dejó de funcionar la Tecla para Bajar el Volumen del fiel minicomponente. Según el parte médico, el deceso no se produjo a raíz de la falta de pilas, sino por causas naturales debido al uso intensivo en pos de regular el volumen musical.

Familiares y amigos de la tecla se hicieron presentes durante el ceremonial dedicado a la memoria de esa pieza fundamental de todo control remoto. Allí acudieron desde la Púa de la Bandeja Giradiscos hasta el poderoso Auricular JVC con cable de dos metros, todos congregados para consolar a la hermana gemela de la fallecida, la Tecla para Subir el Volumen.

Otros allegados aprovecharon la presencia de este medio para expresar su lamento. “Puta, ahora para bajar la voz voy a tener que incorporarme e ir hasta el equipo, cuando antes lo hacía mirando el techo”, dijo Mastrángelo. “Rxta238ofgvnk”, aseguró la tecla Pause, vecina de la difunta. “Fgjh47fur78hdh34ji, fhgwio23ylareputaqueteparió”.

La Tecla para Bajar el Volumen será enterrada y reemplazada en el service de Medrano y Bartolomé Mitre, en esta capital.

Radiohead + Kraftwerk - Club Ciudad de Buenos Aires, 24/03/09

2009-03-25T17:06:00.006-03:00

1. 15 Step
2. Airbag
3. There There
4. All I Need
5. Kid A
6. Karma Police
7. Nude
8. Weird Fishes/Arpeggi
9. The National Anthem
10. The Gloaming
11. No Surprises
12. Pyramid Song
13. Street Spirit (Fade Out)
14. Jigsaw Falling Into Place
15. Idioteque
16. Bodysnatchers
17. How to Disappear Completely

18. Videotape
19. Paranoid Android
20. House Of Cards
21. Reckoner
22. Planet Telex

23. Go Slowly
24. 2+2 = 5
25. Everything In Its Right Place

26. Creep

Consejos en caso de fin del mundo

2009-03-11T17:05:00.001-02:00

1. Haga una lista de las cosas que le hubiese gustado hacer.
2. Métasela en el toor.

The Smashing Pumpkins - Siamese Dream (1993)

2009-02-11T17:42:00.005-02:00

Siamese Dream (1993), primer disco de los Smashing Pumpkins registrado para una multinacional, pertenece a una época en la que cada álbum, cada grupo emergente, era considerado como una nueva “respuesta a Nirvana” (ni Radiohead pudo escapar a tal clasificación).

Recuerdo que por aquel entonces bastaba con poner unos minutos la antigua MTV para comprobar la circulación febril de términos como “grunge” o “alternativo”, ambos utilizados para dar cuenta de un gran número de bandas de estilos y calidades dispares.

El primero, dotado de alguna coherencia, reunía a Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Alice in Chains, etc., todas bandas con claros puntos en común, a saber, el gran amor por el rock clásico, las guitarras, la oposición ideológica (a veces bastante forzada y sobreactuada) al hedonismo propalado por las radios y, en algunos casos, hasta una misma ciudad de origen.

En tanto que el englobador “alternativo” abarcaba un espectro cuyos límites llegaron a ser verdaderamente irrisorios; como tal fueron considerados tanto Primus como el joven Oasis, pero también aberraciones del estilo de Crash Test Dummies, Bush y creo que hasta Hootie and The Blowfish.

Por supuesto, el “grunge” estaba incluido dentro de la gran categoría de la década, que aparentemente también encajaba a la perfección con la propuesta de los Smashing Pumpkins.

Ejemplo de ello es la convocatoria de Butch Vig (productor de Nevermind y futuro cerebro de Garbage), quien garantizaría, para Siamese Dream, un límpido torrente de guitarrazos (“Cherub Rock”, “Quiet”, "Rocket") que tranquilamente podría haber entrado en contradicción con las más dulces canciones de cuna (“Sweet Sweet”, “Luna”), o con gemas pop que tan bien le harían a los rankings noventosos (“Disarm”, “Today”)… si no fuera por la embrionaria pero notable habilidad de Corgan para dosificar su ciclotimia, lo que a mi entender desarrollará mejor en Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), un doble con filiación al art-rock.

Como sea, el tema es que mientras algunos críticos se daban la cabeza contra la pared tratando de incluir a los Pumpkins dentro del grunge, quizás a raíz de su militancia de otrora en el sello Sub-Pop, de los furibundos riffs setentosos, del desencanto y nihilismo que chillaba el (ahora) pelado, hubo otros que, más lúcidos, cayeron en la cuenta de que Siamese Dream revelaba a un nuevo compositor ecléctico capaz de revolver las tripas del rock duro de los ’70 y procesarlo en clave actual (post-punk, Pavement, Pixies, etc.); un tipo jodido que, por cierto, no tardaría en convertirse en líder totalitario con potestad de prescindir, en el estudio, de los servicios del guitarrista rítmico (y buen compositor) James Iha y de la bajista D’arcy –quienes en la actualidad no forman parte de la alineación pumpkiana–.

En definitiva, inescuchable para muchos, impecable para otros, el álbum es, más que nada, una instantánea del ascenso a primera de un Billy Corgan cada vez más pretencioso y ultraprolífico, pero también intratable y manager de sí mismo (según Courtney Love y Sharon Osbourne, respectivamente). Por eso, si nunca lo escuchaste, te recomiendo armarte de paciencia (es extenso) y, desde ya, si no te gustan los Smashing Pumpkins, acabás de perder el tiempo leyendo esta revisión.

Enriquezca su vocabulario

2009-01-24T20:28:00.003-02:00

Conchero: objeto utilizado por las vedettes con el fin de ocultar levemente su sexo.

Hijoputa: apócope de hijo de puta.

Campagnuolo: ex arquero del Deportivo Español y Racing.

Dos grandes éxitos

2008-12-09T17:53:00.014-02:00

Un amigo me sugirió el otro día que hablara en este blog de algún disco de grandes éxitos, los cuales no me gustan para nada, aunque les reconozco cierto valor como pantallazo general de la carrera de algún artista o grupo. Hay unos pocos de esa clase que han llegado realmente a gustarme, dos de los cuales reviso brevemente a continuación.

The Housemartins - The Best of The Housemartins (2004)

Podría decirse que los Housemartins eran unos Smiths con un poco más de ganas de vivir, pero no es tan así. Más allá de la deuda que siempre tuvieron estos oriundos de Hull para con los célebres mancunianos, los Housemantins combinaron su pop ágil y bien pensado con una militancia izquierdista y católica bastante enervada que dio lugar tanto a feroces críticas contra el tatcherismo (“Flag Day”) como a canciones religiosas (“Caravan of Love”), lo cual no los eximió del impulso de crear efectivos hits radiales (“Happy Hour”, “Build”).
De todos modos, quizás el mejor justificativo para la existencia de The Best of The Housemartins sea la brevísima carrera de esta simpática e interesante banda independiente, que consta de solo dos discos de estudio: London 0 Hull 4 (1986) y The People Who Grinned Themselves to Death (1987). Por lo cual este compilado viene a mostrarnos una parte bastante interesante del pequeño repertorio de esta banda cuyo bajista, unos años después de la disolución, alcanzaría fama mundial al lanzarse como DJ bajo el nombre de Fatboy Slim.

Fleetwood Mac – Greatest Hits (1988)

Este hermoso compilado reúne los éxitos que arrojó la segunda etapa de esta particular agrupación norteamericana (1975-1987), y lo hace prescindiendo del orden cronológico, con lo cual podemos encontrarnos con hits de antaño como “Hold Me”, seguido del más reciente “Everywhere”.
Podría decir que el mayor valor del Greatest Hits de Fleetwood Mac reside únicamente en que nos permite disfrutar al por mayor de la estupenda Stevie Nicks –acaso una de las mejores voces femeninas del rock–, quien protagoniza las joyas “Dreams”, “Rhiannon”, “Sara” y “Gypsy”; pero en realidad es una buena oportunidad para darse una panzada de esta banda caracterizada por sus elegantes arreglos, la prolijidad del cerebro Lindsey Buckingham y el estudiado contrapunto entre las front-girls (?) Nicks y Christine Mc Vie.

Bueno, dejo para otro momento otras recopilaciones a las que les tengo estima: Supergrass is 10, Lo mejor de Mano Negra y Crosby, Stills, Nash & Young – Greatest Hits.

R.E.M. - Club Ciudad de Buenos Aires, 01/11/08

2008-11-03T17:15:00.006-02:00

Hola, soy Rozzendi, el alter-ego de Perry, jodiendo otra vez. En esta oportunidad me presento para dejarles unos mensajes de texto que recibí de Mastrángelo mientras transcurría la segunda jornada del Personal Fest. Entretanto, yo iba siguiendo las alternativas del evento por TN, indignándome con los comentarios del más desagradable Bebe Contempomi. En fin, aquí va:

R.E.M.

“Hermoso, emotivo. Sonido clarísimo, correctamente balanceado, se escucharon todos los instrumentos. Setlist impecable, gran carisma de Stipe, sólido Peter Buck y sus sencillos arpegios, párrafo aparte para su ociosa buzarda”.

Bloc Party y Kaiser Chiefs

“Fieles reflejos de esta pésima década”.

The Mars Volta
“Tremendo shock eléctrico, aunque breve. Incomprendidos por la gente que sólo busca mover la patita con canciones de tres minutos”.

Bonus Tracks
Sobre el hiperesponsoreo: “Cuando suenan bandas de la talla de R.E.M. poco importa si el organizador es Pinturerías Rex; aunque hacés un paneo por el predio y sí, da asco. Pero uno dice «fui a ver a R.E.M., que tocó en el marco del Personal Fest», y no «fui al Personal Fest, en el que, de paso, tocó R.E.M.»”.

Sobre las corbatitas de papel que entregaban en el ingreso: “Llegué a casa y la tiré a la mierda”.

Fotos: nuevamente, cortesía de anónimos.

Spiritualized - La Trastienda, 29/10/08

2008-10-30T17:42:00.009-02:00

(Hola, soy Rozzendi, el alter ego de Perry, y me doy cita aquí para transmitirles un mensaje del autor de este blog: dice que está muy podrido de la intelectualización de todo, de la reflexión racional en general, por tanto, harto de discursos tales como las reseñas.

Mastrángelo me contaba hace unos días que últimamente su relación con la música volcóse definitivamente por el disfrute antes que por el entendimiento, el cual gracias a este blog de mierda fue ganando espacio de manera inusitada; y que tenía la intención de delegarme temporariamente este espacio.

Pues aquí estamos. De pura casualidad estuve ayer con él, un rato antes de un evento muy importante para su vida musical. Se lo veía contento, apurando un chopp, antes de entrar a La Trastienda para ver a Spiritualized.

“Cada día detesto más jugar al crítico. Detesto las críticas. Pero al mismo tiempo me gustan. A los escribas les digo: ‘Cuélguense una guitarra, putos’”, gritó.

Antes de que se meta en el local alcancé a preguntarle qué corno es Spiritualized. Me dijo: “Una banda, o más que nada, un proyecto personal de Jason Pierce, un inglés loco al que le gusta mucho ‘flotar en el espacio’. No es muy conocido, y acá directamente no lo conoce ni el loro. Y el viernes están en el Personal Fest, pero no voy a ir. Estoy seguro de que esto será mucho mejor”.

Fruncí el entrecejo y me alejé caminando por Balcarce. Una interesante cantidad de gente iba entrando con calma al hermoso local porteño. Me tomé un taxi y me fui.

A la 1.03 le mandé un sms preguntándole qué le había parecido el show. Su respuesta fue la siguiente:

“Imaginate meter la cabeza en un lavarropas mientras centrifuga, después ir a un templo evangélico, y luego meter la cabeza en el lavarropas otra vez, hasta el final del lavado. Fue uno de los mejores shows que he visto jamás. Gracias a Dios por Spiritualized”).

Fotos: cortesía de espectadores anónimos.

Juegos de mierda II

2008-09-17T19:24:00.004-03:00

Teóricamente, en lugar de postear la segunda parte de “Juegos de mierda”, debería haber redactado una especie de semblanza de Rick Wright, el tecladista de Pink Floyd fallecido anteayer. Pero he decidido no publicar necrológicas; por ende, aquí van unos comentarios pendientes para cerrar esta pequeña serie referente a algunos grandes juegos que han marcado a toda una generación (?).

Out Run

Yo oigo, o pienso en la palabra “Out Run” y dijo “jaaah...”. Esta apasionante carrera sentaba al player en un autazo rojo (una Ferrari) junto a una rubia a la que se volaban los cabellos conforme el carro ganaba velocidad. Y los escenarios, exceptuando el del primer nivel (una autopista que bordea a una playa miamiesca), realmente lograban hipnotizar al corredor mediante la exhibición de unos paisajes con unos colores tan variados como irreales, lo que hacía de la carrera una experiencia bastante psicodélica. A tal punto que semejante colorido lo atribuyo a una intención de los creadores de desviar la atención de los jugadores induciendo a la contemplación gozosa de unos cuadros que, según el nivel y el ramal elegido (antes de pasar a otro nivel el camino se bifurca) podían ser desérticos, boscosos o bien bucólicos, pero siempre dotados de un colorido por momentos destellantes, cambiantes, ligeramente sospechosos.

Los niveles, por supuesto, presentaban una dificultad escalonada pero, a mi entender, de una manera un tanto desproporcionada. Y los caminos, promediando el cuarto nivel (mi máximo alcanzado; en total son cinco), obligaban a bajar deliberadamente la velocidad con el fin de evitar una dolorosa colisión contra el obstáculo de turno, lo que restaba posibilidades de llegar con tiempo aunque sea a la bifurcación de los caminos, que indicaba la inminencia de la meta (¿a quién no se le quedó el auto justo agarrando la ruta elegida?).

El transcurso del juego era acompañado con una melodía insulsa pero bastante pegadiza, llamada “Passing Breeze”, una especie de calypso que uno terminaba silbando al consumirse la última ficha.

En fin, nuevamente el glorioso MAME es el artífice de que muchos de los outrunianos hayamos vuelto a pegarnos unos tremendos palos con esa menemista Ferrari colorada que levantaba a 263 km/h y cuyo peor enemigo no sólo eran las tramposas curvas y contracurvas, sino los malditos camiones con trailer que inundaban la ruta en los momentos más difíciles.

Juegos de mierda I

2008-09-05T17:02:00.005-03:00

Nunca tuve gran pasión por los videojuegos, ni por “la tecnología” en general. De hecho, sigo preguntándome cómo hace alguna gente para consagrar tantas horas de su vida a las consolas, hábito que se suma, en varios casos, simultáneamente, al visionado febril de temporadas enteras de series en DVD, la escucha de discografías completas en formato mp3, conexión permanente en el messenger, envío de decenas de mensajes de texto por día, toma de fotos de mierda con cara de póker y publicación en algún colectivo virtual, etc… todo esto sin siquiera aparentar una mínima confusión mental.

En fin, como sea, en un arranque de nostalgia, he decidido revisar unos pocos videojuegos a los que me he atrevido a desafiar seriamente más allá de la tremenda torpeza, pereza y aversión que siempre exhibí a la hora de enfrentarme a ellos.
Los dos de esta primera parte corresponden a sendos “fichines” de fines de los ’80 y albores de los ’90 respectivamente, hoy disponibles en cualquier hogar con PC gracias al emulador MAME.

Tehkan World Cup

Creo que este mundialito en el que uno obligatoriamente representaba a Holanda es el mejor videojuego de fútbol de la historia, pero tal vez diga esto porque es el único exponente del entretenimiento digital que gané hasta el mismísimo día de hoy.
Es que el Tehkan World Cup, visto desde la perspectiva actual, es el colmo de lo rudimentario. Es decir, no sólo consistía –a nivel imagen– en una gigantesca toma aérea de la parte del campo en la que se desarrollaba el juego, sino que sus posibilidades eran muy limitadas (más bien eran restricciones): las jugadas no eran más que monólogos messinianos consistentes en gambetear rivales hasta definir en la puerta del área a través del único recurso posible, el derechazo cruzado. Y las contadas variantes (el centro a la olla y cabezazo, o marear al arquero y meterse con pelota y todo) suplantaban precariamente la imposibilidad de dar pases cortos a compañeros, cosa que sí podía hacer el equipo contrario con total holgura.

En cuanto a los niveles, se llegaba a la final luego de atravesar siete instancias eliminatorias, obviamente escalonadas en su nivel de dificultad, aunque seleccionadas con un criterio bastante dudoso, ya que Brasil (tercer cotejo) era un rival sencillo y Uruguay (semifinal) hacía casi imposible la llegada a la final; a disputar, eso sí, contra Alemania, partido en el que el ritmo desenfrenado que por default presentaba el juego convertía a este encuentro en algo nocivo para la salud cardíaca.

Fueron dos o tres las veces en las que levanté la copa, y calculo que eso debe haber ocurrido en Villa Gesell, hace al menos 20 años.
Hoy en día, cada tanto lo vuelvo a desafiar a través del MAME, aunque con resultados pobres.

Hat Trick Hero

Otra historia es el HTH, unos escalones más arriba que el Tehkan en cuanto a gráficos, sonido y potencial agilidad del player. También me parece que conllevaba una mayor dificultad a la hora de eliminar rivales, algo totalmente discutible si tomo en cuenta la cantidad de veces que he visto a otros levantar el trofeo.
No obstante, los mejores recuerdos sobre este videogame tienen que ver con el espéndido sentido del humor que emplearon los creadores de este fútbol 7 a la hora de diseñarlo, ya que, al comenzar los partidos, el árbitro gritaba “KICK OOOOFFF” de una manera bastante agresiva y graciosa, y por si fuera poco incluía la curiosa posibilidad de golpear, patear, o darle rodillazos al hombre del silbato sin riesgo de ganarse la roja.

El Hat Trick Hero era menos acelerado que el Tehkan, más realista si se quiere, y además añadió a los manipuladores de joysicks la posibilidad de lucirse con una chilena fenomenal o palomitas ingrávidas. También innovó al incluir la sanción de fouls con sus tiros libres y penales correspondientes, y la amonestación o expulsión de players excedidos.
En pocas palabras, un juego limitado, pero ligeramente adictivo. Nunca pasé del tercer partido.

Beck - Sea Change (2002)

2008-08-15T17:19:00.006-03:00

Quizás me equivoque, pero creo que con Beck la cosa es sencilla: te va o no te va. Particularmente, considero al cantautor californiano como un grande, sin miedo a caer en exageraciones. Y a los que dicen que este músico nacido en 1970 no ha inventado nada, o que no transmite nada, les digo: puede ser, pero no creo que sea ésa la meta de Beck en este mundo.

Y de ahí viene, precisamente, mi admiración hacia él: en tanto antena capaz de procesar, resignificar y recrear y desperdigar por ahí, de un modo muy personal, la tremenda cantidad de información que debe tener descansando en su discoteca, donde imagino que podríamos encontrar a un Dylan, a un Donovan, country, psicodelia de los 60, Beatles, Stones, punk, hip-hop, rap, electrónica y contando…

No fue sino gracias a MTV, cuando todavía era más o menos interesante, que empecé a seguir los pasos a este joven que, para cuando editóse Odelay (1996) –tras varios años de girar sin pena ni gloria por la escena indie norteamericana–, era ya considerado como un maestro del “collage” en donde tenían cabida todas –o casi todas– sus influencias, exhibidas en un todo altamente psicodélico, variopinto, y sí, “cool”.

Y si bien luego Beck expandería sus límites al coquetear con climas más intimistas y la tropicalía en Mutations (1998), y el funk y el soul en el fiestero Midnite Vultures (1999), habría que esperar hasta la aparición de Sea Change (2002) para tener al cantante enfrentándose a su propia madurez y despojado de la mayoría de los artilugios sonoros y líricos que bañaban cada segundo de sus placas anteriores, no sin antes atravesar un proceso personal bastante doloroso.

Es que, según dicen, la ruptura con su compañera de siempre dejó al músico que nos ocupa en un estado de vacío por cierto muy bien retratado en la portada de este gran disco, que lo exhibe mirando la mismísima nada, secundado por un fondo rosáceo a tono con el perfil desgarradoramente romántico de la placa.

En cuanto a las canciones, podríamos decir que estamos ante una selección de instantáneas de lo que deben haber significado aquellos días para nuestro autor, lo que se ve reflejado en la inusual sucesión de low tempos cuyo principal sostén es el rasgueo de guitarra acústica, una percusión mínima y, por supuesto, la voz taciturna de un Beck decididamente volcado a lo sentimental.

Desde ya que la arquitectura de este cabizbajo álbum mucho le debe al gran productor Nigel Godrich (Radiohead, Air, Paul McCartney), de enorme tarea a la hora de dosificar las dulces pinceladas de sintetizadores analógicos y meter por doquier los hermosos arreglos de cuerdas provistos por David Campbell, padre del cantautor.

Sea Change es sin dudas un disco triste, otoñal, situado en las antípodas de la imagen preponderante de Beck caracterizado como baluarte de lo cool. Este hijo del Blood on the Tracks de Dylan y de cualquier cosa de Nick Drake navega durante cincuenta minutos en una oscuridad contemplativa (“The Golden Age”, “Already Dead”, “Lonesome Tears” y la terrible dupla “It’s All in Your Mind” / “Round the Bend”), deja lugar, sobre el final, a algún destello de luz (“Sunday Sun” –cuyo caótico cierre nos trae de vuelta por unos segundos al solista que todos conocíamos–), y redondea y refuerza su idea global boyando otra vez en un mar de incertidumbre (“Little One”, último tema, en el que afirma que: “In a seachange nothing is safe, strange waves push us every way”).

Suponemos que luego de esto Beck debe haber recompuesto su vida personal, dado que Guero (2005) devolvería al artista algo del espíritu que sudaba antes del declive que originó Sea Change; inclusive hasta volvió a asociarse con los Dust Brothers, cómplices de los delirios de Odelay, para este álbum irregular.

Es posible que el desconcierto de Guero haya influido para que le pierda el rastro en los dos discos siguientes, The Information (2007) y el fresquito Modern Guilt (2008), los cuales todavía no he escuchado, a pesar de la única referencia que tengo sobre ambos: Beck está loco.

Se rebeló Juan Gujis: "No logo de mierda", Ed. Muña-Muña, 2008, 192 pp.

2008-08-04T17:19:00.004-03:00

Así escribe:

“…Hace más de 40 años que me dedico a la publicidad, pero recién ahora estoy en condiciones de afirmar, completamente abierto a las reacciones, que el ámbito del anuncio es, lisa y llanamente, diabólico. Esa es la pura verdad.
¡Pero esperen, no me insulten, déjenme explicarles! La cuestión es que siento una gran pena por los estudiantes de publicidad, futuros manipuladores de mentes y de bolsillos. ¿Por qué? Porque son unos tarados que no hacen más que seguir reproduciendo esa falsedad absoluta de que “la publicidad es un arte”. ¿Quién carajo se cree eso? Por no mencionar la miseria ideológica de los “nuevos publicistas”, farsantes que suelen afincarse en ambientes “cool” y codearse con gente “copada”, paradigmas del nuevo éxito, del éxito “copado”.
No obstante, el libro que usted tiene en las manos (si no es que todavía lo arrojó a la basura), como indica su portada, es más que nada una abierta reacción al mamarracho redactado por N.K., iniciales que, aclaro a los ingenuos, no remiten ni a Néstor Kirchner, ni a Nat King (Cole); sino a la vede… perdón, a la escritora “(anti)global” que todos ustedes conocen, antiacadémica, quilombera, fea y, según me dijeron, fetichista. Es decir, si las marcas…”
(Extracto del prólogo a la primera edición).

Reseña de P. Cardonex (publicada en el National Rescue, 27, 445-556).

"¡Aguante No Logo, vieja!.

P.D: Abajo No Logo porque se puso de moda y lo leyó hasta Moria Casán.

P.D2: ¡Pero aguante porque es anarco y divertido, para toda la familia!

P.D3: Abajo la familia.

P.D4: ¿Abajo de quién?"

Más estadísticas

2008-07-27T16:45:00.005-03:00

Y ya que estamos absortos en la admiración, contemplación y regocijo con los números, voy a presentar los resultados de las últimas encuestas de Pop is Dead, las cuales arrojan resultados verdaderamente sorprendentes.

Por ejemplo, es de destacar que ante la pregunta “¿Te bancás a Pity Álvarez?”, un 50% de los popisdedeanos hayan respondido tajantemente: “No”. Pero, por otro lado, resulta significativo el porcentaje de lectores que eligieron como respuesta un relativo “Pséee…”: 42%.

En línea con lo relacionado a las figuras del rock argentino actual, un 62% de visitantes afirma no bancarse “para nada” al Pelado Cordera, vocalista de Bersuit Vergarabat. Párrafo aparte merece un comentario aportado por un anónimo en algún posteo, opinando que el calvo cantante es “la persona más asquerosa del mundo”.

Por último, resulta ilustrativo que un 50% de amigos de este sitio considere a la explosión blogger de los últimos años como “una implosión”.

En el próximo posteo seguiremos rindiéndole culto a esa ciencia cuasi religiosa que se ha dado en llamar Estadística, disciplina considerada por la gente como portadora de “verdades indiscutibles”.

Estadísticas

2008-07-19T15:14:00.005-03:00

Los números y la gente

Psicopatológicamente hablando, en el común de “la gente” existe un criterio que adjudica a lo cuantitativo un criterio de VERDAD incuestionable, irrefutable, inexpugnable e inextrincable. Luego de pasar un día entero encuestando a individuos con cara de ojete, el encargado de este blog llegó a la conclusión lapidaria de que “LA GENTE” CREE MUCHO EN LAS ESTADÍSTICAS DE MIERDA.

Dada esta suposición, el presente espacio tiene el honor de introducir un pequeño estudio sobre la calidad de los contenidos vertidos en los blogs, con la seguridad de que, al mismo tiempo, se estará comprobando que todo lo que se dijera de ahora en más, en tanto esté avalado por gráficos y porcentajes, acarrearía una fuerte carga de VERDAD.

El estudio

En base a una observación de 2.012 blogs, desde mediados de 2006 hasta junio del corriente, y según apreciaciones propias, Pop is Dead llegó a una triste conclusión en lo que a la evolución de contenidos se refiere. El siguiente gráfico retrata el patético ascenso en la cantidad de basura registrada en sus respectivos espacios por los bloggers, que, para colmo, registra una tendencia a la suba descontrolada:

Pero la tarea de este medio no terminó allí: nos hemos encargado también de llevar a cabo otro curioso relevamiento cuyo objetivo fue indagar acerca de cuál es, para "la gente", el calificativo adecuado para definir a los bloggers. El resultado es sorprendente:

Es bastante loco que el calificativo más elegido por la gente sea “pelotudos al pedo”. ¿Así ven a los que pasan horas y horas de su tiempo elaborando una variedad y cantidad de discursos inusitada en décadas pasadas? ¿Escribir en un blog es filosofía barata?

Estos interrogantes y muchos más quedarán para futuros estudios sobre la realidad de nuestra tarea. Por el momento, los que hacemos Pop is Dead tomamos a estos números como de quien viene y nos pasamos por el orto todo esto, pero no sin invitar a un necesario debate acerca de qué pretendemos al redactar textos en ese chusmerío llamado “blogalaxia”.

En definitiva, es una responsabilidad exclusivamente nuestra que los textos que escribimos no sean una mierda, ya que, de lo contrario, nos estaremos exponiendo al odio generalizado de la opinión pública: un enemigo peligroso (y de mierda).

Yes - Relayer (1974)

2008-07-11T18:10:00.008-03:00

Dado que los lectores no son clientes, me permitiré ahuyentarlos comentando uno de mis discos favoritos de Yes: Relayer, de 1974.

Es verdad que podría haber optado por obras que sí han marcado a fondo la carrera de este supergrupo inglés, uno de los punteros del llamado rock progresivo en la década de 1970. Me refiero a momentos cumbre como Fragile (1972), Close to the Edge (¡también del 72!), al soberbio doble Tales From Topographic Oceans (1974), si se quiere, al potentísimo vivo Yessongs (1973); o, retrocediendo unos años, al gran The Yes Album (1971).

En definitiva, más allá de las grandes producciones del conjunto, tenemos a disposición otros enormes discos que completan lo que conformaría la época de oro de la agrupación en cuestión, coincidente con los mejores años de todo el progresivo, cuyo gigantismo fue herido de muerte por la irrupción del punk y su conflictivo contexto de aparición… y también por el agotamiento general de ideas.

Empero, si bien el año 74 agarró a Yes en plena madurez y disfrutando de un éxito razonable teniendo en cuenta la complejidad de la música “pop barroca”, al mismo tiempo encontró al tecladista Rick Wakeman entonado con su éxito solista The Six Wives of Henry VIII, lo que determinó su ida en buenos términos con los muchachos; cosa que no ocurriría precisamente con el baterista Bill Brufford, que los abandonaría para unirse al King Crimson más cáustico.

El ingreso de Alan White (ex Plastic Ono Band y George Harrison) tras los tambores, y del suizo Patrick Moraz por Wakeman, marcaría el comienzo de una nueva etapa de los dinosaurios –quizás menor en cuanto a creación pero igual en imaginería, y cargada como siempre de virtuosismo, paisajes futuristas y gélidos– de la cual Relayer no es sino el prolegómeno.

Ahora bien, lo que me resulta particularmente interesante de Relayer es su curioso paralelo con Close To The Edge, a tal punto de considerarlo una especie de saga de esta obra genial, en tanto ambos están compuestos por tres temas: una suite que en el vinilo ocupaba una cara entera y dos temas de no menos de 8 minutos, cuya estructura también es algo similar a la tríada de 1972.

No obstante, Relayer no sería lo que es si su contenido no gozara de vida propia. De hecho, la intro de “The Gates of Delirium” envuelve al oyente con unos ruiditos electrónicos que secundan a Chris Squire mientras arroja armónicos con el bajo, los que a su vez acompañan a White y sus juegos con el ride y chocan con un Steve Howe enredándose en el mango, hasta que todo queda suspendido de repente por un corte de dos notas… y vuelta. Para cuando se hace presente la voz aflautada de Jon Anderson, lo que se despliega es un relato inspirado por “Guerra y Paz” de Tolstoi, cuyo momento bélico tiene su correlato en una suerte de batalla instrumental endiablada en la que todos los miembros se funden a mil por hora entre los estruendos de la contienda.

Pero siempre llega la calma tras la tormenta y, por ende, el epílogo de esta historia cobra la forma de una tranquila balada (“Soon”) que a la sazón fue recortada por la compañía grabadora como single, en un nuevo intento de colocar mínimamente al grupo en las radios.

Siguiendo con el paralelismo con Close To The Edge, el rompecabezas de “Sound Chaser”, introducida por Moraz haciendo proezas con el Fender Rhodes, vendría a jugar un rol de relax entre tanta pomposidad, así como lo hacía en aquél album –si es que lo hacía– “Siberian Khatru”.

“To Be Over”, una bellísima pieza con un intermedio sublime –un orgasmo de mellotron que remite a la mismísima inmensidad–, tal como el de “And You and I”, clausura a este tremendo disco que, junto con Going For The One (1976) (que nuevamente a incluye Rick Wakeman) y Tormato (1978) conformaría la recta final del período lujoso de esta magnánima banda que, en los ’80 y con nuevo elenco, cedería ante las tendencias modernosas imperantes para volver al culto en las décadas siguientes.

Conciertos del pasado, cap. II: Page & Plant, 26/1/96, Estadio Ferrocarril Oeste

2008-07-04T17:15:00.010-03:00

La primera y –hasta ahora– última vez que gané algo, no fue sino la entrada para ver a Page & Plant en el estadio de Ferro, y creo que tal premio tuvo que ver con la tremenda cantidad de tiempo que me sobraba en aquel momento (tenía 17 años), lo que había permitido constituirme en un fiel oyente del programa nocturno Tiempos Violentos, conducido por Alejandro Nagy, y emitido por Rock & Pop.

En fin, sólo tuve que llamar y contestar a la pregunta “¿Cuál es el nombre completo de Jimmy Page?”, respuesta que le debo a mi amigo Ralph Halfville, una biblia zeppeliniana en tiempos de no-internet. Festejé la afortunada adquisición del ticket, si bien hubiese pagado la entrada de buena gana; pero luego me desilusionó un poco el hecho de que en los días subsiguientes, ya cercanos al show, el reparto de entradas gratuitas se disparara de manera inédita, llegando incluso al vil canje de 10 tapitas de gaseosa por un pase al espectáculo.

De cualquier modo, aquella calurosa noche de enero presentó a la mitad de Led Zeppelin revolviendo el pasado mediante una recreación potente, prolija, de una veintena de perlas del glorioso cuarteto inglés; algunas de las cuales incluso habían sido revestidas de nuevos arreglos, estrenados un tiempo antes en el unplugged para MTV y plasmados en el disco No Quarter (1994): es el caso de “Kashmir” (con una orquesta de músicos egipcios), “No Quarter” (acústica), “Gallows Pole” y "Since I've been Loving You", que contó con el aporte de miembros de la Filarmónica porteña.

El resto de las interpretaciones resultó bastante fiel respecto de los arreglos originales, calcados por una muy precisa base de sesionistas, por supuesto relegada por el toque de distinción de un Jimmy Page siempre brillante, mágico, explosivo; y un Robert Plant cuyo garguero pedía socorro desde temprano, pero con mucha entrega y presencia.

Así, el dúo realmente logró conmover los cimientos del estadio de Caballito disparando potentísimas versiones de “The Wanton Song”, “Bring it on Home”, “Heartbreaker” (primeros tres temas), “Babe I’m Gonna Leave You”, “Whole lotta Love”, mientras el público deliraba y, cada tanto, deslizaba un “olé olé olé Bonzo, Bonzo” in memoriam del ausente verdugo de los parches.

“Black Dog” y “Rock and Roll” pusieron el broche de oro a una noche inolvidable para tres generaciones de rockeros que habían podido oir esas canciones de la mano de lo más parecido a Zeppelin que se podía pedir hasta ese momento. Una velada que, inaugurada tibiemente por Peligrosos Gorriones y The Black Crowes, dejó a esos jóvenes de ayer y de hoy soñando con la reunión (léase, la inclusión del gran John Paul Jones en el equipo)… que se concretaría recién once años después, pero ¡opss!, sin gira.

Compilado de Invierno, Vol. I

2008-06-24T20:46:00.005-03:00

Es verdad que he estado alejado del oficio del blogger por un tiempo; me excuso, pues: se me rompió la wafflera, con todo lo que eso significa.

En fin, la vuelta a este circo no podía adquirir otra forma más que la presentación de este perverso experimento que he dado en llamar Compilado de Invierno 2008 - Los elegidos de los popisdedeanos, Vol. I.

Si bien verán que gran parte de los ingredientes por ustedes propuestos no figura en la lista final de esta primera entrega, les recomiendo no aflijirse: aparecerá, sin duda alguna, en el segundo volumen de este menjunje invernal apto para todo púlpito, que verá la luz promediando la estación fría.

La ensalada que aquí se expone, confeccionada por ustedes mismos, es la siguiente:

1 — Tunng - Woodcat
2 — The Beta Band - Dry The Rain
3 — Nick Drake - Things Behind The Sun
4 — Barbra Streisand - Life On Mars
5 — Morphine - The Night
6 — Bruce Springsteen - I’m On Fire
7 — Kraftwerk - The Hall Of Mirrors
8 — Prefab Sprout - Cars and Girls
9 — Bangles - Going Down to Liverpool
10 — Iron Maiden - Strange World
11 — Radiohead - Last Flowers
12 — Kashmir - Rocket Brothers
13 — Animal Collective - The Purple Bottle
14 — Oasis - Champagne Supernova

Convocatoria

2008-06-02T16:28:00.003-03:00

Motivo: Compilado de Invierno (2008).

Plazo: hasta el 10 de junio.

Condiciones: puedes elegir hasta 2 (dos) canciones, que serán incluidas en el Compilado siempre y cuando respeten las siguientes:

• No rock argentino.
• No trova española-latinoamericana.
• No reggaetón (o como mierda se escriba).
• No temas "en joda" (jingles, cortinas de TV, Loco Mía, etc...)
• No vuelta atrás con la elección.
• No Madonna.

¡Elige y vota! Luego ve por unos laxantes...

Alto graffitti

2008-05-23T17:03:00.004-03:00

Ubicación original: 3 de Febrero y Garibaldi, San Isidro.
Fecha: fines de la década del '80.
Motivo de eliminación: demolición de estructura edilicia.

"Abajo Alf!
(el Topo Gigio)"

La experiencia literaria del Beto Badía: "El día que John Lennon visitó la Argentina" (1990)

2008-05-15T21:46:00.008-03:00

Así escribe
“…pero lamento desilusionar al lector que, desprevenido, ha pensado que el libro que tiene en sus manos relata la sorpresiva visita a nuestro país del legendario ex-beatle. De cualquier modo, ya verá, mi estimado amigo literato, que la historia que me propongo contar presenta algún nexo con el músico asesinado en 1980, así que a no desesperar. Nada de salir corriendo a devolver este ejemplar.
Por lo pronto, mi propósito no es otro que construir ficcionalmente, ladrillo por ladrillo, una brutal, gigantesca, desproporcionada semblanza de Tito Matosas, aquel celebérrimo centrofóvar de Deportivo Cambaceres que hizo temblar las redes del ascenso en las temporadas 62/63 y 65/66. En aquellos viejos buenos tiempos, el primer equipo se alineaba con…”
(Extracto del Prólogo a la primera edición)

Reseña de P. Maelström (publicada en el National Enquirer, Nº 54, Agosto de 1990) (fragmento):

“Nunca he creído eso de que cuando uno se sienta con un nuevo libro, su olor, la tersura del papel, el color de la portada, informa –si bien de manera superficial– algo de su contenido. Pues bien, desgraciadamente, en el caso del debut literario del locutor argentino Juan Carlos Badía, dicha máxima se cumple con exactitud. Es que no sólo su presentación elemental es paupérrima, sino que, ya hablando del contenido de esta novela pseudobiográfica, hay que ser muy osado para declararse influenciado por los escritores de la llamada generación beat y no morir en el intento: los sórdidos pasajes a lo Burroughs se pierden en onanismos reiterativos y circulares; los poemas apócrifos de Tito Matosas, el centre-forward protagonista (nunca supe si tal personaje existió o no), emulan del peor modo al Ginsberg más drogado; el relato del homérico viaje en el que el delantero se cruza con Lennon no resulta más que una patética fotoduplicación de la contratapa de “En el camino”. En pocas palabras, la prosa del animador argentino tiene poco que envidiarle al más vil ejemplar de Corín Tellado; sin embargo, hay elementos que…”

Genealogía de mierda

2008-05-12T17:07:00.003-03:00

Por si no se sabe, el verdadero apellido del propietario de este espacio es Rosende, apellido sobre el cual hay dos versiones familiares en pugna por explicar su origen.

La primera, más reciente en el tiempo, establece que Rosende es una derivación del nombre portugués Rezende, o Rosendo en español, lo cual es factible dada la situación pasada de mis ancestros en el noroeste ibérico.

En cambio, otra fracción sanguínea, de dudosa reputación en cuanto a su salud mental, ha establecido por escrito alguna vez, en un viejo documento cartográfico, que Rosende tiene una raíz anglosajona, cuyo origen temporal se remontaría “a mediados de la Edad Media” (sic). Según esta versión, etimológicamente, la palabra Rosende no sería otra cosa que la unión de dos palabras en inglés: “Rose" y "End”, es decir, “el fin de la rosa”.

Compilado paralelo

2008-05-02T22:09:00.002-03:00

Reconozco que esto de hacer un compilado colectivo de Pop is Dead me ha dejado con las ganas de ofrecer uno igual de interesante que tenía en el tintero antes de anunciar aquella idea.

Pero lo extraño del asunto es que no terminé confeccionándolo yo, sino mi siniestro alter-ego y colega Rozzendi, a quien suelo encontrar fortuitamente los andenes del tren o del subte, aunque él siempre está en el de enfrente... (como si la separación entre las dos plataformas actuara como una suerte de espejo).

En el último encuentro, Rozzendi me arrojó con una habilidad asombrosa, de un andén a otro, un avioncito de papel en cuya superficie se estampaba una listita de canciones a ser incluidas en un nuevo compilado del blog. Leí la enumeración de temas y le pregunté qué carajo era todo eso. Me dijo, antes de subirse a una formación entrante: “Vos posteá eso y subí los temas”.

No atiné a decirle nada. Me guardé el ex–avioncito en el bolsillo y retorné a mi hogar presto para bajar y luego subir los temas de la polémica nómina Rozzéndica, que presento a continuación.

Compilado de Otoño Paralelo (bajar aquí)

Octaedrum – “Forced Smile Bitch”
Garry Tent & The Flying Comets – “Good Bussiness”
Hinds In My Hands – “In & Out”
Mircea Roudinescu – “Carpatii Tragedy”
Jefferson, Fake & Negroponte – “Mental Illness, pt. 1”
The Funk Soul Brother – “Check It Out Now”
J. J. Pfaff – “Do not trust people dressed in red”
B.A.T. 24 – “War of raw”
Dolly Grip – “Football in the Bath”
Steve Caco & Jonathan Phony – “Questa questione”
Lisandro Muña-Muña – “Asaz”

Conciertos del pasado, cap. I: Phil Collins, 22/04/95, Estadio River Plate

2008-04-25T21:35:00.013-03:00

Aclaración inicial:

Lo que pretendo con esta sección es hacer breves revisiones de algunos de los incontables recitales que he presenciado hasta hoy; aunque, valga la aclaración, no me abocaré solamente a los más sobresalientes o los que más impacto hayan causado en mí, así como tampoco emplearé un orden cronológico para tal fin. Simplemente pretendo registrar por escrito unas breves impresiones acerca de los eventos en cuestión, para lo que seré ayudado no sólo por mi memoria, sino por un interesante archivo de recortes de diarios, revistas, suplementos y, desde ya, la valiosa data disponible en la red.

Revisión propiamente dicha

Digan lo que quieran, pero estuve en uno de los dos conciertos que el cantante y baterista de Genesis –banda que adoro– brindó allá por abril de 1995, en el marco de un inédito (y variopinto) aluvión de visitas internacionales.

Si bien mis padres –con quienes he asistido a ese show– me han torturado desde la panza con la voz aguda del calvo, para aquel momento, con mis 16 años a cuestas, ya contaba desde hacía mucho tiempo con un gusto propio bastante bien definido, lo cual no me impide hoy día reconocer, admitir, confesar –si se quiere–, que:

a) El disco en vivo de Collins (Serious Hits Live, 1991) me resulta irresistible.
b) But Seriously… (1989) me parece bueno.
c) Una de mis últimas adquisiciones en vinilo fue No Jacket Required (1985), otra comercial, aparatosa, bailable y melosa muestra de lo que fue la música complaciente de los '80.

De modo que asistir a ese interesante concierto no fue ningún oprobio; por el contrario, he disfrutado bastante de la interpretación en directo de esas canciones escuchadas hasta el hartazgo en las FM y en el viejo tocadiscos heredado de los ‘70. Sólo por mencionar algunas, el impecable pero previsible setlist incluyó perlas de la música adulta como “Don’t Lose my Number”, “One More Night”, “In the Air Tonight”, “Another Day in Paradise”, “Sussudio”…; todos hitazos ejecutados de manera correcta por una numerosa y aceitada banda que contaba entre sus filas al bajista Nathan East y al guitarrista de apoyo de Genesis, Daryl Stuermer.

Desde ya que un show de estas características no tenía reservada absolutamente ninguna sorpresa; pero vaya si valió la pena haber ido a ver a un sobrio (cuándo no) Phil Collins desplegar su potencial como solista ante un público mayormente maduro, contemplativo, aburrido, mocasinero, que colmó por dos noches el Estadio River Plate, al que ví por vez primera partido a la mitad a raíz de la presencia de un mal llamado sector “VIP”.

Discos flojos, capítulo III: Queen - The Works (1984)

2008-04-16T20:32:00.019-03:00

Tengo una opinión bastante ambigua, circular e inestable sobre Queen; y mis sentires, expresares y pareceres hacia el grupo británico dependen no sólo de qué obra de ellos esté sonando al momento de pronunciarme, sino también del humor del día e incluso de las condiciones climáticas. Y, para colmo, suelo emplear a esta banda como ejemplo cabal de claudicación ante las modas perversas, cosa que me propongo describir aquí de manera breve.

Es bastante conocido que la carrera del cuarteto insular ofrece un antes y un después a partir del año 1980, en que se edita The Game; un momento en que, luego del torbellino punk, la música disco, aunque en declive, todavía copaba las pistas y los charts, al tiempo que quedaba a merced de la renovación/mutación que llegaría recién con discos como el Thriller de Michael Jackson (1982).

Ahora bien, la cuestión de cómo la coyuntura histórico-política (estados de bienestar desestructurados, neoliberalismo tatcheriano y reaganiano) impactó en la cultura de occidente es algo que, para no complicarme, prefiero simplificar burdamente. Dicho de otro modo, creo que basta con observar la exacerbación del hedonismo en las modas y en los estilos de vida deseables, y su correlato en algunos productos musicales de la época (new romantic, dance, un incipiente hair metal, el videoclip como herramienta de promoción de la ridiculez) para darse cuenta de qué clase de necesidad habrán experimentado ciertos dinosaurios que, con el cambio de década y de paradigma –que incluyó la irrupción de nuevas técnicas digitales de grabación– se vieron obligados a transformarse estéticamente para acceder, algunos por vez primera, a ganancias monetarias cuantiosas. Observemos sino las ochentizaciones de Yes (90125, de 1982), Genesis (Genesis, 1983) –con el agravante de la creciente carrera solista del más meloso Phil Collins–, David Bowie y, claro está, de Queen, cuyas producciones discográficas de la nueva década resultaron algo bastante cercano al papelón.

Por supuesto que el giro musical de Queen no fue para desmayarse de sorpresa, dada su eterna pretensión de calar hondo en las masas. No obstante, el traspié de Hot Space (1982), en el que coqueteaban con la disco, sumado al sonido aparatoso, fallidamente minimalista, de esta floja placa que fue The Works (1984), no parece propio de quienes en los ‘70 habían anonadado a parte de la comunidad rockera (y más) con una exitosa mezcla de hard-rock, ópera y comedia musical; cóctel que, disco tras disco, les daría un reconocimiento amplio por parte de público y colegas, sobre todo a partir de su inmortal A Night at The Opera (1975) y sus dignos sucesores, A Day at the Races (1976) y News of the World (1977).

Pero en The Works los golpes secos de la batería electrónica más latosa y los colchones de sintetizadores de hits como “Radio Ga-Ga” y “I Want to Break Free”, nos vienen a decir que más allá de la melodía ganchera y el estribillo efectivo, Queen ya no era el mismo: las armonías sobregrabadas de Brian May brillan por su ausencia, Mercury le concede una siesta a su histrionismo y la aceitada base Taylor-Deacon parece ejecutada por un robot, dejando al escucha más o menos entrenado la amarga sensación de que, más allá de la corrección interpretativa, estamos frente a una obra que supone uno de los puntos más altos en la banalización de la música del grupo.

El rockazo “Hammer to Fall” no alcanza para salvar las papas a un disco mediocre que, sin embargo, no le impidió a Queen seguir rompiendo con todos los rankings y continuar sus demoledoras actuaciones en vivo al menos hasta 1986, surcadas empero por un declive creativo del que la banda retornaría tibiamente recién con Innuendo (1991), la última placa editada con el cantante Mercury aún con vida.

En síntesis, desde ya que excede las pretensiones de este post analizar la injerencia de las presiones de la industria en vueltas de tuerca como esta que acabo de describir; pero valga este disco como ilustración de cómo esta reconocida banda, que realmente no es mi favorita, ha accedido a economizar sus recursos artísticos, a mutar de cualquier forma, en pos de evitar ser vapuleados por no adaptarse a las tendencias dominantes (y ganar menos dinero).

Tarde de mierda

2008-04-08T20:19:00.004-03:00

Hace varios años, estando yo sin trabajo y con los efectos del desempleo a cuestas, cierta lluviosa y gélida tarde de invierno fui a buscar una nota a la facultad, con la completa seguridad de que la calificación iba a ser buena. Pero no. El listado que colgaba laxo en una pared del segundo piso presentaba impunemente un 2 (dos) al lado de mi apellido, y no había reclamo posible, ya que el cuatrimestre había finalizado y el próximo paso eran los finales de julio. Claro, el problema es que mi nota evidentemente no me habilitaba para tal instancia, por lo que debía recursar la materia. No quedaba otra que volver a mi casa vistiendo una cara de orto que daba miedo.

Pero no todo terminó ahí. Crucé la calle para tomarme el bondi y empecé a caminar por una vereda bastante despareja y lodosa, devenida en un peligro bastante serio con la densa llovizna que caía. Así es que desafortunadamente pisé un montoncito de barro, o de mierda, no sé, y fui a parar al piso como si me hubiesen pegado un tiro. Me levanté de un saque, antes de que una señora compasiva atinara a estirar el brazo para ayudarme a levantar mi cuerpo, sacudido por una ruidosa caída que dejó como saldo un dolorcito en la cadera, una gran mancha en el pantalón y carajo, carajo, carajo del carajo.

(Editorial clarinesco)
Es necesario enterarse de un aplazo cuando las condiciones climáticas no se presten para resbalar y caerse a la mierda.

Ozzy Osbourne, Korn y Rata Blanca - Quilmes Rock, 30/03/08 (featuring: Carca)

2008-03-31T20:10:00.020-03:00

Ozzy Osbourne

Así como se lo imaginan: aparatoso, viejo, limado, loco, es Ozzy Osbourne sobre el escenario. Pero los desopilantes sketches proyectados en la previa, sus movimientos torpes y las demagógicas arengas que el cantante disparó a lo largo de su show de noventa minutos (incluso antes del mismo, con el mic abierto en camarines) quedarán como simples anécdotas del buen concierto que el ex líder de Black Sabbath le regaló a su pesado público en su segunda visita a esta ciudad. Tal es así que, aún con su limadura a cuestas, el ex protagonista del ridículo reality show de MTV se las ingenió para transmitir toda esa magia que lo ha hecho una verdadera leyenda del rock, a través de un diabólico set que abarcó perlas tanto de su interesantísima carrera solista (“Mr. Crowley”, “Crazy Train”, “Mama I’m Coming Home”, “I Don’t Know”) como del imprescindible segundo disco de Sabbath, Paranoid, de 1970 (“Iron Man”, “War Pigs”, “Paranoid”); piezas que han tenido que ser bajadas de tono para adecuarlas al registro siempre chillón, aunque más limitado que antaño, de Osbourne.

Más allá de la ruidosa alegría que recorría el ambiente, los descomunales pogos que acabaron con un reclamo general de analgésicos, y la entrega y buen humor de la estrella de la noche, el sonido sobresaturado y atronador hasta la exageración, sumado al innecesariamente extenso solo del habilidoso guitarrista Zakk Wylde (un mero ejercicio de guitarra atiborrado de armónicos y juegos de palanca, justificable únicamente como descanso para el viejo Ozz) le restaron algunos puntos a un show no obstante memorable, divertido, que dejó a la concurrencia extasiada de tanto metal, y de tanto agitar la extremidad superior haciendo los cuernitos.

Personal: Ozzy Osbourne (voz), Mike Bordin (batería, ex Faith No More), Zakk Wylde (guitarra, líder de Black Label Society, banda que tocó antes de Rata Blanca), Alan Wakeman (teclados, hijo de Rick Wakeman), Rob Nicholson (bajo).
Setlist: I Don’t Want To Stop / Bark At The Moon / Suicide Solution / Mr. Crowley / I’m Not Going Away / War Pigs / Crazy Train / Iron Man / Road to Nowhere / I Don’t Know / Here for You / Change The World / Mama I’m Coming Home / Paranoid.

Korn

Lo de Korn sí que fue una verdadera sorpresa, sobre todo porque arrastraba una serie de prejuicios que tenían que ver tanto con la gente que viste su logo, como con la inclusión de esta banda californiana dentro de lo que, promediando los '90, se conoció como nü metal: una “elite” de jóvenes heavies llamados a “renovar el metal”, en la que se encontraban, por ejemplo, los patéticos Limp Bizkit.

Pero la cuestión es que el conjunto del carismático Jonathan Davies salió a matar; y lo hizo exhibiendo un cojudo repertorio compuesto por canciones afectadas, podriditas, violentas, siniestras, deudoras tanto de Nirvana como del industrial, debidamente auxiliadas por un sonido clarísimo (algo ausente en Ozzy) y disparadas sin misericordia al amparo de una base enjundiosa que aflojaba los dientes.

Y Korn también es una banda que se preocupa por los detalles: tanto en lo referente a la presencia escénica como por los interesantes interludios electrónicos que demostraron la amplitud musical de este grupo al que, parafraseando a un colega, alguna vez he llegado a despreciar.

El final de este show excelente no podría haber sido otro: un pogo gigantesco acompañando al impresionante “Blind”, de su disco homónimo de 1994.

Personal: Jonathan Davis (voz, gaita), James "Munky" Shaffer (guitarra),
Reginald "Fieldy" Arvizu (bajo), Ray Luzier (batería), Kalen Chase (coros y percusión), Zac Baird (teclados).
Setlist: Right Now / A.D.I.D.A.S. / Hold On / Starting Over / Falling Away From Me / Coming Undone / Here To Stay / Shoots and Ladders Intro / Helmet in the Bush / Faget / Freak On A Leash / Evolution / Somebody / Got The Life / Blind.

Carca

El músico argentino, llamado a “homenajear al rock nacional” entre los shows de Rata Blanca y Korn, debe estar en estos momentos embarcado en un juicio contra su manager. ¿Qué criterio aplicó la organización al convocarlo? ¿Un criterio Personal Fest? ¿En qué estado estaba Carca cuando aceptó tocar ahí, en el medio de la pasarela central, acompañado por su trío “alterno”, en una velada metalera? Es cierto que el público fue intolerante con el esquelético solista local, pero imagínense lo que ocurriría si Marcela Morello talonease a Horcas. “Cada cosa en su lugar”, dice la frase; pero el tema es que Carca todavía debe estar luchando con los gargajos incrustados en su voluminosa pelambre.

Rata Blanca

Al menos ayer, esta banda de heavy clásico no le movió un pelo a nadie. Su show, impecable desde el punto de vista sonoro, pero extenso y soso en su resultado global, sólo volvió a dejar en claro el gran nivel de Walter Giardino (más allá de sus obvias influencias) y el gran trabajo que Hair Recovery ha realizado en la cabeza del petiso Barilari.

Compilado de Otoño 2008 - Los elegidos de los popisdedeanos

2008-03-21T02:53:00.002-03:00

Por fin ha llegado el momento de develar el misterio y sentarme con una Guiness a escuchar el Compilado de Otoño de Pop is Dead, de cuya confección has participado tú, estimado popisdedeano.

El resultado es, a mi entender, excelente. La selección de los tracks ha sido acertada, el orden en que los he dispuesto me parece convincente y, por si fuera poco, el éxito de la experiencia, que podrán comprobar a partir de ahora, me da pie para anunciar que se adoptará la misma modalidad de selección para el Compilado de Invierno. De modo que, otra vez, ¡tú serás el responsable porque tú elegirás!

Pero no te apresures; este es el momento de disfrutar de esta hermosa colección de grandes canciones, la mejor que ha ofrecido este blog hasta hoy.

¡Gracias por la magia!

Bob Dylan - Estadio Vélez Sarsfield, sábado 15 de marzo de 2008

2008-03-16T16:09:00.008-03:00

Al final, fue a ver a Bob Dylan mucha más gente de la que pensaba, aunque supuse que una buena parte de la concurrencia (según mis cálculos, unas 25.000 personas) había contado con entradas de favor, o con el interesante descuento que suponía el 2x1 ofrecido por una empresa de telefonía celular. No obstante, el panorama eminentemente familiar que exhibía la tarde-noche del Amalfitani, sumado al cansino show acústico de León Gieco, le otorgó a la velada una pachorra digna de pic-nic en el parque, sólo que sin el mate, los bizcochitos y la lona.

El lindo cierre del cantautor santafesino con la compañía de Charly García y Gustavo Santaolalla haciendo “El Fantasma de Canterville” dejó el terreno preparado para la aparición estelar de esa figura fundamental del arte del siglo XX que, puntualísima, hipnotizó a su público durante dos horas secundada por banda impresionante, capaz de adaptarse a tantos colores como los de una tabla degradé de pinturería, y una puesta en escena de lo más austera que he visto desde el show de David Byrne en el Luna Park, en 2004. Aunque desde ya que no hacía falta más.

En contra de lo que podría pensarse, el registro gutural de Dylan (fruto del paso de los años y más), en lugar de desvirtuar o simplemente arruinar sus legendarias composiciones, les dio un matiz diferente, incluso juguetón, de modo que viejos clásicos como “Rainy Day Women #12 & 35” (del básico Blonde on Blonde, 1966) –que ofició de apertura–, “Lay Lady Lay” (de Nashville Skyline, 1969) y “Just Like a Woman” (también de Blonde…) adquirieron una sonoridad sencillamente encantadora.

Luego de repasar algunos pasajes de su reciente Modern Times (2006) y “Love and Theft” (2001), más los inefables “Highway 61 Revisited” y "Like a Rolling Stone", para los bises Bob noqueó a la concurrencia con versiones soberbias de “Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again”, “All Along the Watchtower” (que en sus respectivos momentos fue versionada por Hendrix y U2) y “Blowin’ in the Wind”; coronando así una noche inolvidable para esos miles de personas que disfrutaron reverencialmente de la tercera visita del genial poeta, tal vez la última.

Discos flojos, capítulo II: dos terceros

2008-03-10T21:45:00.015-02:00

Por segunda vez en la historia de este blog voy a referirme a obras discográficas que no son de mi agrado y, al igual que aquella vez, seré breve.

En primer lugar, debo admitir que hace unos años bajé con cierta expectativa Final Straw (2003), tercer disco de los británicos Snow Patrol, incluidos por los entendidos en la matriz inglesa post–Ok Computer: Coldplay, Keane, Thirteen Senses, Travis, etc. Lo que he detectado en este grupo liderado por el cantante y guitarrista Gary Lightbody es su incursión en fórmulas harto probadas por sus contemporáneos: medios-tiempos, baladas afectadas, chispazos de electricidad apenas efectivos y hits modernosos que podrían pasar por alternativos, sí, pero únicamente si se reproduce el disco en “random”, cosa de “alternar” algo la soporífera normalidad de esta obra, a mi criterio, instrumentalmente ejecutada de manera poco interesante. Es más, ni siquiera me he tomado la molestia de enfocar en el aspecto lírico. Directo a la papelera de reciclaje.

Otro trago amargo lo tuve con X&Y (2005), tercera obra (también) de Coldplay, banda que había seducido al gran público con un debut ligeramente acústico, lánguido y convencional, es verdad, pero exquisito: Parachutes (2000); y con un sucesor, A Rush of Blood to the Head (2002), que exhibía al cuarteto probando darle un tinte épico a sus canciones, con resultados positivos. Pero la falta de rumbo que suda X&Y se combinó con una mayor presencia mediática de su jefe Chris Martin, cuya corrección política me resulta exasperante, al punto de palparla casi con la mera audición de alguna melodía del grupo.
Nunca pude escuchar la melosa “Fix You” sin que se me ponga la piel de gallina, pero de rechazo. No logro captar el porqué de los rumores previos a la publicación de esta placa: que tiene onda Kraftwerk, que será más instrumental, etc., cuando apenas se detectan algunos sintetizadores brian-eno-escos. No sé por qué el guitarrista Jon Buckland trocó su delicada economía por unos arreglos garabateados con la misma pedalera de The Edge (U2). Y menos aún logro explicarme la curiosa decisión de elegir como primer corte a “Speed of Sound”, nada menos que una revisión devaluada de “Clocks”. Todos aspectos que no hicieron más que minar el tibio interés que solía tener en el grupo allá por los primeros años de esta pobre década.

Depeche Mode - Music for the Masses (1987)

2008-02-18T19:33:00.011-02:00

Mi reciente incursión como invitado en el dúo electro-rock Palangueto me dio la idea de dedicarle un post a Depeche Mode, grupo que me gusta mucho y que he tenido la suerte de ver en Vélez allá por 1994, poco tiempo antes de que la adicción a la heroína del cantante Dave Gahan estuviese a punto de terminar con él.

Pues bien, para mediados de los ‘80, los techno-rockers Depeche Mode eran una banda musicalmente consolidada y bastante exitosa en Europa, aunque ligeramente ignorada en los Estados Unidos, aspecto que se había convertido en una grave obsesión para los miembros del cuarteto inglés; más aún teniendo al oscurísimo Black Celebration (1986), disco difícil, como caballito de batalla.

La madurez artística había llegado –luego de pelearla con un par de flojísimos discos del más insulso synth-pop– gracias al enorme salto de calidad que ofrecieron Construction Time Again (1983) y, más aún, Some Great Reward (1984), en cuyo gran nivel mucho tendría que ver el afianzamiento del recién ingresado tecladista Alan Wilder en su rol de arreglador, co-productor y guardavidas del compositor Martin Gore en sus lagunas creativas. Pero el refinado talento de los Depeche para las melodías pop, y su habilidad para combinarlas con arriesgados experimentos vanguardistas no eran reconocidos por parte de la prensa rockera, con lo cual el moderado suceso del grupo parecía quedar amparado más por su imagen dark/sadomasoquista –que tan en boga estaba por aquellos días– que por la reputación de sus discos.

Habiendo resignado ya la posibilidad de éxito del otro lado del Atlántico, no tuvieron mejor idea que titular a su nueva obra con la ironía de “música para las masas”, cuyas características –oh casualidad– les aseguraría un lugar privilegiado en el poderoso mercado norteamericano. Es que se trataba de un LP más estridente, “luminoso” y digerible que Black..., aspectos que abarcaron tanto lo musical como lo letrístico: mientras en el antecesor el concepto constante era la rutina, el aburrimiento y la podredumbre de la vida, aquí en cambio la cosa parecía girar en torno a las relaciones amorosas y fraternales, sin abandonar las referencias a la religión (que antaño les llevó a reiteradas censuras por parte de la BBC por “contenidos perversos”) aunque dejando de lado las pretensiones polémicas.

Y lo que no es un dato menor: también el álbum resultó un suculento banquete para los DJ’s ávidos de remixar a los exponentes de la última moda en música electrónica. Ese fue uno de los destinos del arsenal de éxitos bailables que esta placa dejó para la posteridad: “Never let me down again”, “Strangelove”, “Behind the wheel”, “Nothing”; que en conjunto con el resto de las piezas creaban una atmósfera sensual al tiempo que agresiva, con sintetizadores emulando a guitarras eléctricas e instrumentos de orquesta sinfónica, delicados arreglos vocales, martillazos de baterías programadas, y algunos estribillos de estadio.

Más allá de que el disco se enrarece un poco en lo que antes se conocía como lado B, la efectividad de sus hits y la sutil belleza de tracks como “Sacred” y “The thigs you said”, permitieron a Depeche ingresar a Norteamérica en medio de una explosión que quedó retratada en el documental y disco doble en directo 101 (1989), amén de su novedosa catalogación de “padres del house”.

En definitiva, Music for the Masses no sólo llevaría al cuarteto (hoy trío) al éxito mundial, sino que prepararía el terreno para lo que será su obra cumbre, Violator (1990). Y si bien estamos hablando de uno de los mejores álbumes de DM, es muy interesante rescatarlo en su carácter de bisagra entre lo que la banda era y lo que es hoy: un grupo de culto que ha trascendido los géneros, que ha hecho escuela y que es un referente obligado en eso de utilizar máquinas para hacer música.

Cuatro predicciones de mierda para 2008

2008-02-11T22:59:00.001-02:00

....Pity Álvarez continuará deleitando con su magistral lucidez, inspiración y genio, y seguirá ofreciendo a las radios piezas de la talla de "Pila-Pila"; su próximo sencillo será una versión libre del jingle "Quebolú-quebolú-quebolú-quebolú".....
....Kill Gil no saldrá a la venta. Tampoco lo hará Chinese Democracy.....
....La selección argentina de fútbol aplastará a todos sus rivales en las olimpíadas de Beijing. Pero en la final le tocará enfrentar a Brasil, y la escuadra verdeamarelha se impondrá por 4 goles a 0.....
....Enrique Macaya Márquez será tapa de todas las revistas de actualidad, posando junto a su nueva novia 75 años menor que él.....

De mente

2008-02-05T12:50:00.001-02:00

Una de las primeras cuestiones que encaré apenas comenzadas mis vacaciones fue la compra de una revistita de crucigramas que incluía también enigmas, anagramas, autodefinidos, etc. No fue sino intentando resolver la primera grilla que recordé una vieja anécdota de varios veranos atrás, cuando con un amigo, Sebastián Onorachéicon, descubrimos divertidos –vaya ingenuidad– la existencia de ciertas palabras “comodín” en este tipo de juegos de ingenio, que según suponíamos se adecuarían tal vez a una gran multiplicidad de cruces letrísticos. Tal es así que elaboramos una lista de vocablos que, amén de su utilidad para desafiar a esas simpáticas publicaciones, resultan dudosos para su aplicación en la vida cotidiana. He aquí algunas definiciones:

ITA = Piojo de la gallina
OSERA = Cueva del oso
GO = Juego oriental de mesa
Na = Símbolo químico del sodio
ROS = Chacó pequeño de fieltro
AGÁ = Oficial del ejército turco
ARA = Piedra del altar
ASAZ = Harto, muy

Posibles aplicaciones: “Mirá loco, esta gallina que me vendiste está llena de ITAS”; “Apenas llegué al aeropuerto de Estambul, un AGÁ revisó mi pasaporte y…”

Pop is Dead - Nueva temporada

2008-02-01T15:40:00.001-02:00

Disculpen popisdedeanos, pero los últimos 20 días anduve desenchufándome merecidamente en una bonita ciudad balnearia situada el sur de Mar del Plata y al norte de Mar del Sur, cuya denominación incita a "mirar el mar".
Pronto volveré con las boludeces habituales y probablemente unos retoques en el diseño (?) de este espacio.

Radiohead - "In Rainbows" (2007)

2008-01-08T22:54:00.003-02:00

Ayer, recién ayer conseguí la edición física de In Rainbows, cuando se suponía que iba a estar en las bateas a partir del 1º de enero (de hecho, estaba disponible en Amazon.com desde aquel día). Por supuesto que la adquisición no implicó ninguna novedad sonando en mi equipo, aunque creo que la calidad del sonido es mayor en esta edición definitiva que en aquella que la banda inglesa ofreció “a la gorra” a mediados de octubre pasado –y que tanta polvareda levantó–; amén del sorprendente packaging que convierte a esta placa en un objeto de colección.

¿Y la música? Bueno, he tenido dos meses como para embeberme bien de estas nuevas composiciones del quinteto de Oxford y por fin sentirme listo para pronunciarme al respecto. De movida me encontré con algo un poco más familiar y benévolo que Hail to the Thief (2003), pero igual de extraño e imprevisible. Queda claro: los primeros golpecitos electrónicos sincopados de “15 Step” confirmaban, una vez más, que Kid A (2000) y Amnesiac (2001) eran el punto de partida de un paseo del cual la banda ya no retornaría, sólo que en este caso las canciones recuperan algo de la estructura que en pos de sus loables búsquedas sonoras había quedado algo relegada.

Por ello sonreí feliz ante ese impactante crescendo de “Weird Fishes” previo a su mutación en “Arpeggi”, y también al sentir en todos los huesos el piano sintetizado de “All I Need” que tira sus notas como campanadas acompañado de un groove bastante cercano al hip-hop. Y en “Reckoner” hasta se permiten una humorada al incluir una cita del “Silly Love Songs” de Paul McCartney, que supongo tendrá que ver con una saludable moderación en el pesimismo lírico tan característico de ellos; comparen sino la última frase de “Videotape”: “You shouldn't be afraid / because I know today has been the most perfect day I've ever seen” con la desopilante persecuta de “A Wolf at the Door”, que cierra Hail…, en la que Yorke se lamentaba de un sabueso que lo amenaza con llevarse a sus hijos si no paga los impuestos.

En síntesis, más allá del encendido debate sobre el futuro de la industria musical que desató el “regalo” electrónico de In Rainbows, lo que queda es este disco sobresaliente que, por un lado, muestra nuevamente hasta qué punto la banda más influyente de los últimos quince años supera con creces las caricaturescas intenciones de sus descendientes; y, por otro, exhibe a una banda excelente en uno de sus mejores momentos creativos, sonriente, disfrutando, gozando merecida y sobradamente del hecho de estar haciendo historia.

2008

2008-01-01T18:42:00.000-02:00

Como saben, el calendario gregoriano establece que hoy 1º de enero debe comenzar un nuevo año, y con él una serie de ritos y frases que la colega Lady Vengeance ha descripto breve y filosamente.
Y más allá de que, por supuesto, adhiero a la propagación de buenos deseos para todos los lectores de este espacio, también hago mío el planteo de la mencionada blogger sobre el sentido de todo eso. Aunque admito que me voy a reservar para otro momento alguna reflexión filosófica al respecto, ya que en parte me veo contagiado por cierta pereza que noto en algunos blogs. ¿Será la proximidad de las vacaciones? ¿Será el clima?
Como sea, ¡éxitos!

Compilado de Verano

2007-12-24T22:06:00.000-03:00

Pero no se agota todo con la presencia del dichoso compilado, ya que te anticipo que ¡tú podrás formar parte de la elección de temas del próximo Compilado! Por supuesto que tendrás que respetar ciertas condiciones que en su momento te detallaré, amig@ popiededeano@, aunque no te preocupes, no serán demasiado rígidas.
Pues bien, por lo pronto sólo me queda por citar a no me acuerdo quién fue que dijo: "No hay glam que por hiel no jenga"; y recordarles, asimismo, que no confundan a Franz Kafka con Guido Kaczka, a Carca con un garca, y al morfi con la morfina.

Se viene el Compilado de Verano

2007-12-17T21:06:00.000-03:00

Ya es un clásico... encontrarme con mi colega Rozzendi en los andenes. Esta vez el encuentro ocurrió en la estación Independencia del subte C. Yo estaba en el andén a Retiro, en cambio él esperaba con su habitual tranquilidad en el de enfrente, hacia Constitución, lo cual me sorprendió bastante. Ya que había poca gente allí, decidí saludarlo, para lo que tuve que elevar la voz. Creo que al principio fingió no oirme, pero luego la reacción se tornó inevitable. Le pregunté qué carajo hacía allí. "Un currito", dijo. Quise saber a qué se refería, mas el tren irrumpió veloz desde la negrura del túnel (faaa!). Rozzendi se metió en el hediondo vagón prestado de la línea D.
Me quedé pensando un rato en aquel estúpido cabrón y loco, hasta que manotée mi cuadernito y empecé a bocetar el Compilado de Verano de Pop is Dead. Una primera lectura de la lista confeccionada al azar me permite la conclusión de que esta vez, dada la presencia de Led Zeppelin, el AC/DC de Bon Scott, T-Rex, Oasis, Deep Purple, etc., la cosa se viene bastante pesadita. Aunque finalmente verán que no es para tanto.

Discos flojos, capítulo I: Bush - Sixteen Stone

2007-12-09T23:17:00.008-03:00

Es realmente increíble la dinámica social de los discursos, el hecho de que todo lo que digamos o hagamos se remita de algún modo u otro a otros discursos. Pues bien, el presente post fue inspirado por una reciente subida efectuada por el colega Mike Ness en su blog My brain is hanging upside down. Con todo respeto al compañero, no deja de sorprenderme el hecho de encontrar a alguien hablando bien y subiendo discos de la banda inglesa Bush, rockeros de pacotilla surgidos en los primeros '90 como parte del peor legado de Nirvana.

En realidad, lo que ocurre es que al oir hablar de Bush (el grupo, no George W.) sonrío con el recuerdo de la gran idea de mi amigo Ralph Halfville de arrojar un disco de ellos bajo las ruedas de un colectivo.

Cuán merecido lo tendría ese disco, Sixteen Stone, obra que tuve la oportunidad de escuchar alguna vez, tratando con mi mejor voluntad de encontrar algo rescatable. No fue así. Y no es de prejuicioso, ya que muchas veces me he sentado a escuchar bandas o solistas que no eran de mi agrado y de las que he admitido con gusto la existencia de elementos de calidad indiscutibles.

Pero el caso de Bush me superó por completo. Sixteen Stone, más allá de alojar a tres o cuatro hits mediocres que rodaron incansablemente en MTV –en la época en que este canal se dedicaba a la música– era un disco que no se merecía ni el peor lugar de la repisa, y otorgarle el status de apoyavasos hubiese sido todo un honor. Ni su pésima portada se salva de esta faena.

The Rolling Stones - "Get Yer Ya-Ya's Out" (1970)

2007-12-03T20:12:00.005-03:00

Get Yer Ya-Ya’s Out! registra la serie de actuaciones que brindaron unos Stones completamente colocados en el Madison Square Garden a fines de 1969, ya repuestos de la trágica muerte de Brian Jones y contando con la salvadora presencia de Mick Taylor ensombreciendo al propio Keith Richards (incluso compitiendo con éste a la hora de tirar bends), lo que aparentemente se convertiría unos años después en el motivo de su despido.

También contaban con una dupla de recientes excelencias en las bateas: Beggars Banquet (1968) y Let it Bleed (1969), con lo que quedaba garantizada la calidad del material de esta breve placa en directo, uno de los testimonios más crudos que se tenga de los Rolling en una de sus mejores etapas creativas, pese a que tal ascenso artístico implicara también un aumento en el caudal de drogas (y de las pesadas).

No obstante, ya casi diluida la sana competencia establecida con los Beatles, dada su disolución, los Stones aquí despliegan versiones no por desprolijas, menos rockeras de “Jumpin’ Jack Flash”, “Honky Tonk Women”, se lucen con ásperos y antiguos rocanroles (“Little Queenie”, “Carol”) y sorprenden con una “Sympathy for the Devil” convertida en un gracioso funky, más cerca de la forma que le dieron en el Circus que de las tomas más recientes, y a años luz del ritual vudú con el que dan inicio al mencionado Beggars Banquet. Para finalizar se despachan con una versión proto-punk de “Street Fighting Man” que de haber sido interpretada en 1977 hubiese inducido al pogo.

Es extraño, pero desde hace muchísimos años y hasta ahora he mantenido la gran admiración que siento por los Rolling Stones casi en secreto, quizás por culpa del estúpido prejuicio argentino que relaciona inevitablemente a esta banda fundamental de la historia del rock con esa tribu de ridículos ignorantes, flequilludos y zaparrastrosos llamados rollingas. ¿No seré yo también un cumbiastone encubierto? Si tuviese el pelo lacio, ¿usaría la combinación flequillo/cubanas/jardineros?
La respuesta es un no rotundo. Aunque confieso que me encanta la remera roja con la llamita de Flashpoint.

La picadora de carne

2007-11-26T19:37:00.000-03:00

El pasado viernes recibí en total tres mensajitos, todos de parte de un gran amigo mío. Lo extraño es que luego de recibir el tercero me di cuenta que los tres conformaban una perversa narración de eventos sucedidos a lo largo del día que arrastraba elementos latentes de algún tiempo atrás. Me explico: mi amigo últimamente venía siendo testigo de cómo en su trabajo, a raíz de un cambio en las autoridades, se producía una tremenda purga de personal que ya se había devorado a sus mejores compañeros, compinches de oficina, y también a otros, dejándolo con la sencilla certeza de que no tardaría él en ser el próximo.
Este es el relato que conforman los tres mensajes; un relato desahuciado, pero al mismo tiempo con mucho humor, algo muy propio del remitente. Me permito omitir mis breves respuestas, que no vienen al caso.

Mensaje 1, 9:28. Uno menos… lo echaron a N. El último que apague la luz
Mensaje 2, 10:08. Estoy llegando tarde y laburando poco, así me echan. Me parece que me voy a comprar La Radiolina [el último disco de Manu Chao].
Mensaje 3, 17:52. Me rajaron, estoy bien.

Greatest Hits

2007-11-11T16:57:00.000-03:00

Para finalizar con esta farsa, aquí va una selección de las palabras más abominables, provocadoras de rabia e hipertensión según el criterio de los popisdedeanos. Palabras de mierda, asquerosas, impronunciables e hijaputas.

-Mausoleo
-Pomo
-Organigrama
-Hechura (y su correlativo, achura)
-Trapiche
-Palanqueta
-Apósito/depósito femenino
-Deposición
-Mentecato
-Diarrea
-Piorrea

Björk - Teatro Gran Rex, domingo 4 de noviembre de 2007

2007-11-06T21:32:00.004-03:00

Recuerdo perfectamente que nueve años atrás tuve que optar entre verla a ella o a los Smashing Pumpkins en el Parque Sarmiento, y aunque no me arrepiento de haber decidido por los muchachos de Billy Corgan, quienes presentaban el cabizbajo Adore, sabía que a mi pesar estaba dejando de lado a la petisa mágica con su inconmensurable Homogenic.

Pero ahí estaba anteayer, pues, sospechando que naturalmente en su nuevo espectáculo no podía faltar la extraña ambientación tribal que plantea Volta, su reciente placa: vaya como primera señal de acierto la colorida procesión de la fanfarria (las Wonderbrass) que, ataviada con motivos ¿vikingos?, precedió la salida a escena de la pequeñita, envuelta en una sonora ovación que dejó lugar a un silencio de ópera al comenzar “The Anchor Song”. (Qué voz, por Dios). El clima intimista se intensificó aún más al sucederse “Immature”, una bellísima versión de “Unravel” que puso la piel de gallina durante tres minutos, “Aurora” y “Unison”, mientras las máquinas (y los maquinistas) todavía no insinuaban ni un cuarto de la orgía electrónica que se desplegaría en la parte final del show…

Me tomo el atrevimiento de hacer semejante elipsis ya que no quisiera quebrar con palabras el tremendo hechizo, ese cuento de hadas propinado por la diminuta genia durante una hora veinte, que en mi caso particular me dejó mordiéndome el labio inferior, como si estuviese pensando, y efectivamente lo estaba, que había visto algo único, inigualable, maravilloso, alevoso, angelical; susurros, alaridos, síncope, explosión eléctrica, calma de mar. Voz, vientos, órgano, máquinas viviendo en perfecta armonía.

Personal: Björk, Cris Corsaro (batería y percusión), Mark Bell y Damian Taylor (máquinas), Jonas Sen (teclados) y las chicas de Wonderbrass (vientos y coro).

Setlist: (Intro) BrenniðÞið Vitar / Anchor Song / Immature / Unravel / Aurora / Unison / Jóga / Hunter / The Pleasure Is All Mine / Oceania / Wanderlust / Earth Intruders / Army Of Me / Innocence / I Miss You / Cover Me / Hyperballad / Pluto / (Bis) Declare Independence.

Pequeña lista

2007-11-02T22:58:00.000-03:00

Esto no es joda. He aquí una pequeña lista de palabras cuya mera audición o lectura me eleva la presión arterial:

-Piorrea
-Hechura
-Paparulo
-Cusifai
-Olarticoechea
-Telecataplum

Algunos resultados de las encuestas de Pop is dead

2007-10-28T18:34:00.000-03:00

Evidentemente es mucho más fácil emitir un voto en una de las encuestas de mierda que semanalmente se publican en este blog que sufragar en las elecciones para presidente.
En consonancia con el clima de boca de urna que impera en estos momentos en la Argentina, los siguientes resultados ofrecen el punto de vista de los popisdedeanos sobre ciertas cuestiones de interés general (?); de este modo, según los visitantes del blog:

• The Who habría vendido "no más de 30, no menos de 29" tickets al día de su cancelación.
• La agrupación norteamericana Black Eyed Peas sería "una mierda".
• De los proyectos de tributos a bandas y solistas, la serie Bossa n' mierda se impone como... "una mierda".
• La camioneta Citroen Mehari (esa que parece de plástico) es considerada como "una masa".
• Un 83% de los popisdedeanos "prefiere morir" antes que asistir al Personal Fest, al menos según el line up vigente.
• Gastón Pauls y los Red Hot Chili Peppers comparten el 27% de los votos en la categoría de "personaje que más pibes 'se comió'".

Soda Stereo, viernes 19 de octubre de 2007, Estadio River Plate

2007-10-21T15:43:00.004-03:00

Después de la sarta de rumores, de la confirmación, de las especulaciones acerca del dinero en juego y la terriblemente agotadora y exagerada campaña publicitaria (que para colmo se mezcló con las elecciones presidenciales), llegó por fin la hora de la música, el momento de develar el misterio que se escondía detrás de esa movida gigantesca del operativo retorno.

Y si el concepto de “burbuja en el tiempo”, entendida como una fiel revisión de viejas épocas –sumada a la obvia falta de material novedoso– le otorgaba cierto marco de previsibilidad al show, esto fue volado en pedazos por tres tipos que, acompañados por una puesta escénica impactante y un volumen atronador (aunque de a ratos rato el sonido fue una bola amorfa), desplegaron su catarata musical ante una masa –65.000 personas, dicen los medios– que durante los primeros números se mostró prácticamente anonadada. ¿Emoción? ¿Escepticismo? No sé. Después de todo, Soda Stereo estaba ahí, con toda su magia intacta, su calidad y, por supuesto, su extensa batería de hits.

Si la cosa comenzó in crescendo, lo que siguió fue una fiesta que mezcló joyitas olvidadas del gran repertorio sodino (“En camino”, “Pic-Nic en el 4º B”, “No existes”, “Texturas”) fieles a sus versiones originales, con esos grandes e inoxidables éxitos que ni hace falta mencionar.

En síntesis, ha quedado demostrado que, a la hora de la verdad, el profesionalismo de los Soda es tal que se dan el gusto no sólo de incluir varios pasajes sónicos para hipnotizar a las masas, sino de prescindir de gestos demagógicos, discursitos pedorros o arengas de cualquier tipo, lo cual los aleja aún más del resto de sus colegas argentinos.

Setlist: Juegos de seducción / Tele-K / Imágenes retro / Texturas / Hombre al agua / En camino / En la ciudad de la furia / Picnic en el 4º B / Zoom / Cuando pase el temblor / Corazón delator / Signos / Sobredosis de TV / Danza rota / Persiana americana / Fue / En remolinos / Primavera 0 / No existes / Sueles dejarme solo / En el séptimo dia / Un millón de años luz / De música ligera / Disco eterno / Cae el sol / Prófugos / Zona de promesas / Nada personal.

Try again

2007-10-14T19:11:00.001-03:00

Me pone bastante contento la escandalosa derrota de ese equipo de mastodontes descerebrados conocido como Los Pumas. Y digo “bastante” porque conservo hacia ese deporte, y hacia al torneo mundial que aún se disputa, una indiferencia considerable.
No obstante, creo no ser tan inocente respecto del “furor popular” por la escuadra argentina de “racbi”.

No creo ver ninguna casualidad en la búsqueda de los nuevos héroes que el fútbol, tradicional proveedor de ídolos populares, ya no entrega; menos aún si esa búsqueda se realiza en un contexto donde parece ser tan necesario el hallazgo de nuevas figuras que encarnen el “ser nacional” (chequear “El Gen Argentino”).

No veo ninguna casualidad, por ende –y a esto quería llegar– en el hecho de que los nuevos depositarios del “espíritu argentino” posean cuatro rasgos esenciales: Educados, Lindos, Blancos y de Buen Pasar (y probablemente, Católicos Practicantes). Y, por si fuera poco, feroces en el combate, dispuestos a morir en él, luego de cantar abrazados y a los gritos el Himno Nacional.

Vaya, qué gran ejemplo.

Orden. Limpieza. Alta reserva moral. Obediencia.

Todo esto me suena, me suena, me suena… a la consigna del nacionalismo más barato y recalcitrante, “Dios, patria y familia”, y a toda esa tremenda cantidad de gente que suda miseria ideológica, esa que llena los trenes y colectivos todos los malditos días. Busquen por ahí sino la carta que el señor Bolumberg dirigió a estos pulcros luchadores, feroces, obedientes, educaditos, los nuevos héroes de canal 9 y también del noticiero de Santo, de Olé y de La Nación Deportiva, de la avenida del Libertador y de la villa 31.

Compilado de Primavera

2007-10-10T22:10:00.000-03:00

Uno de los recuerdos más graciosos que conservo es el de aquella vez en la que, caminando por el centro de San Isidro, ví cómo una vieja mal estacionada cagaba a palos al cepo con un matafuegos. Evidentemente el extintor no reventó, ya que cada tanto la veo a la vieja; de lo contrario, sus restos hubiesen quedado desperdigados en un radio de doscientos metros...
En fin, todo esto venía a cuento (?) de la disponibilidad del Compilado de Primavera, en el link que descansa aquí a la derecha, arriba de la encuesta de mierda. Recomiendo su escucha acompañado de una buena medida de Legui.

El colega

2007-10-04T20:06:00.000-03:00

Luego de años sin vernos, anteayer me topé casualmente con mi polémico colega Rozzendi, en el andén, mientras caminábamos rumbo a los molinetes, de vuelta a casa. Se lo veía tranquilo, como siempre; sin embargo, al instante me confesaría que en realidad estaba indignado. Portaba bajo el brazo un ejemplar doblado del diario gratuito La Razón. “Será por algo que habrá leído”, pensé. Pero no.
“Resulta que ahora que vuelve Soda todos son fanáticos de Soda desde siempre y todos van a ir a River”, aulló. “Cuando murió Syd Barret también, todos se apiñaban en los foros alabando al ‘diamante loco’, y dale que ‘brilla tú, genio, flautista’, cuando en sus perras vidas habían oído hablar de él. Fans de e-mule, los llamo yo, o fanáticos en 24 horas”. Y continuó: “En el fútbol también ocurre: resulta que porque Tigre está en Primera ahora acá todos somos hinchas de Tigre”.
Debo confesar que me sorprendió semejante reflexión disparada desde el más elemental sentido común.
“Bueno”, dije, “para el caso, recuerdo perfectamente que cuando murió Freddie Mercury vos mismo saliste corriendo a comprar discos de Queen. Creo que hay que reflexionar un poco, Rozzen: siempre es posible que un gran acontecimiento movilice algún tipo de revalorización o reconocimiento. Y eso no me parece mal”.
Rozzendi me miró con furia: “No. La gente es estúpida”. Acto seguido, me saludó y se metió en un bazar.
La gente. LA GENTE. Colectivo odioso si lo hay… "Qué tipo cabrón”, me dije.
La lluvia retomó su caída, densa. Manotée mi pequeño paraguas, que descansaba en el fondo de la mochila. Para mi sorpresa, estaba absolutamente hecho mierda. Pensé en estrolarlo contra la vereda, pero en lugar de eso atiné a depositarlo suavemente en un sucio, garabateado, escupido y pegajoso cesto municipal.

Mientras tanto

2007-09-30T16:01:00.000-03:00

Todavía sigo esperando la revolución que anunciara Madonna en el Live 8, y la detención del calentamiento global luego del Live Earth. Mientras tanto, siguen sin despertar dos de los grandes líderes revolucionarios: Bono, de su siesta en los pechos de Penélope Cruz, y Carlos “Indio” Solari, de su bucólico descanso casaquintesco de conurbano.
No me quedó otra que ponerme a escuchar viejos cassettes con horas y horas de fragmentos musicales que jamás llegaron a completarse, concretarse; aunque, entre tantos retazos, pedacitos inconclusos, hallé una interesante pieza instrumental que, según recuerdo, se llamaba “Alfalfa”. También me puse a revisar un viejo cuadernito con cientos de frases sueltas, escritas según la “técnica” de la libre asociación; entre ellas, las siguientes oraciones que reuní en su momento bajo el nombre de “Nubosidad variable”:

Y cuando volvía me detuve a pensar:
Que podría haber caído cuesta abajo
Me hubiese dado un pánico de attack
Y mis rodillas olerían a Espadol
Y alguien iba a decir, mientras tanto:
“Eso está muy bien”.

En cualquier momento (antes de diciembre) se viene el Compilado de Primavera

2007-09-21T22:06:00.000-03:00

Dijo algún "poeta" latino: "Todo comenzó / algún tiempo atrás,/ en la Isla del Sol./Se cruzaron los dos caminos / por casualidad..."
Bueno, pues toda esa mierda me recuerda a Puente Mitre, etc., ¿quién no hizo cualquiera alguna vez? También he pasado todo 1997 metido en La Negra de Ayacucho y Las Heras, antes de que fuera acaparado por rollingas...
Pero nada de esto tendrá lugar en el Compilado de Primavera de Pop is Dead; a tal punto que, viendo la lista de temas, huele un poco a "dinosaurio" –con toda la carga cariñosa que le puedo dar a ese concepto–, aunque adelanto que el rock bien clásico recién vendrá en el Compilado de Verano.
Así, por ahora deberán conformarse con Travelling Wilburys, Air, Tom Petty, Crosby, Stills, Nash & Young, Belle and Sebastian, etc.
Y, como siempre digo, no confundan a Franz Kafka con Guido Kaczka. ¡Por favor!

El libro que no debes leer

2007-09-16T17:09:00.000-03:00

No fue sino gracias a una feria americana que se desarrollaba a la vuelta de casa, que llegó a mis manos un ajado, amarillento y descosido ejemplar de Cuentos para leer sin rimmel, de Poldy Bird. La adquisición del libro no sólo se debió a la módica cantidad de pesos exigida por el mismo, sino a un recuerdo que yo tenía de un triste cuento de la autora llamado “La casa donde me decían Poldita”, presente en la famosa compilación para adolescentes Caramelos surtidos (1988, Ed. Orión). Sin reparos sobre la obviedad del título, de neto corte femenino y melancólico, comencé a recorrer los relatos, de escasa extensión la mayoría, hasta que –reconozco– me ví frenando algún lagrimón ante esas historias de amores desvanecidos, de enfermedades terminales, de recuerdos de seres queridos que ya no están, todo servido a través de un lenguaje sencillo, ágil, medio sensiblero, telenovelesco, que pinta personajes de mirada extraviada, presos de un otoño infinito.
Hasta aquí todo más o menos bien… si no fuera porque mientras promediaba mi primera lectura, cerca de las once de la noche, alguien me llamó avisándome que debía ir a un velorio; y, casi un año después, al retomar la lectura desde donde la había dejado, me enteré de la internación de mi abuelo, con pronóstico reservado.
De modo que tengo mis razones como nunca más abrir esas páginas ajadas, gruesas, marrones, olorosas; y, además, espero con ansias el momento de sacármelo de encima, porque para colmo ¡sigue ahí, descansando en la mesa de luz, lleno de tierra y tapado por documentos, monedas, mi billetera y el transporte para las guitarras!
No lo quiero ni tocar. Creo que mañana lo voy a dejar en el banco de una plaza.

Supertramp - "Breakfast in America" (1979)

2007-09-09T18:29:00.003-03:00

Este es un disco que, como tantos otros, conocí hace muchos años gracias a mis padres, a quienes un buen día se les ocurrió ponerlo en el living a todo volumen.

Era un cassette reemplazante de la extraviada copia de vinilo de esta obra de 1979 que significó el primer y ansiado gran éxito en las listas norteamericanas del conjunto inglés (de ahí el título autorreferencial) y, al mismo tiempo, el cisma definitivo entre los líderes y tecladistas Roger Hodgson y Rick Davies, que culminaría con el alejamiento del primero tras el premonitorio Famous last words (1982). La merma en la calidad de las producciones posteriores, bajo el liderazgo total de Davies, demostraría quién llevaba los pantalones allí.

Si Supertramp es o no un grupo de rock progresivo ha sido siempre tema de debate. Yo prefiero pensar que simplemente han coqueteado con el prog, lo que resulta muchísimo más visible en sus LPs anteriores, maravillas como Crime of the Century (1974) o el impresionante Even in the Quietest Moments… (1977) que, no obstante, han sido eclipsadas y no sé si hasta perjudicadas por el éxito comercial de Breakfast; de hecho, no son pocos los que han metido a estos artesanos del pop en la misma bolsa adulta que Toto, REO Speedwagon, Foreigner, etc.

Pero no es (tan) así. Si bien Supertramp devino con este trabajo un grupo totalmente radiable, no puede dejar de apreciarse aquí un delicioso tufillo a jazz rock, complejas construcciones melódicas, pegadizos estribillos, melancolía dosificada y la dulzura vocal de Roger Hodgson, cuyo registro agudísimo, en las antípodas de su coequiper Davies, deja como resultado una suerte de duelo, pero de los buenos, entre ambas fuerzas compositivas.

Y qué singles: "The Logical Song", "Goodbye Stranger", "Take the long way home", "Breakfast in America"... elijan y ganen.

¿Comercial? Sí, ¿y qué?

¿Música para FM? Sí, ¿y?

Lesson One

2007-09-02T17:39:00.000-03:00

Mr. Green: Good morning, Susan. How are you?
Susan: Good morning, Mr. Green. I'm fine, thanks.
Mr. Green: Tell me, Susan, do you like music?
Susan: Yes, I do. And I like chocolate too. Do you like sweet?
Mr. Green: No, I don't.

Impacto ambiental

2007-08-26T17:36:00.000-03:00

He aquí la que seguramente es una de mis mejores fotografías, titulada “...a con 55 años de e...”, y cuyo autor es mi amigo Emir Alcantarilla. Allí se puede ver a Perry profanando la fachada de una de las nuevas torres que le dejará al barrio de Belgrano una casona menos y una mayor densidad poblacional. Y, a propósito de esto, el otro día, mientras volvía del laburo en tren, observé unos colosales edificios a estrenar en Núñez, y saqué el siguiente y curioso cálculo: resulta que en el mismo espacio en el que antaño cagaban cuatro personas, ahora lo harán 120. Esto equivale a comparar un inofensivo balde de mierda con un volquete de heces que irán a parar al Río de la Plata de un saque. Concluí que el controvertido tema de la urbanización violenta no siempre es abarcado desde la mierdología, y que es necesario un estudio serio de este aspecto si quieren nuestra costa deje ser el gigantesco inodoro que es.

La "poesía" del nuevo rock argentino, parte III

2007-08-19T20:39:00.001-03:00

Los dos se conocieron del chamuyo al pasar
más que amanecidos en la esquina de un bar
él sólo llevaba un saco viejo marrón
y ella largos rocanroles en su corazón
ohohoho lleva rocanrol
ohohoho lleva rocanrol
ohohoho lleva rocanrol

y brindaron con un vino de segunda selección
y armaron uno grande para que haya acción
entre la locura delataron su amor
y el bajo la luna le escribio una canción
ohohoho lleva rocanrol
ohohoho lleva rocanrol
ohohoho lleva rocanrol (...)

Podría aventurar una explicación breve, simplista, acotada y, si se quiere, elitista acerca del rock "viejita", ya que estoy bastante harto de ser políticamente correcto. Aunque adhiero a la explicación que incluye el desempleo de la década menemista, la falta de oportunidades y el nuevo "no future", en el contexto de una violenta reestructuración económica, política, social y cultural y...
Pero no se trata sólo de la horrible música de estas bandas, sino que también me ponen loco los nombres:
* Ruta 2
* Rockas viejas
* Rutas lejanas
* Sucias rockas
* Jóvenes Pordioseros
Por no mencionar aquellos que apelan al artículo "La": La Bufona, La Cruzada, La Tirada,...
Pero ¡epa! Hasta ahora, no ví que hayan cargado contra Miguel Mateos (Máikel, para los amigos) por ponerle Rockas Vivas a su (¡buen!) disco en vivo de 1985. Quizás haya sido él el que tiró la primera piedra.

Sigur Rós - ( ) (2002)

2007-08-05T17:10:00.004-03:00

Descubrí a Sigur Rós mientras me hundía en las bateas de la disquería Abraxas (Galería 5ta Avenida), allá por 2001. El disco que sonaba era Ágætis Byrjun (Un buen comienzo) (1999), segundo Lp de estos jóvenes islandeses formados en 1994 a los que, al día de hoy, considero como mi último descubrimiento, ya que por el momento tengo poco interés en las bandas que tan en boga están, según el criterio de Kabul Rock o Velvet Rockmine.

Lo cierto es que el flechazo fue instantáneo (es muy probable que mis años como floydiano hayan ayudado mucho).

Este trabajo es conocido también como "el disco sin título de las canciones sin título". Al escucharlo por vez primera literalmente me fui hundiendo en el colchón (estaba viejo) hasta sentir frío (eso que era diciembre), y pensé que sí, que eso era música para ángeles, que la voz de Jonsi Þór Birgisson (guitarra, canto, efectos varios –arco de violín, e-bow–) era suprahumana, y que las letras decían lo que yo quería, porque sí, están cantadas en “hopelandish” (una suerte de sanata propia de cuando los temas no tienen letra definida), y las caricias de los teclados, órganos, pianos y celestas hacían de la primera parte del disco un elogio de las canciones de cuna. Y poco importa si en la segunda mitad Sigur Rós baja a tierra y empieza a aparecer una forma, si se quiere, más pop, pero igual de densa, etérea y gélida, ya que Thom Yorke estaba por llevarlos de gira con los cabeza de radio, gracias a un arte que es una lección no sólo para el edulcorado líder de Coldplay, sino para varios de los miserables herederos british de The Bends y Ok Computer.

Y viva Sigur Rós, porque es algo que tiende a quedar entre nosotros, porque cuando suenan todo es belleza y armonía, y porque tienen sentido del humor: el cantante ha declarado ser fan de Iron Maiden, y afirman no estar influenciados por el paisaje de Islandia. Lástima que sus discos, que cuentan con una presentación fabulosa, no bajen de los 75 pesos. De cualquier modo, alguien ha logrado que EMI de Argentina editara su último trabajo, Takk… (Gracias…) (2005). Aprovechen, porque esa persona seguramente todavía debe estar arrepintiéndose.

Björk - "Post" (1995)

2007-07-29T17:41:00.007-03:00

Para mí, todo lo que hace Björk es, como mínimo, interesante. Sin duda haré lo posible por estar en alguno de los conciertos que dará en noviembre en el Gran Rex, pero por lo pronto lo que hay son discos, de modo que no me queda otra que referirme a los dos primeros de la diminuta islandesa.

Luego de la disolución de la alocada banda new wave The Sugarcubes, y una vez radicada en Londres, la cantante apellidada Guðmundsdóttir (¿what?) relanzó su carrera solista –que había comenzado extraoficialmente en 1977, con un disco de canciones populares– con la ayuda de Nellee Hooper, ex Soul II Soul y experto en hip-hop, por ende, en programaciones de ritmos densos e hipnóticos. Su disco debut, llamado precisamente Debut (1993), irrumpió con fuerza en la escena electrónica europea, y logró captar tanto a chicas pop como a rockeros sensibles, con sus extrañas armonías y su compleja instrumentación, a lo que se sumaba un –por momentos– exagerado histrionismo vocal por parte de la cantante (por ello es considerada por muchos como “insoportable”), que sin embargo constituye su rasgo distintivo.

El gran éxito de Debut (lanzado por el sello independiente One Little Indian), álbum original si lo hay, provocó el interés de gente como Madonna, ávida como siempre por contratar al productor o colaborador de moda, y sirvió como puente para el esperado sucesor, titulado Post (como referencia a las postales que enviaba desde la isla hacia su isla), puente a su vez para el ingreso de Björk al mundo del galardón.

Aunque menos minimalista que Debut, el disco ahonda aún más en la pretensión de la petisa de apabullar al oyente con sus canciones locas, intimistas casi hasta el onanismo (de hecho, como dije, las letras no son más que epístolas que retratan el estado de ánimo de la Guðmundsdóttir), pero lo hace presentando lo que es una estupenda colección de singles (cualquier canción del disco podría serlo) que combina prácticamente todas las estúpidas etiquetas que en los 90 se le puso a las diferentes expresiones electrónicas: drum n’ bass (“Army of Me”), trip-hop (“Possibly Maybe”, una de mis favoritas, con ese loop del ringer del teléfono apagado con el filtro de resonancia), trance-hop (el siniestro “Enjoy”, con la colaboración de Tricky), más un recreo de music-hall (“It’s oh so quiet”) y algún arrebato melódico (“Isobel”, con soberbios arreglos de cuerdas de Eumir Deodato, “You’ve been flirting again”).

Este excelente álbum le daría a Björk no sólo una fama de alcance mundial, sino también una merecida reputación de artista verdaderamente experimental (algo que se vislumbra al escuchar cualquier obra de la islandesa) que hace exactamente "lo que se le canta". Indudablemente, guste o no, esto le permite erigirse como contrapartida perfecta tanto de las típicas y abominables cantantes con voz “de reality show” (Aguilera, Stone, etc.), como de la autodenominada chica material.